Born from the collaboration between Snøhetta and one of Sweden’s leading lighting manufacturers, ateljé Lyktan Superdupertube is the result of a contemporary restyling and material research to renew the iconic Supertube from the 1970s. The journey began several years ago with the aim of finding local materials with a lower ecological footprint. Hemp, with its robust fibers and minimal impact, emerged as the optimal choice, reducing CO2 emissions by over 50% compared to traditional aluminum variants. (Cover image by ateljé Lyktan)

“When ateljé Lyktan challenged us to create a new technical office luminaire, we rediscovered their iconic Supertube from the 1970s. Our joint decision was clear—let’s update and elevate the Supertube to a 2.0 version, guided by our commitment to sustainability and cradle-to-cradle thinking.” says Snøhetta Partner, Jenny B. Osuldsen.

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Superdupertube is the first project where a material based on hemp is extruded in an existing extrusion process. The organic material mix, enhanced with sugarcane starch, met the product’s functional requirements. An interesting aspect is the aesthetic appearance of the material: the color of each lamp will vary with different hemp crops, and this natural variation also affects the color temperature of the light (K).

Recognizing that 70-80% of a luminaire’s climate impact occurs during the user phase, Snøhetta and ateljé Lyktan incorporated smart lighting systems to reduce energy consumption and expand its lifetime. The design of Superdupertube has optimized easy assembly and disassembly by enabling components to slide in place without glues and minimal use of screws. This also makes it possible to easily replace parts and repair malfunctions. Superdupertube not only reduces dependence on fossil raw materials but is also industrially compostable.

Designed as a versatile office lamp, the Superdupertube is available in four lengths. The diagonal louver reduces glare through longitudinal and diagonal light shielding and imparts a distinctive character to the fixtures. For more information about the product, visit Snøhetta’s website!

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Nata dalla collaborazione tra Snøhetta e uno dei principali produttori svedesi di illuminazione, ateljé Lyktan, Superdupertube è il risultato di un restyling contemporaneo e una ricerca sui materiali per rinnovare l’iconico Supertube degli anni ’70. Il percorso è iniziato diversi anni fa e l’obbiettivo era trovare materiali locali con una minore impronta ecologica. La canapa, con le sue fibre robuste e un impatto minimo, è emersa come la scelta ottimale, riducendo le emissioni di CO2 di oltre il 50% rispetto alle varianti tradizionali in alluminio. (Immagine copertina di ateljé Lyktan)

“Quando ateljé Lyktan ci ha sfidato a creare una nuova lampada tecnica per ufficio, abbiamo riscoperto il loro iconico Supertube degli anni ’70. La nostra decisione comune è stata chiara: aggiorniamo ed eleviamo il Supertube a una versione 2.0, guidati dal nostro impegno per la sostenibilità e il pensiero cradle-to-cradle,” afferma Jenny B. Osuldsen, partner di Snøhetta.

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Superdupertube è il primo progetto in cui un materiale a base di canapa viene estruso in un processo già esistente. La miscela di materiali organici, arricchita con amido di canna da zucchero, ha soddisfatto le esigenze funzionali del prodotto. Un aspetto interessante è l’estetica del materiale: il colore di ogni lampada varierà con le diverse colture di canapa e questa variazione naturale influisce anche sulla temperatura del colore della luce (K).

Riconoscendo che il 70-80% dell’impatto climatico di una lampada si verifica durante la fase di utilizzo, Snøhetta e ateljé Lyktan hanno incorporato sistemi di illuminazione smart per ridurre il consumo energetico e prolungarne la durata. Il design di Superdupertube facilita il montaggio e lo smontaggio consentendo ai componenti di scorrere in posizione senza colla e con un uso minimo di viti. Questo rende anche possibile sostituire facilmente le parti e ripararne i malfunzionamenti. Superdupertube non solo riduce la dipendenza dalle materie prime fossili ma è anche compostabile a livello industriale.

Progettata come una lampada per ufficio versatile, Superdupertube è disponibile in quattro lunghezze. La griglia diagonale riduce l’abbagliamento attraverso una schermatura longitudinale e diagonale della luce e conferisce carattere ai dispositivi. Per maggiori informazioni sul prodotto visitate il sito di Snøhetta!

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Tra le diverse forme di energy harvesting, ovvero quel processo attraverso il quale l’energia derivante da fonti “non convenzionali” viene reperita ed utilizzata, c’è anche la termoelettricità che studia i diversi fenomeni di conversione del calore in elettricità e viceversa che si verificano in tutti i materiali. Per la sua tesi in Product Design allo IED di Cagliari (2021), Gabriele Onnis ha sperimentato e sviluppato un sistema di illuminazione stabile – chiamato PHOS – che sfrutta questo fenomeno: grazie al calore viene prodotta e accumulata energia elettrica per attivare il corpo illuminante.

“Per arrivare alla realizzazione di un sistema termoelettrico a fiamma libera stabile c’è voluto quasi un anno di sperimentazione personale” racconta Gabriele. Il designer ha collaborato con Veil Energy per lo sviluppo del sistema termoelettrico – azienda tecnologica con sede a Bolzano, fondata da l’Ing. Marianna Benetti e Klauss Kress – mentre l’evoluzione del sistema è stata realizzata in collaborazione con l’Ing. Paolo Gobbato. L’obiettivo non era solo raggiungere un sistema stabile, ma che rispondesse anche a requisiti termici, termoelettrici e di funzionalità e design.

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Come funziona PHOS

PHOS è costituito da due corpi: il bruciatore a bioetanolo (combustibile prodotto dalla fermentazione delle biomasse) e la lampada. Il primo, grazie all’unità termoelettrica, produce calore che viene poi trasformato in energia elettrica. Questa energia, accumulata e prodotta dalla power unit, serve per far funzionare la lampada. Il designer ha voluto progettare due elementi distinti ma che avessero un forte legame durante il funzionamento.

“La funzionalità di PHOS si basa sull’utilizzo delle celle di Peltier, componenti elettronici capaci di sviluppare una differenza di temperatura tra le sue due superfici quando vengono attraversati da una corrente elettrica. Tale fenomeno è reversibile per l’effetto Seebeck: infatti se la cella è sottoposta ad una differenza di temperatura, si comporta come un generatore di tensione. Per mantenere questa differenza di temperatura costante la cella viene accoppiata ad un dissipatore di calore e a una ventola di raffreddamento.”

Il funzionamento di PHOS parte dall’unità di produzione energetica (il biocamino), costituita da:
– una scocca superiore in acciaio inox in cui è presente il sistema termoelettrico,
– un cilindro in vetro borosilicato che racchiude la fiamma
– una scocca inferiore in acciaio, in cui è presente il bruciatore a bioetanolo.

Il calore viene trasformato in energia elettrica dal sistema termoelettrico racchiuso nella scocca superiore. Tramite dei punti di contatto posti tra la base del bruciatore e i manici della lampada i due corpi si uniscono permettendo che il primo trasmetta l’energia elettrica al secondo per caricare la batteria in circa 100 minuti. Una volta caricata, i due corpi possono anche essere separati e utilizzati autonomamente. La lampada ha un diffusore a cono orientabile con interruttore e luce a LED.

Con PHOS, Gabriele ha progettato un sistema illuminante autosufficiente per l’ambiente domestico: due sorgenti luminose trasportabili, dove fuoco e luce sono indissolubilmente legati tra loro, in cui l’energia termoelettrica viene prodotta, accumulata ed utilizzata. PHOS attualmente esiste come prototipo sperimentale funzionante in unica copia, ed è stato selezionato tra i 100 progetti presenti alla mostra temporanea dell’ADI Design Museum dedicata ai designer italiani under 35 “Italy: a New Collective Landscape”, curata da Angela Rui con Elisabetta Donati de Conti e Matilde Losi, che, dal 19 gennaio fino al 19 maggio 2024, sarà presentata presso l’HKDI Gallery di Hong Kong.

Per scoprire altri progetti del designer Gabriele Onnis visitate il suo sito e seguitelo su Instagram!

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Among the different forms of energy harvesting, i.e., the process through which energy from ‘unconventional’ sources is found and utilized, there is also thermoelectricity, which studies the different phenomena of conversion of heat into electricity and vice versa that occur in all materials. For his thesis project in Product Design at the IED in Cagliari (2021), Gabriele Onnis experimented with thermoelectricity and developed a stable lighting system – called PHOS – that exploits this phenomenon: thanks to heat, electrical energy is produced and stored to activate the luminaire.

“It took almost a year of personal experimentation to come up with a thermoelectric stable open flame system,” Gabriele recounts. The designer collaborated with Veil Energy to develop the thermoelectric system – a technology company based in Bolzano, founded by engineer Marianna Benetti and Klauss Kress – while the system’s evolution was realized in collaboration with engineer Paolo Gobbato. The goal was not only to achieve a stable system but also one that fulfilled thermal, thermoelectric, functionality, and design requirements.

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How PHOS works

PHOS consists of two bodies: the bioethanol burner (fuel produced by the fermentation of biomass) and the lamp. The former, thanks to the thermoelectric unit, produces heat which is then converted into electrical energy. This energy, stored and produced by the power unit, is used to operate the lamp. The designer wanted to design two separate elements that had a strong connection during operation.

“The functionality of PHOS is based on the use of Peltier cells, electronic components capable of developing a temperature difference between its two surfaces when an electric current passes through them. This phenomenon is reversible due to the Seebeck effect: in fact, if the cell is subjected to a temperature difference, it behaves like a voltage generator. To keep this temperature difference constant, the cell is coupled to a heat sink and a cooling fan.”

PHOS starts with the energy production unit (the bio-fireplace), consisting of:

a stainless steel upper body housing the thermoelectric system,
a borosilicate glass cylinder enclosing the flame,
a lower steel body housing the bioethanol burner.

The heat is converted into electrical energy by the thermoelectric system enclosed in the upper body. By means of contact points between the base of the burner and the lamp handles, the two bodies come together, allowing the former to transmit electricity to the latter to charge its battery in about 100 minutes. Once charged, the two bodies can also be separated and used independently. The lamp has an adjustable cone diffuser with a switch and LED light.

With PHOS, Gabriele has designed a self-sufficient lighting system for the domestic environment: two transportable light sources, where fire and light are inextricably linked and where thermoelectric energy is produced, stored, and utilized. PHOS currently exists as a single working experimental prototype and has been selected from among the 100 projects in the ADI Design Museum’s temporary exhibition dedicated to Italian designers under 35 “Italy: a New Collective Landscape”, curated by Angela Rui with Elisabetta Donati de Conti and Matilde Losi, which will be presented at the HKDI Gallery in Hong Kong from 19 January to 19 May 2024.

To discover more projects by designer Gabriele Onnis, visit his website and follow him on Instagram!!

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Today WeVux presents a new sustainable project, Lampunto, the new lamps collection signed by Alara Ertenü Studio – previously on WeVux with the biodegradable Packioli packaging. Alara is a material designer and industrial design student in Izmir, Turkey. The focus of her studio is to transform waste into indispensable products.

Lampunto stems from a criticism in the Turkish agricultural production system: “According to the information received from corn processing manufacturers, after the industrial parts of the plant have been screened, millions of tons of corn stalks and husks are burnt.”

Just like Packioli, which exploited artichoke leaves and stems – that in the past were used as animal feed and have now become waste due to the reduction in demand and the decline of Turkish livestock farming – Lampunto seeks to combine the enormous agricultural waste produced in Turkey to demonstrate to producers and customers that these can be transformed into everyday products, perfect for the domestic environment and beyond.

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Specifically, the first two Lampunto collections, made with corn husk bioplastic and pea pod bioplastic, have 2 different models in 3 different sizes. The materials have been specially developed to maximize the use of waste while minimizing the addition of natural binders – the collection contains no PLA, no bio-based glue or resins.

A 100% organic, biodegradable and locally sourced lamp. The production process is done by hand and the transition from 2D to 3D allows the application of screen printing. In addition, the optimization of waste and natural binder content also allows end users to perceive and appreciate the organic consistency and light scent of Lampunto.

A collection of 100% sustainable lamps which – once again – demonstrates the importance of waste, which can become a new raw material for a truly environmentally conscious lifestyle.

For more information visit Alara Ertenü Studio and follow the studio also on Instagram. For those who will be in Milan during Design Week, the collection will be part of the Circolare – The Circular Village exhibition, part of the Isola Design Festival program.
Image courtesy Alara Ertenü Studio

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Torniamo a parlare di progetti sostenibili con Lampunto, il nuovo prodotto firmato Alara Ertenü Studio – già su WeVux con il packaging biodegradabile Packioli. Alara è una material designer e studentessa di design industriale a Izmir, in Turchia. Il focus del suo studio è quello di trasformare i rifiuti in prodotti indispensabili.

Lampunto nasce da una criticità nel sistema di produzione agricolo turco: “Secondo le informazioni ricevute dai produttori che lavorano il mais, dopo che le parti industriali della pianta vengono divise dagli “scarti”, milioni di tonnellate di gambi e bucce vengono bruciate.”

Esattamente come Packioli, che sfruttava le foglie e steli di carciofo – che in passato venivano utilizzate come mangime per gli animali e ora diventati scarti a causa della riduzione della domanda e del declino degli allevamenti turchi – Lampunto cerca di riutilizzare gli enormi rifiuti agricoli prodotti in Turchia per dimostrare ai produttori e ai clienti che questi possono essere trasformati in prodotti di uso quotidiano, perfetti per l’ambiente domestico e non solo.

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Nello specifico le prime due collezioni di Lampunto, realizzate con bioplastica di lolla di mais e bioplastica di baccelli di pisello, hanno 2 diversi modelli in 3 dimensioni differenti. I materiali sono stati appositamente sviluppati per massimizzare l’uso dei rifiuti riducendo al minimo l’aggiunta di leganti naturali – la collezione non contiene PLA, nessuna colla o resina a base biologica.

Un prodotto organico al 100%, biodegradabile e di provenienza locale. Il processo di produzione è realizzato a mano e il passaggio da 2D a 3D permette di personalizzare il prodotto con la stampa serigrafica. In più, l’ottimizzazione dei rifiuti e del contenuto di legante naturale consente anche agli utenti finali di percepire e apprezzare la consistenza organica e il leggero profumo di Lampunto.

Una collezione di lampade al 100% sostenibile che – ancora una volta – ci dimostra l’importanza degli scarti, che possono diventare una nuova materia prima per uno stile di vita realmente attento all’ambiente.

Per maggiori informazioni visitate Alara Ertenü Studio e seguite lo studio anche su Instagram. Per chi sarà a Milano durante la Design Week, la collezione sarà parte della mostra Circolare – The Circular Village di Isola Design Festival.
Foto © Alara Ertenü Studio

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During the last two years, one of the increasingly central themes in the sector is that of the Circular Economy. The world of Design, which has always been responsive to external stimuli, is working hard to find sustainable solutions that can make a real difference. In recent months, we have talked about many material experiments and researches, but today we are presenting a final product, an example of a Circular Economy paradigm that combines design and sustainability, in a totally Made in Italy supply chain.

After years of research into new biomaterials, the Milan-based start-up Krill Design has created Ohmie The Orange Lamp™, by transforming the peels of Sicilian oranges into a 100% natural and compostable lamp. Krill Design specializes in the research and development of organic materials as a precious resource that offers new material experiences and builds the potential for circular design. Krill Design clients include Enel, Autogrill and San Pellegrino, who rely on the start-up both for its innovation and expertise in sustainable design.

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Each lamp is made from the discarded peels of two or three oranges sourced from a family-owned food producer in the Messina province, Sicily. Ohmie addresses the problem of over-exploitation of natural resources by transforming a product that is often mistaken as waste into a valuable material. Sicily in fact produces about 3% of global oranges, which allows to stock up the so-called waste, and never run out of material for production.

From a design point of view, the 23-centimeters-tall lamp reflects its origins through the surface texture, its scent and vibrant color. The product is 3D printed to avoid waste in production. Once the peels have arrived in Milan they are dried and ground to a fine, uniform powder. The peel powder is then sent to a compounding facility where it is added to a biopolymeric vegetable starch base. Afterward, the orange biopolymer is produced in the form of pellets. This is the only part of the production phase that is outsourced, mainly due to the bulky and expensive machinery required for the operation. After use, the Ohmie lamp can be broken down by hand into smaller pieces before being thrown away with the household’s organic waste. Currently, the remains have to be sent to a composting facility instead of decomposing straight into nature. The start-up made this decision for material performance and durability reasons but they are experimenting to obtain a biopolymer that can be durable and sturdy, as well as easily compostable in nature or in a home compost.

The product was launched on July 5th with a crowdfunding campaign on Kickstarter. On the Ohmie web page, you can find out all the details and register to directly check the progress of the campaign.
Ohmie the Orange Lamp ™ shows us how food waste can be successfully reused in an eco-design product that is both “beautiful and functional”.

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Uno dei temi di progetto sempre più centrali nelle discussioni di questi ultimi due anni è quello dell’Economia Circolare. Il mondo del Design, da sempre reattivo agli stimoli esterni, si sta dando da fare per trovare soluzioni sostenibili, in grado di fare la differenza. Negli ultimi mesi vi abbiamo parlato di molte sperimentazioni materiali e ricerche, oggi invece vi presentiamo un prodotto “fatto e finito”, esempio di un paradigma di Circular Economy che unisce design e sostenibilità in una filiera totalmente Made in Italy.

Dopo anni di ricerca sui nuovi biomateriali, la start-up milanese Krill Design ha creato Ohmie The Orange Lamp™, trasformando le bucce delle arance siciliane in una lampada 100% naturale e compostabile. Krill Design è specializzata nella ricerca e sviluppo di materiali organici come risorsa preziosa che offre nuove material experiences e getta le basi del design circolare. A fare da garanti della qualità dell’operato della startup, tra i suoi clienti troviamo anche Enel, Autogrill e San Pellegrino. I famosi marchi si sono tutti affidati a Krill Design per l’innovazione tecnologica e la sua expertise nel campo del design sostenibile.

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Per cogliere tutta la potenza racchiusa in Ohmie the Orange Lamp™ basta dire che ogni lampada contiene le bucce di 2-3 arance provenienti da un’azienda alimentare a conduzione familiare nella provincia di Messina, Sicilia. Il progetto affronta il problema del super-sfruttamento delle risorse naturali, trasformando un materiale, spesso considerato erroneamente un rifiuto, in una risorsa preziosa. La Sicilia infatti produce circa il 3% di tutte le arance nel mondo, questo garantisce una seconda vita al cosiddetto scarto e consente di avere sempre materia prima per la produzione.

Dal punto di vista del design, la lampada, alta 23cm, riflette le sue origini attraverso la texture della superficie, il profumo e il colore vibrante. Il prodotto è stampato in 3D per evitare sprechi in fase di produzione. Le bucce arrivano a Milano, dove vengono essiccate e macinate per creare una polvere uniforme. Questa viene quindi inviata a un impianto di compounding dove viene aggiunta a una base di amido vegetale biopolimerico. Successivamente, il biopolimero arancione viene prodotto sotto forma di pellet. Questa è l’unica parte della fase di produzione che viene esternalizzata, soprattutto a causa dei macchinari richiesti per l’operazione, ingombranti e poco economici. Dopo l’uso, la lampada Ohmie può essere scomposta a mano in pezzi più piccoli prima di essere gettata via con i rifiuti organici domestici. Al momento, i resti devono essere inviati a un impianto di compostaggio invece di decomporsi direttamente nella natura. La start-up ha preso questa decisione per motivi di prestazioni e durata del materiale, ma sta sperimentando per ottenere un biopolimero che possa essere durevole e robusto, nonché facilmente compostabile in natura o in un compost casalingo.

Il prodotto è stato lanciato il 5 luglio con una campagna di crowdfunding su Kickstarter. Sulla pagina web dedicata, è possibile scoprirne tutti i dettagli e registrarsi per controllare direttamente l’andamento della campagna.
Con Ohmie the Orange Lamp™ abbiamo un chiaro esempio di come i rifiuti alimentari possono essere riutilizzati con successo in un prodotto di eco-design che sia allo stesso tempo “bello e funzionale”.

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With a spirit of research worthy of the name of Designer, Isato Prugger shows us a project that becomes fundamental for contemporary production dynamics, for many aspects. The Studio Lamp collection is the result of the desire to experiment with wood and serial production, trying not to compromise the characteristics of this material but rather amplifying them. Isato Prugger is an Italian designer with Ladin and Japanese cultural backgrounds. Founder of the MAIS Project studio together with Matteo Mariani (on WeVux with FLAI and Bicè Bio), during the pandemic he decided to embark on a very interesting personal project, the Studio Lamp collection. The main criticism behind the concept is that the modern and minimal design has preferred the use of cold and unemotional materials, perfect for the logic of standardization and repeatability. All of this, at the expense of materials such as wood, unpredictable in its characteristics and at the same time a symbol of human expressiveness. What if we try to merge these two worlds again?

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The collection of table lamps with monolithic proportions (the final dimensions are 14,5 x 8,6 x 5,1 in) combines traditional craftsmanship and industrial technology, trying to give an alternative to the continuous miniaturization and digitization of the world of lighting. Through the collaboration with the wood craftsmen of Val Gardena, his father’s birthplace, Isato designed an object sculpture that invites you to touch it, show it, perceive it. The series consists of 100 pieces in six different wood essences: olive, wengé, padouk, oak, Canaletto walnut, and white ash.

Studio Lamp is designed with OLED (Organic LED). Unlike the LED, the OLED uniformly illuminates the entire surface, thus providing full-spectrum illumination, soft and free of multi-shadows. The innovative technology also reduces eye fatigue by decreasing blue light emissions.

The designer becomes the mediator between the world of craftsmanship and the industrial one, selecting the essences and designing an important shape that pays homage to the material. Through the combination of industrial and artisanal processes, Studio Lamp brings the beauty of wood back into our homes with an aesthetically pleasing object, which must be shown. The lamps are available for purchase at the renowned design galleries The Invisible Collection (United States, United Kingdom, France), Bazar Noir (Germany), Galerie Philia (Switzerland).

Visit Isato Prugger’s website to see more projects and follow him on Instagram!
Photography by Tomaso Carbone

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Con uno spirito di ricerca degno del nome di Designer, Isato Prugger ci mostra un progetto che diventa fondamentale per le dinamiche di produzione contemporanee, sotto molti aspetti. La collezione Studio Lamp è il risultato della voglia di sperimentare con il legno e la produzione seriale, cercando di non compromettere le caratteristiche di questo materiale, artigianale per definizione, ma anzi amplificandole. Isato Prugger è un designer italiano con un background culturale ladino e giapponese. Fondatore dello studio MAIS Project insieme a Matteo Mariani (su WeVux con FLAI e Bicè Bio), durante la pandemia ha deciso di imbarcarsi in un progetto personale molto interessante, la collezione Studio Lamp. La critica principale dietro l’idea è che il design moderno e minimal ha preferito l’uso di materiali freddi e poco emozionali, perfetti per le logiche di standardizzazione e ripetibilità, a scapito di materiali come il legno, imprevedibile nelle sue caratteristiche, e al tempo stesso simbolo dell’espressività umana. E se provassimo a ri-unire questi due mondi?

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La collezione di lampade da tavolo dalle proporzioni monolitiche (le dimensioni finali sono 37 x 22 x 13 cm) unisce tradizione artigianale e tecnologia industriale cercando di dare un’alternativa alla continua miniaturizzazione e digitalizzazione del mondo dell’illuminazione. Attraverso la collaborazione con i protagonisti dell’artigianato del legno della Val Gardena, luogo natale paterno, Isato progetta una scultura oggetto che invita ad essere toccata, mostrata e percepita. La serie è composta da 100 pezzi in sei essenze lignee diverse: ulivo, wengé, padouk, rovere, noce canaletto e frassino sbiancato.

Studio Lamp illumina lo spazio per mezzo di un OLED (Organic LED) dimmerabile di ultima generazione. A differenza del LED, l’OLED illumina uniformemente l’intera superficie, fornendo quindi una luce a spettro completo, morbida e priva di ombre multiple (multi-shadow). L’innovativa tecnologia inoltre riduce l’affaticamento degli occhi diminuendo le emissioni di luce blu, così da renderne ideale l’utilizzo negli ambienti domestici.

Il designer diventa quindi il mediatore tra il mondo dell’artigianato e quello industriale, selezionando le essenze e progettando una forma importante che rende omaggio al materiale. Attraverso la combinazione di lavorazioni industriali e artigianali, Studio Lamp riporta la bellezza del legno nelle nostre case con un oggetto esteticamente piacevole, che va mostrato. Le lampade sono disponibili per l’acquisto presso le rinomate gallerie di design The Invisible Collection (Stati Uniti, Regno Unito, Francia), Bazar Noir (Germania), Galerie Philia (Svizzera).

Per vedere altri progetti di Isato Prugger visitate il suo sito e seguitelo su Instagram!
Fotografia di Tomaso Carbone

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Sometimes we can find new opportunities in times of crisis and the Neozoon team knows that. The Munich-based startup took advantage of this domestic-confinement moment to think about how we use products in our living spaces. How could our homes become more changeable, interactive, and playful? Can a product give us mobility and freedom? The result is Neozoon, the eponymous mobile lamp which, thanks to a suction cup, can be attached and removed in a few seconds from almost any surface.

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Neozoon is not only perfect for everyday life but also a great travel companion, excellent for long train journeys or camping adventures. Neozoon is sustainably manufactured in Germany using premium materials: medical-grade silicone, aerospace-grade aluminum, and state-of-the-art 3D printed polyamide. The startup claims that production and design follow the Cradle-to-Cradle approach, which means that the product is 100% recyclable.

Neozoon is smoothly dimmable and its battery lasts 6-12hrs. On a smooth surface, the suction cup can stay attached for several months and you don‘t even have to remove it for charging, thanks to the included extra-long USB-C cable. The product is available from April 15 (for 30 days) on Kickstarter, in three different price ranges: Very Early Bird – 95€/110$ (limited to 50 pieces), Early Bird – 110€/132$ (limited to 75) and Kickstarter Deal 120€/144$ (limited to campaign duration). After the campaign ends, Neozoon will be available for 180€/214$.

Since late 2019, Neozoon is developing its brand’s strategy and product. The startup is a member of the Startup League and officially supported by the Munich University of Applied Sciences and the Strascheg Center for Entrepreneurship. The company aims to launch many other products able to give people a “wow effect” and to make our domestic spaces more engaging and fun.

If you want to support Neozoon visit their new Kickstarter campaign here! Click here to see their website and follow them on Instagram!

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Molto spesso dai periodi di crisi nascono delle opportunità e questo lo sa bene il team della startup Neozoon con sede a Monaco, che ha sfruttato questo momento di reclusione domestica per ragionare sull’utilizzo che facciamo dei prodotti nei nostri spazi abitativi. In che modo le nostre case potrebbero diventare più mutevoli, interattive e giocose? Può un prodotto restituirci mobilità e libertà? Il risultato è Neozoon, l’omonima lampada mobile che, grazie ad una ventosa, può essere attaccata e rimossa in pochi secondi da quasi tutte le superfici.

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Neozoon non è pensata solo per le nostre case, ma risulta anche un’ottima compagna di viaggio, per esempio per le lunghe tratte in treno o le avventure in campeggio. La lampada è prodotta in Germania in modo sostenibile e socialmente responsabile utilizzando materiali di prima qualità, come silicone medicale, alluminio 7075 (alluminio aerospaziale o Ergal) e poliammide stampata in 3D. La startup afferma che la produzione e il design seguono l’approccio Cradle-to-Cradle, questo significa che il prodotto è riciclabile al 100%.

Il prodotto è dimmerabile e la sua batteria dura dalle 6 alle 12 ore. Su una superficie liscia, la ventosa può rimanere attaccata per diversi mesi e non è nemmeno necessario rimuoverla per la ricarica, grazie al cavo Usb-C (extra lungo) incluso. Il prodotto è disponibile dal 15 aprile (per 30 giorni) su Kickstarter. Qui potete trovarlo in tre diverse fasce di prezzo: Very Early Bird – 95 € / 110 $ (limitato a 50 pezzi), Early Bird – 110 € / 132 $ (limitato a 75) e Kickstarter Deal 120 € / 144 $ ( limitato alla durata della campagna). Al termine di questa, Neozoon sarà disponibile al pubblico per 180 € / 214 $.

Dalla fine del 2019 la startup Neozoon sta sviluppando la strategia e il prodotto del brand. Il team è membro della Startup League e ufficialmente supportato dalla Munich University of Applied Sciences e dal Strascheg Center for Entrepreneurship. L’obiettivo della compagnia è quello di lanciare molti altri prodotti che possano suscitare un “effetto wow” nell’utente e rendere più coinvolgenti e divertenti i nostri spazi domestici.

In attesa dei futuri prodotti di Neozoon, supportate la loro campagna Kickstarter per questa simpatica e versatile lampada a ventosa! Qui potete visitare il sito della startup e seguirli su Instagram!

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Naver Corp can be defined as the South Korean equivalent of Google: founded in 1999, it runs the country’s most used search engine, Naver. Moreover, in recent years the business has invested into research and development around AI, robotics and mobility. Clova Lamp is one of the results of Naver’s technology.

Using computer vision and artificial intelligence technology, Clova is able to convert the text and images from a book into speech, while an integrated virtual assistant can explain the meaning of words and answer kids’ questions to help them learn. One of the aim of the lamp is to replace smartphones – used when parents are unable to play with their children – by providing a method for independent entertainment.

The product takes the form of a classic desk lamp, rendered in matte white, shock-resistant plastic, with a hemispherical head that is angled down towards the desk. This holds a ring-shaped LED light with a small camera at its centre, which uses image recognition technology to decode illustrations and identifies written words using Optical Character Recognition (OCR). After being analysed by the system’s cloud-based AI, the input from the camera is then converted into speech.

A list of completed books is stored by the device, rewarding kids with badges for different milestones while offering parents insight into their reading patterns and helping them to choose the right literature for their children.

In its function as a light, the device is able to sense the environmental factors that can influence the reading experience and provide a responsive light that is easy on the eyes.

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In 2018 Philippe Malouin (previously on WeVux) realized Line Lamp for
ZaoZuo, the Chinese startup furniture brand directed by Italian designer Luca Nichetto.

Line Lamp is a desk lamp with touch dimming and USB interface for charging. It can be rotated in both directions to keep the light close to the line of sight: 350° clockwise and counterclockwise to expand the illumination range. The lamp arm is also adjustable with a 45° range and can zoom in closer to the table to make the light source more concentrated and provide clearer illumination for fine work.

Visit Philippe Malouin’s website to see more projects!

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Heng Balance Lamp is a product that is breaking away from traditions, with a switch in mid-air. It already won the Red Dot Award 2016 and it’s so successful that the project reached in 2 days its goal on Kickstarter and now it has actually collected 25 times more! The goal was 10.000 dollars and the funds are more than 243.000 and they will surely raise.

Li Zan Wen is a Chinese designer and he created Heng in a really simple way, so simple that you wouldn’t believe. There are no tricks: the lamp ($44, on Kickstarter) is simple and made of a wooden frame with a strip of lights embedded and two wooden balls, each attached to a string. The wooden spheres have magnets inside and their interaction pulls a classic and trivial chain, but the final effect feels like magic! More on Kickstarter!

https://vimeo.com/190811459

via wired

Kairi Eguchi Design is a Japanese studio that has recently launched its Trans-Lamp Collection at Salone Satellite, Salone del Mobile 2015 edition. The designer said the collection includes four different styles of lamps, it is an experimental series and it is designed on the idea of applying theoretical mathematic calculation on standard products in order to create something new. When the products are in the same space they naturally link to one and other, they add a graceful rhythm to the space. By shifting the heights in specific levels while preserving the volume of the frustum of cone, they present a new series of lighting equipment that allows your body to feel the same voluminous whilst changing its style depending on the usage.

More projects on Kairi Eguchi Studio’s site!

An interesting aspect of self-produced and small-series objects and furniture is that, beyond their function, they can also embody part of the designer’s culture. By observing and exploring material choices, aesthetics, and craftsmanship, one has the opportunity to discover a place, an educational background, or a technique that hasn’t been explored before. Looking at LUFFA Project by Samer Selbak, for example, it’s clear that the designer aims to introduce nature into the domestic environment, seeking harmony with everything that is man-made.

Samer is a Palestinian designer living and working in Paris. He graduated from the École des Arts Décoratifs in 2022 with a Master’s in Product Design. Through his projects, which explore the intersection of art, design, and social awareness, he seeks to combine aesthetics with a deeper respect for the impact of our choices. Inspired by his Palestinian roots and rich historical heritage, his use of natural materials and traditional techniques reflects the designer’s interest in the relationship between humans and nature.

LUFFA Project

LUFFA Project focuses on the luffa (or loofah) plant, which has been used for centuries in Arab cultures as a bath sponge. The series of objects is made from two contrasting materials, luffa and steel – to highlight the tension between organic and man-made materials – and dyed using traditional techniques with natural colorants. The project includes Saffeer, a diagonal pendant lamp made from dyed luffa fibers, carefully treated and stitched into a trapezoidal shape. Structured with an internal steel frame, the lamp is designed with durability and sustainability in mind. Reef, on the other hand, is a space divider that serves both as a functional object and a sculptural piece. Made using the same process as Saffeer, the plant fibers are strong and biodegradable, allowing air and light to pass through while maintaining its function as a divider. The structure is supported by two steel bars. To delve deeper into the project, we asked Samer a few questions:

Since luffa is also an edible product, how do you select the resource for your projects?

Samer: In Palestine, we mainly use luffa as a sponge. During my research, I wondered if this fruit was also edible, and I discovered that, indeed, it is consumed primarily in Asia. (Young fruits, when still green and fresh, are edible.) To use luffa as a material, we let the fruit grow on the plant until the autumn sun dries it out. Once it’s fully grown, it’s filled with fibers, which form the internal structure, and covered by a thin but tough skin. Once dried and peeled, the luffa fibers are revealed and can be used as a sponge or, in this case, as a design material.

Do you grow the luffa yourself or rely on local suppliers?

Samer: Some of the luffa I use in my projects is grown by my father, but since I live in Paris, I had to find local distributors to make production more practical. This material is extremely lightweight and is compressed into thin pieces before being shipped in large quantities, making it very efficient. Once rehydrated, the dried luffa sponges double in size, returning to their original shape.

Can you tell us more about the natural dyeing process?

Samer: I use traditional dyeing methods, which involve extracting natural pigments from different plants, fruit peels, and vegetables. Natural dyeing is a science in itself, rich with tones and shades, and it’s extremely difficult to achieve the same results in mass production. For this reason, in my work, I embrace the variations in shades rather than trying to control the color and limit it to industrial standards, which usually involve chemical and synthetic dyes that are harmful to the environment. The dyeing process has taught me to appreciate the “wild” side of natural materials and elements, using them thoughtfully to further enhance the final pieces and make them unique.

Does dyeing the luffa also affect the final color of the light?

Samer: Yes, very subtly. All the light’s colors come from the material’s tones, not the light source. I wanted the source to be neutral, adding a kind of filter that brings out these colored shades. This creates a glow between the light and the dyed luffa that gently illuminates the space with different hues, without oversaturating the environment. I think the final result conveys a sense of calm and a touch of magic, which well represents the idea and process behind these pieces.

The LUFFA project was recently exhibited at Dutch Design Week 2024, at Isola’s Routes to Roots exhibition. To learn more about the project and explore Samer Selbak’s other works, visit his website and follow him on Instagram!

Photography courtesy Samer Selbak

Un aspetto molto interessante di autoproduzioni e piccole serie di oggetti e arredi è che, oltre alla loro funzione, possono racchiudere al loro interno parte della cultura del designer. Osservando ed esplorando le scelte materiche, l’estetica, le lavorazioni utilizzate, si ha la possibilità di conoscere un luogo, un percorso formativo, una tecnica non ancora sperimentata. Guardando LUFFA Project di Samer Selbak, per esempio, è evidente la volontà del designer di introdurre la natura nell’ambiente domestico, cercando un’armonia con tutto ciò che è fatto dall’uomo.

Samer è un designer palestinese che vive e lavora a Parigi, laureato presso l’École des Arts Décoratifs nel 2022 con un Master in Product Design. Attraverso i suoi progetti, che esplorano il punto d’incontro tra arte, design e consapevolezza sociale, ha l’obiettivo di unire l’estetica con un maggiore rispetto dell’impatto che possono avere le nostre scelte. Ispirato dalle radici palestinesi e dal ricco patrimonio storico, l’utilizzo di materiali naturali e di tecniche tradizionali riflette l’interesse del designer verso il rapporto tra uomo e natura.

LUFFA Project

LUFFA Project si concentra sull’omonima pianta, utilizzata da secoli nelle culture arabe come spugna da bagno. La serie di oggetti è composta da due materiali contrastanti, la luffa e l’acciaio – per evidenziare la tensione tra materiale organico e prodotto dall’uomo – e tinta attraverso tecniche tradizionali con colorazioni naturali. Il progetto è costituito da Saffeer, una lampada a sospensione diagonale realizzata in fibre di Luffa tinte, accuratamente trattate e cucite in una forma trapezoidale. Strutturata con un corpo interno in acciaio, la lampada è progettata pensando alla durabilità e alla sostenibilità. Reef, invece, è un divisore di spazi che funge sia da oggetto funzionale sia da pezzo scultoreo. Realizzato con lo stesso processo di Saffeer, le fibre vegetali sono resistenti e biodegradabili, consentendo il passaggio di aria e luce pur mantenendo la funzione di divisore. La struttura è sostenuta da due barre in acciaio. Per approfondire il progetto, abbiamo fatto alcune domande a Samer:

– Poiché la Luffa è anche un prodotto alimentare, come selezioni la risorsa per i tuoi progetti?
Samer: In Palestina usiamo principalmente la Luffa come spugna. Durante la mia ricerca, mi sono chiesto se questo frutto fosse anche commestibile e ho scoperto che, effettivamente, viene consumato principalmente in Asia. (I frutti giovani, quando sono ancora verdi e freschi, sono commestibili.) Per usare la Luffa come materiale, lasciamo crescere il frutto sulla pianta fino a che il sole d’autunno non lo asciuga. Una volta cresciuto è pieno di fibre, che formano la struttura interna, e ricoperto da una pelle sottile ma piuttosto dura. Una volta essiccato e sbucciato, le fibre di Luffa si svelano e possono essere utilizzate come spugna o, in questo caso, come materiale per il design.

– Auto produci la Luffa o ti affidi a aziende locali?
Samer: Una parte della luffa che uso nei miei progetti è coltivata da mio padre, ma poiché vivo a Parigi, ho dovuto trovare distributori locali per dare più senso alla produzione. Questo materiale è estremamente leggero e viene compresso in pezzi sottili prima di essere trasportato in grandi quantità, il che lo rende molto efficiente. Una volta reidratate, le spugne di Luffa essiccate raddoppiano di dimensioni, riprendendo la loro forma originale.

– Puoi dirci di più sul processo di colorazione naturale?
Samer: Utilizzo metodi di tintura tradizionali, che prevedono l’estrazione di coloranti naturali da piante diverse, bucce di frutta e verdura. La tintura naturale è una scienza a sé stante, ricchissima di tonalità e sfumature, ed è estremamente difficile ottenere gli stessi risultati in serie. Per questo motivo, nel mio lavoro ho adottato le diverse sfumature invece di cercare di controllare il colore e limitarlo agli standard industriali, che solitamente utilizzano coloranti chimici e sintetici e sono distruttivi per l’ambiente. Il processo di tintura mi ha insegnato ad apprezzare il lato “selvaggio” dei materiali ed elementi naturali, utilizzandoli in modo ragionato per valorizzare ancora di più i pezzi finali, rendendoli unici.

– La colorazione della Luffa influisce anche sul colore finale della luce?
Samer: Sì, molto sottilmente. Tutti i colori della luce provengono dalle tonalità del materiale, non dalla fonte. Ho voluto che quest’ultima fosse neutra, aggiungendo una sorta di filtro che dona queste sfumature colorate. Tra la luce e la Luffa colorata si crea questo bagliore che illumina delicatamente lo spazio con colori diversi, senza creare un ambiente troppo saturo. Penso che il risultato finale trasmetta una sensazione di calma e un po’ di magia, che rappresenta bene l’idea e il processo dietro questi pezzi.

Il progetto LUFFA ha appena partecipato alla mostra di Isola, Routes to Roots, Dutch Design Week 2024. Per conoscere nel dettaglio il progetto e scoprire gli altri lavori di Samer Selbak visitate il suo sito e seguite il designer su Instagram!

Fotografia di Samer Selbak

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Situato a Helsinki, Caracara Collective è uno studio di biodesign specializzato nella creazione di collezioni di design, installazioni artistiche e materiali che utilizzano i rifiuti organici come risorsa. Immaginando un futuro senza materiali nocivi, l’obiettivo dello studio è quello di promuovere un nuovo design nordico totalmente sostenibile.

Nello specifico, tutti i prodotti sono realizzati a mano partendo da scarti locali e, grazie al legante composto al 100% da ingredienti naturali sviluppato da Caracara, possono essere utilizzati quasi tutti i tipi di rifiuti organici. I materiali sviluppati sono completamente biodegradabili e, al termine della loro vita utile, possono essere compostati o scomposti per realizzare nuovi progetti.

Oltre ai rifiuti organici, Caracara lavora anche con il micelio. In questo caso i progetti vengono coltivati alimentando diversi ceppi con prodotti secondari come segatura e rifiuti tessili. La miscela viene coltivata all’interno di uno stampo e, nell’arco di un paio di settimane, il micelio lega la materia in un oggetto solido. “In questo modo, lasciamo che sia la natura a guidare il processo di creazione di un design a zero rifiuti.”

“Vogliamo evitare di contribuire agli impatti ambientali dannosi causati da ingredienti tossici, dall’uso irresponsabile delle risorse naturali e dal trasporto internazionale di materie prime. Un design consapevole può essere creato in qualsiasi parte del mondo utilizzando i flussi di rifiuti disponibili a livello locale. La sostenibilità non può essere solo un bonus. Deve essere il punto di partenza del design.” Caracara

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I progetti e i materiali di Caracara

Tra le installazioni, i prodotti e gli esperimenti dello studio troviamo Reclaim, una collezione di paralumi con diverse palette che utilizza come risorsa le bucce d’arancia – raccolte dai distributori di succhi di frutta dei supermercati – o gli aghi di pino – caduti dagli alberi di Natale scartati. Nel primo caso, Reclaim è costituito dalla buccia di circa 20 arance spremute, in altre parole è il sottoprodotto di una persona che ha bevuto due litri di succo d’arancia. I tempi di produzione, compresa la raccolta e la preparazione delle materie prime, la pressatura dei paralumi e gli ultimi ritocchi, sono di circa 2 ore per realizzare un paralume. Il lavoro viene suddiviso poi in un periodo di 2-3 settimane, per garantire ai materiali il tempo per l’asciugatura.

La selezione che Caracara ha a disposizione viene realizzata partendo dagli scarti più abbondanti intorno allo studio di Helsinki e i colori possono variare leggermente a seconda di ogni lotto di materiale raccolto. Inoltre, anche le texture dei prodotti a base di micelio possono variare a causa della crescita naturale del materiale. I campioni sono disponibili come piastrelle e lo studio realizza anche prodotti personalizzati su richiesta. Al momento Caracara sta sviluppando una nuova confezione di campioni “a gamma limitata”, con un’origine più definita per ogni tipo di rifiuto (pula di caffè dalle torrefazioni, residui di olivello spinoso e di mirtillo rosso dai produttori di olio di bacche, foglie di tè esauste da una casa da tè, segatura da un’officina del legno).

La diversità dei materiali organici sviluppati da Caracara permette di creare soluzioni personalizzate con finiture e texture uniche. Nonostante lo studio cerchi di mantenere i colori naturali forniti dalla materia prima, è anche in grado di creare colori personalizzati utilizzando pigmenti naturali. Non solo prodotti ma anche rivestimenti, opere d’arte, installazioni e murales, Caracara vuole mostrarci tutto il potenziale dei materiali a base biologica.

Al momento lo studio ha intrapreso anche progetti all’estero per aiutare nella produzione di materiali che partono dagli scarti locali. L’idea è quella di sviluppare dei laboratori co-creativi e, in futuro, iniziare a offrire più workshop e corsi (offline e online) e servizi di consulenza ad altre persone che desiderano produrre i propri biomateriali.

Caracara Collective è tra gli studi presenti sulla nuova e gratuita Materials Design Map. Per scoprire tutti i progetti e i materiali dello studio, visitate il sito e seguite Caracara su Instagram!

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Located in Helsinki, Caracara Collective is a biodesign studio specialising in creating design collections, art installations and materials that use organic waste as a resource. Imagining a future without harmful materials, the studio’s goal is to promote a new, totally sustainable Nordic design.

Specifically, all products are handmade from local waste and, thanks to the binder composed of 100% natural ingredients developed by Caracara, almost any type of organic waste can be used. The materials developed are completely biodegradable and, at the end of their useful life, can be composted or broken down to make new designs.

In addition to organic waste, Caracara also works with mycelium. In this case, projects are cultivated by feeding different strains with by-products such as sawdust and textile waste. The mixture is grown inside a mould and, within a couple of weeks, the mycelium binds the material into a solid object. “In this way, we let nature drive the process of creating a zero-waste design.”

“We aim to step away from contributing to the harmful environmental impacts caused by toxic ingredients, irresponsible use of natural resources, and international shipping of raw materials. Conscious design can be created anywhere in the world using locally available waste streams. Sustainability cannot be just a bonus. It has to be the starting point of design!”

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Caracara’s projects and materials

Among the studio’s installations, products and experiments we can find Reclaim, a collection of lampshades with different palettes that uses orange peels – collected from supermarket juice dispensers – or pine needles – fallen from discarded Christmas trees – as a resource. In the first case, Reclaim is made from the peel of about 20 squeezed oranges, in other words it is the by-product of one person drinking two litres of orange juice. The production time, including the harvesting and preparation of the raw materials, the pressing of the lampshades and the finishing touches, is about two hours to make one lampshade. The work is then spread over a period of 2-3 weeks to give the materials time to dry.

Caracara’s materials selection is made from the most abundant waste around the Helsinki studio, and colours may slightly vary depending on each batch of material collected. In addition, the textures of the mycelium products may also vary due to the natural growth of the material. Samples are available as tiles and the studio also creates customised products on request. Caracara is currently developing a new ‘limited range’ sample pack, with a more defined origin for each type of waste (coffee chaff from coffee roasteries, sea buckthorn and lingonberry residues from berry oil producers, spent tea leaves from a tea house, sawdust from a wood workshop).

The diversity of organic materials developed by Caracara makes it possible to create customised solutions with unique finishes and textures. Although the studio tries to maintain the natural colours provided by the raw material, it is also able to create custom colours using natural pigments. Not only products but also walltiles, artworks, installations and murals, Caracara wants to show us the full potential of bio-based materials.

The studio will also undertake projects abroad to help in the production of materials from local waste. The idea is to develop co-creative workshops and, in the future, to start offering more activities and courses (offline and online) and consultancy services to other people who want to produce their own biomaterials.

Caracara Collective is among the studios featured on the new and free Materials Design Map. To discover all the studio’s projects and materials, vi sit the website and follow Caracara on Instagram!

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With the holidays approaching, we also want to give some suggestions for “designer” gifts – with a price of less than 200 euros. Some products have already been presented on WeVux. Others will be described in the coming weeks. Therefore, we have selected different types of products to give the broadest possible point of view: furnishings, accessories, kits – attentive to sustainability – and books.

6 “designer” furnishings and accessories to give as gifts

Forget lists of expensive and unattainable products; you can find six possible gifts (but there are many others): furnishings and home accessories for different uses.

We selected the OTO Chair by Alessandro Stabile and Martinelli Venezia for One to One Objects as the first piece of furniture. A mountable single-material chair, produced in a single mold and created with post-industrial recycled plastic, will help remove more of it from the seas. The final cost €99, you can buy it here.

For lamps, we couldn’t fail to mention MayDay by Konstantin Grcic for Flos. This is a piece from 23 years ago, still very current, which involves assembly without glue and, therefore, easier recycling of its components. It can be purchased on the Flos website for €140.

The second lamp we wanted to select is a compostable and vegan piece, Ohmie, the circular orange lamp designed by Krill Design and created with Rekrill® material – developed from orange peels. You can purchase the lamp on the official website for €145.

Moving on to accessories and furnishings, we have KeepLife with the 2023 Bestiario collection: a series of small games and accessories for the home and office created with the composite material of the same name with a wooden nature, mouldable and self-hardening. The pieces range from €55 to €175 euros and can be purchased on the website.

Another eccentric and original accessory to give as a gift is the designer bong or the containers for candles, incense, and palo santo by Weed’d. The brand tries to overturn the narrative linked to this type of product: Weed’d sees in the act of smoking not only a chance to get high but an opportunity to slow down, relax, and take a break from the hectic pace of modern life. In the shop, you can find all the products at a cost ranging from €40 to €170 euros.

Other sustainable gifts are Maddalena Selvini‘s accessory collections: containers, vases, and cushions in natural materials, felt, sand, wood veneers… Everyday objects in which you can always appreciate the materiality and design. The cost of almost all collections is less than €200. For further information, you can contact the designer directly.

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2 kits for experimenting

Moving on to other types of gifts, we have selected two kits to experiment with:

The Pollinator™, previously featured on WeVux. The Checkerspot Kit allows designers to create products and prototypes sustainably by replacing plastic with an algae-based resin. The Essential kit costs €56.95, while the complete kit costs €65.95. Buy it here.

We also suggest Patella Crescenda by House of Thol, the kit for growing microgreens comfortably from home without any commitment: just add water, and the product will release it as the sprouts grow. Patella Crescenda costs €69.95. If you are interested in this product type, visit the shop to discover them all!

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4 “design” books not to be missed

Among the gifts to give at Christmas, books cannot be missing:

What Design Can’t Do by Silvio Lorusso, Set Margins’, (2023). A critical point of view that Design needed is to simplify the concept in one sentence. We have always been told that we can change the world, but how can we do it if we only care about “enlarging the logo ”? What Design Can’t Do investigates the disillusionment that permeates design, a detachment between idea and real contribution, given by various factors – from teaching to new technologies – which creates discouragement among younger people and compromises the designer’s work. “If you feel deceived, disappointed, or betrayed by design, this book is for you.” It can be purchased on the Set Margins’ website for €22.

Il Design e l’Invenzione del Made in Italy (Italian Design and the invention of Made in Italy) by Elena Dellapiana, Einaudi Editore (2022) is a volume that tells how since the universal exhibitions of the 19th century, through laws, investments and propaganda activities, the concept of “made in Italy”. From Gio Ponti to gastronomy, from craftsmanship to industrial products, the text tells how this definition has become a pass on the global market. You can find the volume in bookstores at a cost of €25.

Designing Designers | From the Product to Teaching by Kuno Prey, Corraini Edizioni (2022) recounts the journey that the founder of the Faculty of Design and Arts at the Free University of Bolzano has taken, from designer to professor. Ideas and teaching are explained through student projects, exhibitions, competitions, but also contributions from international project figures such as Alberto Alessi, Beppe Finessi, Aldo Cibic, Arnout Visser, to name a few. You can find the volume in bookstores at a cost of €32.

Also not to be missed is Color Is Alive by Greta Facchinato, a publication with the designer’s research on the production of natural inks for the screen printing technique. Halfway between a magazine and a botanical manuscript, Color is Alive presents reflections, educational texts but also real recipes for producing natural ink from plants, kitchen waste and urban remains. Color is Alive can be purchased on Greta Facchinato’s website at a cost of €30.

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Con le feste che si avvicinano vogliamo anche noi dare qualche suggerimento per regali “di design” – con un prezzo inferiore ai 200 euro. Alcuni progetti sono già stati presentati su WeVux, altri verranno raccontati nelle prossime settimane. Abbiamo quindi selezionato alcune tipologie di prodotto per dare un punto di vista più ampio possibile: troviamo arredi, accessori e kit – attenti alla sostenibilità – e libri.

6 arredi e accessori “di design” da regalare

Dimenticate le liste di prodotti costosi e inarrivabili, qui sotto potete trovare sei possibili regali (ma ce ne sono molti altri): arredi e accessori per la casa per diversi utilizzi.

come primo prodotto abbiamo selezionato la OTO Chair di Alessandro Stabile e Martinelli Venezia per One to One Objects. Una sedia monomateriale montabile, prodotta in un unico stampo e creata con plastica riciclata post-industriale che aiuterà a rimuoverne altra dai mari. Costo finale € 99, la potete acquistare qui.

Per le lampade non potevamo non citare la MayDay di Konstantin Grcic per Flos. Si tratta di un pezzo di 23 anni fa, ancora attualissimo, che prevede un assemblaggio senza colle e quindi un riciclo più facile delle sue componenti. È acquistabile sul sito di Flos per € 140.

La seconda lampada che abbiamo voluto selezionare è un pezzo compostabile e vegano, Ohmie, la Orange Lamp™ circolare disegnata da Krill Design e creata con materiale Rekrill® – sviluppato dalle bucce di arancia. Potete acquistare la lampada sul sito ufficiale al costo di € 145.

Passando a complementi e arredi abbiamo KeepLife con la collezione 2023 Bestiario: una serie di piccoli giochi e accessori per la casa e l’ufficio creati con l’omonimo materiale composito a natura lignea, plasmabile e auto-indurente. I pezzi vanno dai € 55 ai € 175 e sono acquistabili sul sito.

Un altro accessorio particolare e originale da regalare è il bong di design o i contenitori per candele, incenso e palo santo di Weed’d. Il brand cerca di ribaltare la narrativa legata a questa tipologia di prodotto: Weed’d, infatti, vede nell’atto di fumare un’opportunità per rallentare, rilassarsi e prendersi una pausa dai ritmi frenetici della vita moderna. Nello shop è possibile trovare tutti i prodotti disponibili ad un costo che varia dai € 40 ai € 170.

Altri regali sostenibili sono le collezioni di accessori di Maddalena Selvini: contenitori, vasi e cuscini in materiali naturali, feltro, pietra, piallacci di legno, argilla… Oggetti di uso quotidiano in cui si può sempre apprezzare la materialità e la progettazione. Anche in questo caso il costo di quasi tutte le collezioni è inferiore a € 200. Per maggiori informazioni potete contattare direttamente la designer.

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2 kit per sperimentare

Passando ad altre tipologie di regali, abbiamo selezionato due kit per sperimentare con:

consigliamo The Pollinator™, di cui abbiamo parlato qui. Il Kit di Checkerspot consente ai progettisti di realizzare i propri prodotti e prototipi in maniera sostenibile sostituendo la plastica con una resina a base di alghe. Costo dell’Essential kit è di € 56,95, quello completo invece ha un costo di € 65,95. Potete acquistarlo qui.

suggeriamo anche Patella Crescenda di House of Thol, il kit per coltivare i micro-ortaggi comodamente da casa, senza nessun impegno: basta mettere l’acqua e il prodotto la rilascerà a mano a mano che i germogli lo necessitano. Patella Crescenda ha un costo di € 69,95. Se interessati a questa tipologia di prodotti visitate lo shop per scoprirli tutti!

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4 libri “di design” da non perdere

Tra i regali da fare a Natale non possono mancare i libri:

What Design Can’t Do di Silvio Lorusso, Set Margins’, (2023). Un punto di vista critico di cui il Design aveva bisogno: per semplificare il concetto in una frase, in quanto progettisti ci è sempre stato raccontato che possiamo cambiare il mondo, ma come si fa se tutto quello di cui ci occupiamo è “ingrandire il logo”? What Design Can’t Do indaga la disillusione che permea il design, un distacco tra idea e contributo reale, dato da diversi fattori – dalla didattica alle nuove tecnologie – che crea sconforto tra i più giovani e compromette il lavoro del progettista. “Se ti senti ingannato, deluso o tradito dal design, questo libro fa per te”. Acquistabile sul sito di Set Margins’ al costo di € 22.

Il Design e l’Invenzione del Made in Italy di Elena Dellapiana, Einaudi Editore (2022) è un volume che racconta come fin dalle esposizioni universali del XIX secolo, attraverso leggi, investimenti e attività di propaganda, è stato modellato il concetto di “fatto in Italia”. Da Gio Ponti alla gastronomia, dall’artigianato al prodotto industriale, il testo racconta come questa definizione sia diventata un lasciapassare sul mercato globale. Potete trovare il volume in libreria al costo di € 25.

Designing Designers | Dal Prodotto alla didattica di Kuno Prey, Corraini Edizioni (2022) racconta il percorso che il fondatore della Facoltà di Design e Arti presso la Libera Università di Bolzano ha compiuto, da designer a professore. Idee e didattica sono spiegate attraverso progetti degli studenti, mostre, concorsi, ma anche contributi di figure internazionali del progetto come Alberto Alessi, Beppe Finessi, Aldo Cibic, Arnout Visser, per citarne alcuni. Potete trovare il volume in libreria al costo di € 32.

Da non perdere anche Color Is Alive di Greta Facchinato, una pubblicazione con le ricerche della designer sulla produzione di inchiostri naturali per la tecnica serigrafica. A metà tra una rivista e un manoscritto botanico, Color is Alive presenta riflessioni, testi didattici ma anche vere e proprie ricette per produrre inchiostro naturale da piante, rifiuti di cucina e resti urbani. Color is Alive è acquistabile sul sito di Greta Facchinato al costo di € 30.

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The origins of BROKIS

The history of the brand begins with an entrepreneur who falls in love with a local tradition, glass blowing, and decides, after purchasing the production plants, to continue this art in the name of contemporaneity. A path of growth for 30 years with many key moments: the transition from subcontractors to design brand, participation in international fairs, the – well thought out – entry of family members into the business. Last but not least the 2035 goal, Vision, which sees the development of a campus and its own production of some raw materials (specifically, oak wood). We are talking about Jan Rabell and his BROKIS, based in Janštejn, a small village in the Bohemia region, in the Czech Republic.

It all started with Janštejn Glassworks which for more than 200 years has carried on a tradition of glass blowing that dates back to the end of the 17th century. Founded in 1809, the factory overcame ups and downs with nationalization among the biggest challenges, which ended in 1989. In 1997 Jan Rabell decided to buy the factories, to restore them to its former prestige and ensure that the tradition of Bohemian glass production could survive.

The JANŠTEJN GLASS GROUP

Today the group includes several brands, JANŠTEJN GLASSWORKS, BROKIS, BROKISGLASS, BROKIS SOLUTIONS, and SYROVÁTKA. The first takes up local tradition, around 20% of the blown glass is destined for BROKIS while the rest goes to customers all over the world. The specialized carpentry shop SYROVÁTKA produces components for use in JGG products, custom-made furniture, interior and exterior design.

BROKIS was born in 2006 from Rabell’s desire to diversify the production of the Janštejn glassworks and create his own design line. The Czech lighting brand, also present at Euroluce 2023 this year, is synonymous with high quality and unique design, able to adapt to the different needs required in the lighting of private and contract spaces. The company combines hand-blown glass with other refined materials, such as wood and manually pressed metal. With more than 25 collections in the catalogue, the brand has always experimented, achieving excellent innovations, to name one, Click&Safe, the special connector developed by Brokis in 2017. It offers a notable degree of variability, almost infinite possibilities for creating unique lighting compositions and guarantees a quick assembly-disassembly.
Today Brokis is an international brand with sales in 120 countries and collaborations with many designers: Lucie Koldova, who also holds the role of Creative Director of the brand since 2013, Dan Yeffet, Boris Klimek, Fumie Shibata, Lenka Damová, Vrtiška & Žák, LCM Marin Design Studio (with Double and Dome Nomad collections), Filippo Mambretti (Elo) and Federico Peri (Trottola).

BROKISGLASS was created to change the perception we have of glass fragments: in the production of each blown piece, up to 30% of material is discarded – both the final and initial parts must be cut and finished to create the optimal shape for the product. For this reason, the Janštejn glassworks and BROKIS decided to use these wastes to create a new unique material, made of glass fragments. Previously, these were simply transported to a landfill, with Brokisglass they are given a new dimension and aesthetic by creating a material with unique properties, perfect for architecture, construction, interior but also product design.

The Brokis Solutions company was created to provide an individual approach to international light-related projects, from initial sketches to installation and various design services.

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Brokis’ values and vision

A family company that cares for its employees, the passion for work, the attention to artisan techniques but also the desire to innovate, these are some of the aspects that characterize BROKIS, mediated by a careful look at sustainability and design.

Specifically, approximately 80% of the company’s suppliers are located within a radius of 120 kilometers and all products are assembled in Janštejn (CZ), home of BROKIS. In 2023/2024 the brand will install a solar panel system that will help reduce emissions by 132.9 tons of CO2 every year, approximately 17%. As we have already seen, 100% of the waste from the Janštejn glassworks and Brokis (around 10 tons per week) is used to create BROKISGLASS.

The brand tries to use the least possible number of plastic materials in the packaging of its products: these are packaged with Instapak® and excellent protection is guaranteed, the percentage of damaged shipments is in fact less than 1%. At the end of 2023, BROKIS plans to open a new large shipping warehouse with a capacity of more than 600 pallets. The new facility will provide space for more components, resulting in shorter delivery times. This operation was also designed to further reduce the CO2 footprint.

Last but not least, the long-term project Vision 2035: the company’s land includes approximately 15 hectares of extra-urban areas with ponds, woods and meadows. The goal is to plant trees that help offset the impact of activities on the environment, with the expectation of one day using the wood from these trees for the production of BROKIS products. Added to this is the idea of developing a real campus next to the industrial plants in order to continue to pass on the art of glass blowing and create an international cultural hub. Not only products but also education and culture to encourage this tradition.

With an ever growing path, BROKIS continues to improve its production and its impact to always guarantee products of the highest quality and attentive to the environment. Looking at the collections we can see many different shapes and applications, able to adapt to all environments, but each of them presents the care and harmony of a BROKIS product. To discover all the collections and learn about the history of the brand, visit the official website and follow BROKIS and Brokisglass on Instagram!

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BROKIS waste

Brokisglass

Trottola, Federico Peri for BROKIS, ph. Martin Chum

Double, LCM Marin Design Studio for BROKIS, ph. Martin Chum

BROKIS at Euroluce 2023, ph. Martin Chum

Muffins, Lucie Koldova and Dan Yeffet BROKIS, ph. Martin Chum

Elo, Filippo Mambretti for BROKIS, ph. Martin Chum

Trottola, Federico Peri for BROKIS, ph. Martin Chum

Mona small, Lucie Koldova for BROKIS, ph. Martin Chum

BROKIS at Euroluce 2023, ph. Martin Chum

Le origini di BROKIS

La storia del brand inizia con un imprenditore che si innamora di una tradizione locale, la soffiatura del vetro, e decide, dopo aver acquistato gli stabilimenti di produzione, di continuare quest’arte all’insegna della contemporaneità. Da 30 anni un percorso a crescere con tanti momenti chiave: il passaggio da terzisti a brand di design, la partecipazione a fiere internazionali, l’entrata – ragionata – dei membri della famiglia nel business. Ultimo ma non meno importante il traguardo del 2035, Vision, che vede lo sviluppo di un campus e di una produzione propria di alcune materie prime (nello specifico, legno di quercia). Stiamo parlando di Jan Rabell e della sua BROKIS, con sede a Janštejn, piccolo villaggio nella regione della Boemia, in Repubblica Ceca.

Tutto inizia da Janštejn Glassworks che per più di 200 anni ha portato avanti una tradizione di soffiatura del vetro che risale alla fine del XVII secolo. Fondata nel 1809, la fabbrica supera alti e bassi con la nazionalizzazione tra le sfide più grandi, terminata nell’89. Nel 1997 Jan Rabell decide di comprare gli stabilimenti per riportare la fabbrica al suo antico prestigio e garantire che la tradizione della produzione del vetro boemo possa sopravvivere.

Lo JANŠTEJN GLASS GROUP

Oggi il gruppo comprende diversi brand, JANŠTEJN GLASSWORKS, BROKIS, BROKISGLASS, BROKIS SOLUTIONS, and SYROVÁTKA. Il primo riprende la tradizione locale, circa il 20% del vetro soffiato è destinato a BROKIS mentre il resto a clienti in tutto il mondo. Il negozio specializzato in falegnameria SYROVÁTKA invece produce componenti da utilizzare nei prodotti JGG, mobili su misura, interni ed esterni di design.

BROKIS nasce nel 2006 dalla volontà di Rabell di diversificare la produzione della vetreria Janštejn e di creare la propria linea di design. Il marchio ceco di illuminazione, quest’anno presente anche a Euroluce 2023, è sinonimo di alta qualità e di design unico, in grado di adattarsi alle diverse esigenze richieste nell’illuminazione degli spazi, privati e contract. L’azienda combina il vetro soffiato a mano con altri materiali raffinati, come il legno e il metallo pressato manualmente. Con più di 25 collezioni a catalogo, il brand ha sempre sperimentato raggiungendo ottime innovazioni, per citarne una, Click&Safe, il connettore speciale sviluppato da BROKIS nel 2017. Offre un notevole grado di variabilità, possibilità quasi infinite per creare composizioni di illuminazione uniche e garantisce un veloce montaggio-smontaggio.
Oggi Brokis è un brand internazionale con vendite in 120 paesi e collaborazioni con tanti designer: Lucie Koldova, che ricopre anche il ruolo di Creative Director del brand dal 2013, Dan Yeffet, Boris Klimek, Fumie Shibata, Lenka Damová, Vrtiška & Žák, LCM Marin Design Studio (con la collezione Double e Dome Nomad), Filippo Mambretti (Elo) e Federico Peri (Trottola).

BROKISGLASS nasce per cambiare la percezione che abbiamo dei frammenti di vetro: nella produzione di ogni pezzo soffiato viene scartato fino al 30% di materiale – sia la parte finale che iniziale devono essere tagliate e rifinite per creare la forma ottimale per il prodotto – e la vetreria Janštejn e BROKIS hanno deciso di utilizzare questi scarti per dare origine a un nuovo materiale unico, fatto di frammenti di vetro. In precedenza, questi venivano semplicemente trasportati in una discarica, con Brokisglass viene data loro una nuova dimensione ed estetica creando un materiale con proprietà uniche, perfetto per architettura, edilizia, design di interni ma anche di prodotto.

La società Brokis Solutions nasce per fornire un approccio individuale ai progetti internazionali legati alla luce, dagli schizzi iniziali all’installazione e ai diversi servizi di progettazione.

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I valori e la visione di BROKIS

Un’azienda famigliare che ha cura per i propri dipendenti, la passione per il lavoro, l’attenzione verso le tecniche artigianali ma anche la voglia di innovare, questi sono alcuni degli aspetti che caratterizzano Brokis, mediati da uno sguardo attento alla sostenibilità e al design.

Nello specifico, circa l’80% dei fornitori dell’azienda si trova in un raggio di 120 chilometri e tutti i prodotti sono assemblati a Janštejn (CZ), sede di BROKIS. Nel 2023/2024 il brand installerà un sistema a pannelli solari che aiuteranno a ridurre ogni anno le emissioni di 132,9 tonnellate di CO2, cioè circa del 17%. Come abbiamo già visto, il 100% degli scarti della vetreria Janštejn e di BROKIS (circa 10 tonnellate alla settimana) viene utilizzato per creare Brokisglass.

Il brand cerca di utilizzare il minor numero possibile di materie plastiche nell’imballaggio dei prodotti che vengono confezionati con Instapak® e cerca sempre di garantire una protezione eccellente, la percentuale di danni alle spedizioni infatti è inferiore all’1%. Alla fine del 2023, BROKIS prevede di aprire un nuovo grande magazzino per le spedizioni con una capacità di oltre 600 pallet. La nuova struttura offrirà spazio per un maggior numero di componenti, con conseguenti tempi di consegna più brevi. Anche questa operazione è stata pensata per ridurre ulteriormente l’impronta di CO2.

Ultima ma non meno importante, la visione a lungo termine, il progetto Vision 2035: il terreno dell’azienda comprende circa 15 ettari di aree extraurbane con stagni, boschi e prati. L’obbiettivo è quello di piantare alberi che contribuiscano a compensare l’impatto delle attività sull’ambiente, con la previsione di utilizzare un giorno il legno di questi alberi per la produzione di prodotti BROKIS. A questo si aggiunge l’idea di sviluppare un vero e proprio campus a fianco agli stabilimenti industriali per poter continuare a tramandare l’arte della soffiatura del vetro e creare un vero e proprio polo culturale internazionale. Non solo prodotti ma anche educazione e cultura per favorire questa tradizione.

Con un percorso in continua crescita, BROKIS continua a migliorare la propria produzione e il proprio impatto per garantire sempre prodotti di altissima qualità e attenti all’ambiente. Guardando le collezioni possiamo vedere tante forme e applicazioni diverse, in grado di adattarsi a tutti gli ambienti, ma ognuna di esse presenta la cura e l’armonia di un prodotto firmato BROKIS. Per scoprire tutte le collezioni e conoscere la storia del brand visitate il sito ufficiale e seguite BROKIS e Brokisglass su Instagram!

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BROKIS waste

Brokisglass

Trottola, Federico Peri for BROKIS, ph. Martin Chum

Double, LCM Marin Design Studio for BROKIS, ph. Martin Chum

BROKIS at Euroluce 2023, ph. Martin Chum

Muffins, Lucie Koldova and Dan Yeffet BROKIS, ph. Martin Chum

Elo, Filippo Mambretti for BROKIS, ph. Martin Chum

Trottola, Federico Peri for BROKIS, ph. Martin Chum

Mona small, Lucie Koldova for BROKIS, ph. Martin Chum

BROKIS at Euroluce 2023, ph. Martin Chum

This article was written for Salone del Mobile.Milano and previously published on salonemilano.it digital platform

In 2018, after two master’s degree in the field of fashion, to be more specific, in knitwear design, and international and non-international experiences, in Como, Shanghai and Antwerp, Gilles Werbrouck founded the homonymous studio in Brussels. The goal of his production is to keep the focus on yarn by applying his knowledge to the world of interiors.

A clear example of this method is the Lamp project, a limited series of lamps produced in collaboration with visual artist Hugues Loinard and winner of the second prize of the SaloneSatellite Award. A limited collection created thanks to the union of two different techniques and materials, plaster and video cassette tapes (VHS).

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Lamp, design Studio Gilles Werbrouck with Hugues Loinard, photo Miko Miko Studio

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With a background in Fashion and Knitwear Design, your studio is specialized in “knitted textiles for the interiors”, from accessories to large pieces of furniture. How did fashion shape your practice?

It all started with fashion design, that’s what I studied as a bachelor’s degree. It’s during my last year that I interned for a fashion designer in Brussels specialized in knit and thanks to her my interest in knitwear started.

I then decided to get two Masters degrees in Knitwear Design, one from the Royal Academy of Fine Arts in Brussels and the second one at the Nottingham Trent University in England. That gave me all the knowledge necessary to experiment with knitting with all different techniques (crochet, domestic knitting, industrial knitting, finishings).

After having worked for 4 years in the fashion industry I decided to venture on my own but to take all I learned in fashion and apply it to the interior. The interesting aspect of that shift was to experiment on bigger scale, incorporate knitted fabric in the space and not limit the design to a garment. Also working on experimental pieces allows for a broader choice of yarn or other type of material.

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What is then the value of the yarn in your design process?

It’s one of the biggest decisions in my process. Going back to my previous answer, that is the biggest reason why my interest in knitting started.

The alluring part of knitting for me was how close the designer is to his work. You choose the yarn, the color, the way it’ll be knitted, the technique used and the finishing. Instead of choosing a ready made fabric, you make the fabric exactly the way you want it to look in the end.

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As a designer, what does it mean to design contemporary furniture today? What is your point of view?

Quite quickly when I started creating furniture, I liked the idea of creating collectible pieces. No mass production, each piece is unique, handmade and created with either dead-stock yarn collected from fashion designers at the end of their season or with unconventional material such as VHS tape.

With the VHS tape in particular, the idea was to create a new object with an obsolete one, give it a new space and function in the interior. I find it important to create sensibly, as a designer my goal is to create new pieces that I will put out there in the world, therefore it is important to think about how I will make them, what materials will I use and how can I create while being sustainable.

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Studio Gilles Werbrouck stand, SaloneSatellite 2022, photo Miko Miko Studio

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In Milan you presented the Lamp collection, tell us a little bit about your approach to design through these products.

The Lamp collection came about quite organically after lockdown in Belgium. I was working on a series of pieces using VHS tapes when I met Hugues Loinard.

Hugues is a visual artist who worked at that time on a series of plaster and jesmonite moldings. After a little while we started talking about collaborating on pieces merging both our crafts.

First we were going to do one lamp, which turned into a limited series of lamps and from there the rule became to use 1 movie for 1 lamp. If the movie is short, so is the lamp and vice versa, that means that I wouldn’t be able to create the same shape twice.

What is so interesting in using VHS tapes is that they hold memories, of watching a movie with your family, having to rewind a tape, fighting over which movie to rent from the video store, taping an important event etc Unfortunately overtime we stopped using VHS tapes and they would either collect dust in the house or get thrown out. This is a way to give them a new use.

The reason why we used jesmonite for the base of the lamps is for its ability to harden quite rapidely. So once I finished with the crochet sleeve, Hugues would cast the base by pooring the jesmonite, when he would get to the top, the material was hard enough not to get through the crochet. This would create a random pattern making each lamp even more different and unique.

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The Salone del Mobile ended more than a month ago, what did it leave you with? What was it like to participate in the SaloneSatellite?

It left me with good perspectives for the future. A lot of contacts were made which I am now following up on. There are a couple of projects for the future which is what I was hoping for. The focus now is to work on new pieces alongside.

About SaloneSatellite, I’m not going to lie, winning 2nd Prize was a big surprise and such a blessing! We are young designers and we have to prove ourselves, being part of SaloneSatellite gives us credibility. It attracted a lot of attention on my work and on the work of the other Belgians of the Belgium is Design booth which is awesome.

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What are you currently working on?

Currently I’m working on a new version/series of the original Lamp series that I showed at SaloneSatellite and on new murals as well.

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Lamp detail, design Studio Gilles Werbrouck with Hugues Loinard, photo Miko Miko Studio

Questo articolo è stato scritto per Salone del Mobile.Milano e precedentemente pubblicato sulla piattaforma salonemilano.it

Nel 2018, a seguito di una formazione nel campo della moda, per essere più specifici, nel knitwear design, ed esperienze internazionali e non, a Como, Shanghai e Anversa, Gilles Werbrouck fonda a Bruxelles l’omonimo studio. L’obiettivo della sua produzione è quello di mantenere l’attenzione sul filato (yarn) applicando le sue conoscenze al mondo degli interni.

Un chiaro esempio di questo metodo è il progetto Lamp, una serie limitata di lampade prodotte in collaborazione con il visual artist Hugues Loinard e vincitore del secondo premio del SaloneSatellite Award. Una collezione limitata realizzata grazie all’unione di due diverse tecniche e materiali, gesso e nastri di videocassette (VHS).

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Con un background nel Fashion e Knitwear Design, il tuo studio è specializzato nei “tessuti a maglia per interni”, dagli accessori ai mobili di grandi dimensioni. Qual è il ruolo della moda nel tuo lavoro?

Tutto è cominciato con la laurea in fashion design. Durante l’ultimo hanno ho svolto un tirocinio presso una designer a Bruxelles specializzata in maglieria (knitwear), ed è grazie a lei che è nato il mio interesse. Ho deciso quindi di seguire due Master’s degree in Knitwear Design, uno alla Royal Academy of Fine Arts di Bruxelles e l’altro alla Nottingham Trent University in Inghilterra. In questo modo sono riuscito ad acquisire tutte le conoscenze necessarie per sperimentare le diverse tecniche di lavorazione (uncinetto, maglieria domestica e industriale, finiture).

Dopo aver lavorato nel settore della moda per quattro anni ho deciso di avventurarmi in un progetto personale: trasferire e applicare all’arredamento di interni tutto quello che avevo imparato nella moda. L’aspetto interessante di questo cambiamento è stato poter sperimentare su scala più ampia, incorporando il tessuto a maglia nello spazio e non limitandomi al progetto di un indumento. Lavorare su pezzi sperimentali permette anche una più ampia scelta di filati o altri materiali.

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Che valore ha quindi il filato nella fase di progettazione?

Si tratta di una delle decisioni più importanti del processo. Tornando a quanto ho detto prima, è la ragione che ha motivato il mio interesse per la maglia.

Per me l’aspetto affascinante del knitwear è la forte connessione tra designer e lavoro. Scegli tu il filato, il colore, il modo in cui sarà lavorato, la tecnica usata e la finitura. Invece di scegliere un tessuto già fatto, realizzi tu il tessuto esattamente come vuoi che appaia alla fine.

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Come designer, che cosa significa al giorno d’oggi progettare mobili contemporanei? Qual è il tuo punto di vista?

Ben presto, quando ho iniziato a creare elementi di arredo, mi sono appassionato all’idea di realizzare design da collezione. Niente produzione di massa: ogni pezzo è unico, costruito a mano facendo uso di scarti di filati recuperati a fine stagione dall’industria della moda, oppure materiali non convenzionali come il nastro VHS.

Con il nastro VHS, in particolare, l’idea è stata quella di creare un oggetto nuovo usandone uno obsoleto, dandogli un nuovo spazio e una nuova funzione. Credo che sia importante creare in modo responsabile: come designer ho lo scopo di realizzare nuovi pezzi che trovino spazio nel mondo, quindi è importante pensare come saranno fatti, che materiali saranno utilizzati e come farlo in modo sostenibile.

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A Milano hai presentato la collezione Lamp: parlaci del tuo approccio al design attraverso questa serie di prodotti.

La collezione Lamp ha preso forma spontaneamente dopo il lockdown in Belgio. Stavo lavorando ad una serie di pezzi realizzati con nastri VHS quando ho conosciuto Hugues Loinard.

Hugues è un artista visivo che in quel momento stava lavorando ad una serie di modellazioni in gesso e jesmonite. Dopo un po’ abbiamo pensato di collaborare e di creare oggetti che unissero le nostre tecniche.

Per prima cosa abbiamo realizzato una lampada, che si è poi trasformata in una serie limitata. Da quel momento la nostra regola è stata di utilizzare 1 filmato per 1 lampada. Se il film era breve era corta anche la lampada, e viceversa, il che significava che non avrei potuto creare due volte la stessa forma.

La cosa interessante nell’utilizzare i nastri VHS è che contengono ricordi: un film guardato con la famiglia, l’azione di riavvolgere il nastro, i litigi su quale videocassetta noleggiare, un evento importante videoregistrato, ecc. Purtroppo con il tempo abbiamo smesso di usare le cassette VHS, che sono rimaste a raccogliere polvere o sono state gettate via. Questo è un modo di dare loro una nuova funzione.

Il motivo per cui abbiamo usato la jesmonite per la base dei prodotti è che si solidifica molto rapidamente. Una volta terminata la parte ad uncinetto, Hugues modellava la base versando sopra il materiale. In questo modo si creava un motivo casuale che rendeva ciascuna lampada ancora più originale e unica.

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Che impressioni ti sono rimaste da questo Salone del Mobile? Come è stato partecipare al SaloneSatellite?

Mi ha dato buone prospettive per il futuro. Ci sono stati tanti nuovi contatti e ho un paio di progetti per il futuro, ed era quello in cui speravo. L’obiettivo ora è lavorare a nuove creazioni.

Per quanto riguarda il SaloneSatellite, non voglio dire una bugia: vincere il secondo premio è stata una grossa sorpresa e una vera benedizione! Siamo designer giovani e dobbiamo dare prova di noi stessi: partecipare al SaloneSatellite ci dà credibilità. Ha attirato molta attenzione sul mio lavoro e sul lavoro degli altri designer belgi dello stand di Belgium is Design, il che è fantastico.

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A cosa stai lavorando attualmente?

Al momento sto lavorando ad una nuova versione/serie della collezione Lamp che ho esposto al SaloneSatellite, e anche a dei nuovi tappeti da parete.

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Started a few months ago with the Studio Lamp series, Isato Prugger continues the experimentation with wood and light. Presented at the last edition of Edit Napoli, A Straight Tree Has Seen No Storm is the name of the new collection, that along with Studio Lamp comprises 3 other pieces, Studio Lamp Bis, Arcipelago, floor and suspension model, and the Isola wall lamp. All the products are handcrafted by woodworkers from Val Gardena and assembled in the designer’s Milanese studio.

The project was born as a critique of standardized spaces which, according to the designer, flatten the diversity of thought, as the mind is also forged by spaces (and forms) (and people). Therefore, the products are a delicate meeting point between a domestic object and an artistic sculpture, in search of a sense of warmth and welcome. The Studio Lamp Bis piece is inspired by the first collection but adds a light point, opposite to the first. With only ten centimeters more in height, the product is updated and becomes even more unique. Like the previous one, it comes in a series of 100 pieces in six different wood essences: olive, wengé, padouk, oak, Canaletto walnut, and white ash.

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Arcipelago plays with the heavy aesthetic of the lampshade to transform it into a painting: the fabric becomes a metaphor for the sea and the wood becomes an archipelago. Thanks to their natural curves, the small sculptures decorate the geometry of the lampshade. The result is a pattern of light and shadow that amplifies the colors and grain of the wood. Completely made in Italy, on request the product can be made with a different wood essence and a different type of electric plug.

Perfect for the world of hospitality, the Isola applique lamps break the rigidity of the environment with an organic shape, made from a single piece of solid wood (Canaletto walnut in the photo). The sculpture is the result of an experiment to bring alternative furnishings to domestic environments: Isola was born as a set of lamps with two different shapes, to create an almost mirror effect on the sides of the bed. Again, upon request, the essence of the wood can be customized, as well as the fabric of the lampshade.

A Straight Tree Has Seen No Storm shows us the union of wood and light from a new point of view and, like the first Studio Lamp product, emphasizes the role of the designer, who acts as a mediator between the world of craftsmanship and industry. Through the combination of industrial and artisanal processes, the collection brings the beauty of wood back into our homes with an aesthetically pleasing object, which must be shown.

For more information contact Isato Prugger and follow him on Instagram!
Cover Image © Serena Eller

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Do you want to see your project featured on WeVux? Feel free to send us an email at [email protected] to know more, or visit our About page

Isato Prugger continua la sperimentazione con legno e luce iniziata qualche mese fa con la serie Studio Lamp, di cui abbiamo parlato qui. A Straight Tree Has Seen No Storm è il nome della nuova collezione, presentata alla scorsa edizione di Edit Napoli, che vede l’aggiunta di altri tre pezzi a Studio Lamp, Studio Lamp Bis, Arcipelago, da terra e da sospensione, e l’applique Isola. Tutti i prodotti sono lavorati dagli artigiani della Val Gardena e assemblati nello studio milanese del designer.

Il progetto nasce principalmente come critica agli spazi standardizzati che, secondo il designer, appiattiscono la diversità di pensiero, in quanto la mente è forgiata anche dai luoghi (e forme) (e persone) che si frequentano. I prodotti, quindi, sono un delicato punto d’incontro tra oggetto domestico e scultura artistica, alla ricerca di un senso di calore e accoglienza. Il pezzo Studio Lamp Bis, riprende la prima collezione ma aggiunge un punto luce, opposto al primo. Con solo dieci centimetri in più di altezza il prodotto viene aggiornato, diventando ancora più unico. Come il precedente, nasce in una serie di 100 pezzi in sei essenze lignee diverse: ulivo, wengé, padouk, rovere, noce canaletto e frassino sbiancato.

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Arcipelago gioca con la pesante estetica del paralume per trasformalo in un quadro: il tessuto diventa metafora del mare ed il legno si fa isola. Delle piccole sculture che con le loro curve naturali decorano la geometria del paralume, da terra e da sospensione. Il risultato è un pattern di luci e ombre che amplifica i colori e le venature del legno. Completamente made in Italy, su richiesta il prodotto può essere realizzato con un’essenza lignea diversa e un diverso tipo di spina a corrente.

Perfette per il mondo dell’accoglienza, le lampade applique Isola spezzano la rigidità dell’ambiente con una forma organica, ricavata da un unico pezzo di legno massello (in foto noce Canaletto). La scultura è frutto di una sperimentazione che vuole portare arredi alternativi in ambienti domestici: nasce infatti come set di lampade con due forme differenti per creare un effetto quasi speculare ai lati del letto. Anche in questo caso, su richiesta, si può personalizzare l’essenza del legno, e anche il tessuto del paralume.

A Straight Tree Has Seen No Storm ci mostra con un nuovo punto di vista il connubio legno-luce e, come il primo prodotto Studio Lamp, sottolinea il ruolo del designer, che si fa mediatore tra il mondo dell’artigianato e quello industriale. Attraverso la combinazione di lavorazioni industriali e artigianali, la collezione riporta la bellezza del legno nelle nostre case con un oggetto esteticamente piacevole, creato per essere mostrato.

Per maggiori informazioni contattate Isato Prugger e seguitelo su Instagram!
Cover © Serena Eller

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Vuoi vedere il tuo progetto pubblicato su WeVux? Mandaci una mail a [email protected] per saperne di più, oppure visita la nostra pagina Chi siamo

Marjan van Aubel is an award-winning solar designer whose innovative practice spans the fields of sustainability, design, and technology. In collaboration with scientists, engineers, and institutions, she works to promote extreme energy efficiency through intelligent design. From working with expandable materials to domestically integrating solar cells, through her works the designer tries to redefine our current relationship with solar technology to accelerate our transition towards it. One of her latest works is Sunne, an indoor solar lamp equipped with photovoltaic cells and an integrated battery, allowing it to harvest and store enough energy throughout the day to light up a room at night.

Without the need for a plug or external electricals, Sunne is reduced to the shape of a simple oblong suspended from two steel wires. By moving the solar panels from the roof to the window, the designer focused more on the process of harvesting the sun’s energy (less powerful than outside). The side facing the window incorporates SunPower Solar Cells, which Van Aubel developed in collaboration with the Energy Research Center in The Netherlands. These solar cells are so powerful that they can even drive cars: the Lightyear One car uses the same technology.

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On the other hand, Sunne’s room-facing side is covered in LEDs with the battery and printed circuit board placed behind them. The light turns itself on automatically at dusk and can be adjusted to three settings – Sunne Rise, Sunne Light and Sunne Set – these can be modified by touching a sensor on the lamp’s anodized aluminum frame. The settings mimic the colors of the sky throughout the day, while the lamp’s oblong shape is intended to be reminiscent of the horizon. Van Aubel and her team are planning to develop an app that would display information about the battery level and how much light is being received by the solar cells so users can position the lamp to ensure optimal harvesting conditions. At the moment, Sunne is only available to the public through the new Kickstarter campaign, launched last week.

The designer described Sunne as the beginning of a new “solar democracy”: “It’s the first object that people can have in their home and can actually buy and [own] to have access to solar energy. While traditional roof-mounted solar panels are restricted to homeowners and those who can afford to have them installed, Sunne was designed to be accessible even for renters living in small urban apartments. Solar cells are becoming much cheaper, giving solar design lots of new potential. We can finally move beyond the price reduction and efficiency question and develop its aesthetics and the way it is integrated…”

Despite these words, the person who rents a small urban apartment will hardly be able to buy Sunne at the current price (at the moment, on Kickstarter it is possible to buy a lamp for 750 €). To be able to talk about solar democracy, Sunne needs to be sold at a lower price and its efficiency should be increase. This technology could be very useful especially for urban spaces (public urban lighting) but also for isolated places (from African villages to Pacific islands, from isolated huts to mountain villages). In this case, there would be a considerable saving of electricity, reduction of polluting gas emissions, and a true and real solar democracy.

If you want to know more about Sunne, visit her website and follow her on Instagram!

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via dezeen

Marjan van Aubel è una designer pluripremiata che opera nei campi della sostenibilità, del design e della tecnologia. In collaborazione con scienziati, ingegneri e istituzioni, lavora per promuovere l’efficienza energetica attraverso un design intelligente. Dalla sperimentazione con materiali espandibili, all’integrazione domestica di celle solari, fino al progetto presentato oggi, attraverso i suoi lavori la designer cerca di ridefinire il nostro attuale rapporto con la tecnologia solare per accelerare quindi la nostra transizione verso di essa. Uno dei suoi ultimi lavori è Sunne, una lampada per interni dotata di celle fotovoltaiche e una batteria integrata, che le consentono di raccogliere e immagazzinare abbastanza energia durante il giorno per illuminare una stanza di notte.

Sunne ha una forma semplice, oblunga, è sospesa con un filo di acciaio alle due estremità, e naturalmente non necessita di una spina o di elettricità esterna. Spostando i pannelli solari dal tetto alla finestra, la designer si è concentrata sul processo di raccolta dell’energia solare (che arriva in quantità minori). Il lato rivolto verso la finestra incorpora SunPower Solar Cells, che Van Aubel ha sviluppato in collaborazione con l’Energy Research Center olandese. Queste celle solari sono così potenti che possono persino guidare le automobili: l’auto Lightyear One utilizza infatti la stessa tecnologia.

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Il lato di Sunne rivolto verso la stanza invece è coperto di LED, mentre la batteria e il circuito stampato sono posizionati dietro. La luce si accende automaticamente al tramonto e può essere regolata su tre impostazioni: Sunne Rise, Sunne Light e Sunne Set – che possono essere modificate toccando un sensore sul telaio in alluminio anodizzato. Queste modalità imitano i colori del cielo durante il giorno mentre la forma oblunga della lampada ricorda la linea dell’orizzonte. Van Aubel e il suo team stanno progettando di sviluppare un’app che visualizzi le informazioni sul livello della batteria e sulla quantità di luce ricevuta dalle celle fotovoltaiche, in modo che gli utenti possano regolare la posizione della lampada per garantire condizioni di raccolta ottimali. Al momento, Sunne è disponibile al pubblico solo attraverso la nuova campagna Kickstarter, lanciata la scorsa settimana.

La designer ha descritto Sunne come l’inizio di una nuova “democrazia solare”: “mentre i tradizionali pannelli solari montati sul tetto sono limitati ai proprietari di case e a coloro che possono permettersi di installarli, Sunne è stato progettato per essere accessibile anche agli affittuari che vivono in piccoli appartamenti urbani. Le celle solari stanno diventando molto più economiche, offrendo al design solare nuovo potenziale. Possiamo finalmente andare oltre la questione della riduzione dei prezzi e dell’efficienza e svilupparne l’estetica e il modo in cui è integrata.“

Nonostante queste parole, l’affittuario di un piccolo appartamento urbano dovrà aver la possibilità di acquistare Sunne ad un prezzo molto più ridotto di quello attuale (al momento su Kickstarter è possibile comprare una lampada al prezzo di 750€) per poter parlare di democrazia solare. Se si riuscisse ad abbassare il prezzo e aumentare l’efficienza, questa tecnologia potrebbe essere molto utile soprattutto per gli spazi urbani (pensiamo all’illuminazione pubblica) ma anche per luoghi isolati (dai villaggi africani alle isole del Pacifico, passando per baite e paesi di montagna). In questo caso si avrebbe un notevole risparmio di energia elettrica, riduzione delle emissioni di gas inquinanti e una vera e reale democrazia solare.

Per vedere altri progetti di Marjan visitate il suo sito e seguitela su Instagram!

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via dezeen

Led by Moisés Hernández, the Solar project saw six students from the Instituto Tecnológico de Monterrey (Mexico) develop six different lamps made from waste materials found in rural Mexico, such as wicker, coconut bark and the maguey pulquero (Agave salmiana) plant. Using solar cells and LED technology, the lamps propose a sustainable solution to the need of nearly seven million Mexicans that live in isolated rural areas with limited or no access to electricity.

Taking cues from the solar-powered Little Sun lamp by Icelandic artist Olafur Eliasson, Hernández and his students aimed to create lights with the lowest possible carbon footprint using bio-materials and low-cost manufacturing methods. While some of the chosen materials will not last as long as Eliasson’s plastic Little Sun, Hernández’s goal was to design lamps with bodies that can be easily produced using local materials. This way, people would need just the simple electronic components and the solar panel. The main structure could be fixed or replaced by making another from materials found in the surrounding environment.

“What we intend with this project is to look for new ways of production in rural areas or isolated communities where they do not have any injection plastic facilities to make the main bodies of lamps,” Hernández explained. “With these new material ideas that came from different sites across Mexico, where the weather and context are so different, the students visualised new scenarios where these type of technological objects can be assembled and distributed to local people.”

The Adobe solar lamp by Luis Fernando Sánchez Barrios is built from mud, recycled paper and cactus slime – a mixture that the designer says offers a substance similar to cooked clay. Designed for marginal communities that are dispersed throughout Mexico, Barrios’ lamp references “pre-hispanic knowledge” of materials as well as an environmental awareness.

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Oscar Andrés Méndez Hernández looked to the black bean when considering natural materials for his solar lamp, which is designed to provide light on a worktable. The LED sits above a circular cut-out in the centre of the structure, allowing the user to appreciate the texture and colours of the material as the light shines on its surface.

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A coconut shell was used to form the body of Rafael Sánchez Brizuela’s lamp, while animal tissue waste – also known as collagen – that has been pulverised and injection moulded was used to create Naoto Ricardo Kobayashi Utsumoto’s translucent, brown-hued lamp.

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Viridiana Palma Dominguez made the body of her lamp from the cuticle and skin of the maguey pulquero plant – the contents of which is used to make an alcoholic drink called pulque.

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Aniela Mayte Guerrero Hernández, on the other hand, looked to more traditional materials, using handmade wicker by craftsmen in Tequisquiapan, Queretaro, a region located in the centre of Mexico.

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Hernández and his group of students are just some of many designers who seek out unusual materials to make more interesting and sustainable products.

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Lukas Bazle is a designer working in the field of product and interior design. In his work, he aims to combine functional solutions with a playful use. To achieve production-related and independent results, he prefers to start by working directly with materials and mockups, integrating CAD and digital visualization tools later on. After graduating from HfG Schwäbisch Gmünd in 2018, he’s currently working at Mykilos and as freelancer in Berlin. An example of his playfulness is Méduse.

By experimenting with the very fascinating material of a honeycomb blind the idea was born to make an adjustable lampshade out of it. The already developed material can be adapted into a new but similar range of application. Besides its functional use for adjusting the direction and brightness of the light, the honeycombs also generate a kinetic motion. Thanks to this structure, Méduse lampshade can also be stored in a very small package.

Visit Lukas Bazle page to know more about Méduse and discover his projects!

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THE COAST is an architecture and design office inspired by “a childhood home by the sea in Hong Kong. The name reflects an ideology in creating spaces and objects found in balance – between playfulness and restraint, between narrative and form, between history and modernity – akin to the ever-changing constant coming and going of tides.”
The Coast was founded in 2018 by Paul Chan, architect and designer born and raised in Hong Kong but grown up in New York City. One of his latest project is Either/Or Pendant, a product inspired by the poetic tactility of Kusari-doi (鎖樋) – the ornate linked chains used to spout rainwater from the eaves of Japanese temples

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The object elicits an ethereal beauty with soft ambient lighting akin to rainwater glittering as it washes down a delicate chain. A vertical assembly of precisely engineered steel frames connected by fine-spun gold chains, Either/Or Pendant is motion activated – each module adjusting in brightness as users move their hand near the light. The pendant comes in four finishes and is readily customizable in length to adjust to various environments.

Visit THE COAST to see more projects!

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(via the coast.studio)

Rachel Bussin is an object and space designer located in Montreal. In 2019 she co-founded interior design company Studio Kiff where she is currently working as creative director. One of her project is the Sainte Collection, a range of eccentric products that seem to challenge gravity.

Sainte is a collection of lights that portray a relaxed elegance. Gravity acts as the main link between all the components: a linear LED housed in a solid block of aluminium rests in a glass rectangular prism, which is suspended from nylon webbing. This collection was done in collaboration with Lambert et Fils.

Visit Rachel Bussin page for more projects and follow her on Instagram!

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Mandalaki is a product and consulting design firm founded in 2012 by Enrico De Lotto, George Kolliopoulos and Giovanni Senin in Milan, Italy. Davide Giovannardi became partner in 2013. The team has different educated background in Product Design, Economy and Art. They strongly believe in interdisciplinary approach to bring value to their works and empowering their networks from artists to scientists. One example is Halo Edition project, a collection of minimalist LED optical systems.

Using traditional Milanese artisanal processes and locally sourced materials, Mandalaki designed a solid iron base and thin body, with perfect balance so the Halo can be easily moved. The optical head, besides on the One model, is flexible and has a 360 rotating radius, allowing for endless light setups and designs, perfect for indoor and outdoor spaces. Mandalaki wanted people to use Halo’s like an optical brush, painting an environment with shapes and hues. Designed to fit different spaces in delicate ways, the Halo collection features five styles, each carved from a solid plate of high-end black anodized aluminum and assembled in Milan, using high-quality iron, brass, and glass.

Visit Mandalaki to see more projects!

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PaulinePlusLuis is a design studio based in Brussels, created by Pauline Capdo and Luis Bellenger in 2015. They both studied product design in Saint-Luc Tournai and Industrial design at La Cambre in Brussels. Their eclectic background, artisanal, artistic and then industrial, built their design approach that combines experiment, craft and industry.

One of their latest project is Bijou, a portable table lamp. It is inspired by the very first battery-operated lamps: first intended for technical uses – in the areas of mining industry, navy, or railways – they have evolved to become a daily object. Its name comes from one of the first portable lamps that was designed for domestic use, from which its aesthetics is inspired. The Bijou lamp comes from the story and the industrial aesthetics of these first battery-operated lamps that have became iconic, combined with contemporary lighting techniques. This confrontation makes the object timeless and familiar. Its simple aesthetics reflects its use. The handle, that allows assembling all the components, highlights the nomadic aspect of the lamp. The horizontal open tube symbolizes the bi-directional light, while the vertical tube represents the basis. The Bijou lamp is made of anodized aluminium. Its basis contains the electrical system, composed of a USB rechargeable battery and a dimmer, as well as the LED light source. The light is reflected in the upper part and diffused in both directions thanks to the two translucent PMMA discs.

Visit PaulinePlusLuis to see more interesting products!

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UAUPROJECT is a design studio based in Warsaw, Poland. Founded by Justyna Fałdzińska & Miłosz Dąbrowski, graduates from Industrial Design Faculty on Warsaw Academy of Fine Arts. They are exploring and experimenting with consumer oriented 3D printing for use in home production. The goal is to show that 3D printing is the best way to make good design sustainable and accessible.

“The environment is of utmost importance to us, so all of the materials we use are either biodegradable or highly recyclable.”

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They develop their products with passion and commitment, with only the best quality materials. All of them are designed to be 3D printed from plant based bioplastics like PLA. The products are fully recyclable and compostable in industrial facilities and manufactured in their studio in Warsaw. They also use standardized additions from third party producers (like cables or glass inserts).

The production is almost zero waste thanks to the use of additive manufacturing process. The pieces can be customized with up to 100 colors to choose from. To fulfill an order takes them approximately 7 to 14 days, therefore they produce their pieces on request. The studio also want to support local markets by manufacturing their objects locally.

Visit UAUPROJECT to know more about their products!

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Raphael Kadid is a Swiss architect and designer. BLX2 is a wall lamp, part of his Current series, available for purchase on his website.

The lamp is made of a single brass tube and a black aluminum head component. Like the Brass Lamp X, the lamp works by reflection against the wall it leans on. Balanced from the weight of a black fabric cable, the light source remains in a horizontal position. Silicone bumpers are placed at each extremity of the tube and head to provide grip and protect wall and floor. A 1.8W mirrored light bulb is used to create indirect lighting. The lamp can be easily assembled and disassembled by sliding the aluminum head along the brass tube.

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Click here to see more lighting design related projects

Established in 2008, Joongho Choi Studio is an industrial design office based in Seoul, Korea. Interested in designing a varied range of objects, Joongho Choi and his team participated in numerous projects ranging from lighting to IT electronics and furniture. Their latest project is Belt Drive P lighting system:

the series combines the characteristics and behavior of the belt used in fashion, and it is characterized by the ability to adjust various angles to suit the user’s application. The studio wanted to create the structure of the lighting and the uniqueness of the combination through the mix of the different functional parts and different material including the structure of the belt. Discover more about Belt Drive P here!

Design Team – Joongho Choi, Hyejin Lee, Junho Shin, Hyunseok Kang

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Ladies & Gentlemen Studio is a Seattle-born, Brooklyn-based design studio with a diverse focus. Founded by Dylan Davis & Jean Lee in 2010, L&G Studio’s playful explorations in materiality blend their resourceful curiosity with the desire to find unexpected pairings of material and function. The results possess an expressive purity, and range from jewelry to home furnishings. Their open, multidisciplinary approach to design yields an ever-evolving set of ideas collected from their daily experiments and discoveries.

SHAPE UP for Roll & Hill is a versatile lighting series in celebration of geometric shapes, and materials. These playful collages upend traditional notions of symmetry in favor of a dynamic spatial harmony. The collection’s abstracted lampshade forms are networked via connecting cords and hubs. The resulting modular system allows the shapes to be suspended and composed indefinitely in response to a space’s architecture and function. As if connecting the dots, the cord network graphically expresses the light sources’ formal and electrical connection to each other.

SHAPE UP is skillfully crafted in Brooklyn by Roll & Hill with hand-blown glass shades by Northwest glass designer John Hogan.

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Hamanishi DESIGN is a Japanese multidisciplinary design studio. They explore the potential of things with an experimental approach from product to interior. Their latest work is Burning Metal, an experimental project which applies the color change reaction with burning metal to a product.

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The studio mainly used the titanium alloy to create products with a beautiful iridescent color by manipulating the level of the natural titanium oxides on the surface. Thanks to this process, not an addiction of colors but rather the use of natural titanium oxides, the bright, vibrant hues from the titanium anodizing treatment will last indefinitely, resisting discoloration and fading over time.

Visit Hamanishi DESIGN’s pageto see more projects!

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Photos by Ryoukan Abe,

Movie by Masanobu Morikawa

Founded in 2019 by Matteo Mariani and Isato Prugger, MAIS project is a collaborative design studio engaged in a network of partnerships. For them, innovation is a constant contamination between the stakeholders of the experience: clients, commissioners and collaborators. They work with and among them. MAIS project protagonists believe in heterogeneity to meet each project’s unique requirements.

Diomede srl is an Italian indipendent lighting company, born in 2019 in Vimercate, Italy. Led by Davide Cavalli, CEO of the startup company, Diomede intends to bring light to people and presents itself as a workshop peopled with digital renaissance craftsmen. For Euroluce 2019, MAIS Project collaborated with Diomede to present FLAI, Acronym of Fonte Luminosa Autonoma Itinerante (Itinerant and Autonomous Light Source).

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FLAI is not only a product but also a manifesto about the freedom to personally experience either indoor and outdoor lighting. A philosophy presented in 2019 by Diomede, designed by the creative duo MAIS project and engineered by Davide Cavalli.

“Nothing should be chained with a cable no more. “Wireless” is our motto. What is light in today’s digitized and weightless world, in the realm of the connectivity? light can become part of our living: an essential element to create comfort zones. FLAI is an icon from the future, a change of perspective, that is no more restricted in just one place and it is a fluid element of the digital web we are living in. FLAI is a concept of contemporary itinerant light, it expresses domestic nomadism in 2020. The user is nomad and demanding, he does not want limits, he does not have a fixed seat but he wants to be well served.”

FLAI is a versatile, free and portable light. The device is made of thermoplastic material with IP54 protection degree, containing a 3/6W dimmable LED module with dynamic white. It can hold 2 or 4 lithium batteries that guarantee autonomy from 7 to 11 hours. The coupling system is spherical with magnetic attraction that allows maximum adjustability. Charging takes place through two gold-plated metal contacts located in top of the device where you can also find the capacitive power button. The LED module is part of the design: protected by transparent diffuser, it can be controlled via Wi-Fi by a standard application available for iOS and Android and by an intelligent voice-activated personal assistant. The application allows switching on and off, checking intensity and dynamic white. The supports are developed based on the experience. They are the result of prototipation, use and analysis of the sharing moments. The aim was twofold: meet the needs of the daily context of use and propose new ones. Thus, ten supports were born. They are in constant evolution and they amplify FLAI’s freedom. They all share a common characteristic and a reason for being: the spherical coupling system.

FLAI was one of the most innovative idea presented at Euroluce, a simple concept able to express and embed the essence of contemporary living. An interesting collaboration between a young design studio and a young Italian startup, with an excellent result!

Visit Diomede ‘s page to see FLAI and keep updated!

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With over 480 of the top exhibitors from around the world, Euroluce is the global industry’s definitive event. At this year’s special 30th anniversary edition, BROKIS is presenting its collections in an expansive 200m2 stand with a singular conception of the lighting installation and the space itself called BROKIS IN A NEW LIGHT.

BROKIS’ presentation at Euroluce 2019 was developed by the company’s art director, Lucie Koldova, who has also prepared several new lighting products for the event. Among the new items on display is a collection of pendent lights by Japanese designer Fumie Shibata, the innovative new product BROKISGLASS, and IVY, designed by Lucie Koldova.

Nature and its life-giving beauty and strength serve as the model for a unique lighting concept called IVY. Just as the plant grows and climbs up the walls of a house, creating multiple images, IVY offers a special system of modular components, thanks to which it can be used to achieve a highly innovative take on decorative lighting in both vertical and horizontal compositions. The collection features three sizes in opal or smoke glass. Variable, elegant, and precise in workmanship down to the smallest detail, IVY is a high-tech lighting concept well suited to both commercial and residential applications.

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PERFORMANCE iN LIGHTING and Walter de Silva have created the perfect harmony between substance and meaning. German technology and Italian creativity is the happy correlation between these two distinct methodological approaches, resulting in a mutual benefit. Attention to detail, technological precision and a systematical study are the distinctive elements which drew Walter de Silva to effectively interpret a theme that is both intricate and technologically challenging as the one of light.

The PERFORMANCE iN LIGHTING Group is an international player within the lighting industry. Headquartered in the province of Verona and with important production units in Germany, Belgium, and the United States, PERFORMANCE iN LIGHTING has established itself amongst one of the main industrial entities in the sector of professional lighting, enabling the Group to become a solid global reference in the world of design and architecture.

Walter De Silva began his career in 1972 at Fiat SpA Turin at the Centro Stile as a junior stylist. After several experiences, – among these, at the Design Department of the IDEA Institute, the design Management of the Volkswagen Group (which includes 12 brands: Audi, Volkswagen, Seat, Skoda, and in the luxury sector, Porsche, Bugatti, Bentley, Lamborghini, and Ducati) – in 2015 he brings his career as a car designer to an end and immediately starts again with his secret dream, designing women’s shoes. As evidence of his indisputable and great work, De Silva was awarded 5 times with the “car of the year” and Compasso D’Oro for his Career.

LIQUID is the first luminaire designed by Walter de Silva for PERFORMANCE iN LIGHTING where technology and beauty come together in a unique design. A distillation of pure technological essence which explores reflections on the nature of light with aesthetic values of the highest quality. The waves of a drop crystallize into a lightweight, solid volume that expresses fluidity and dynamism at the same time. IN-TENSE embodies the perfect combination of dynamism and fluidity. The almost skin-like tension of the material explodes in a three dimensional creation, whose sophisticated line evolves and composes volumes in motion, while a meditated asymmetry regains the uniqueness of the essential natural element we know as light. Last, but not least, MERCURY, it wraps light with its enveloping volumes. A technical revolution about the hot side of light. A strong metal soul emphasizes a futuristic taste that interprets the needs of the digital age.

To know more visit PERFORMANCE iN LIGHTING website!

Please seek permission before using

Elina Ulvio is an award-winning designer from Helsinki, Finland, with a background in architecture. The combination of her passions becomes objectified in her work, where space and form meet bringing a supplemental dimension to furniture. Her design is described as functional art, adding a unique edge to furniture while providing it with useful features.

In 2016, Elina realized KUU (Finnish word for moon), a dimming lamp that allows you to adjust the position and the light spreading. There is no limit on rotation because electricity conducts wireless. The pendant light has been recently awarded Best Product of the year 2017 by the Association of Finnish Interior Journalists. Kuu will be soon available on Materdesign.

Photos Karin Ulvio

The Mycelium furniture collection is the result of the collaboration between the furniture designer and maker Sebastian Cox and design strategist, thinker Ninela Ivanova.

Mycelium+Timber is a collection of pieces of grown furniture, a series of stools and lights, made using freshly cut wood waste from Sebastian’s woodland which has been myceliated with the species Fomes fomentarius. Each piece is created by the mycelium as it grows and binds the green wood waste together around purpose made frames to form lightweight, incredibly strong and completely compostable pieces of design.

This remarkable material relationship between wood and fungus is a naturally occurring one which spans the ages. Through extensive research and experimentation, Sebastian and Ninela have identified the mycelium species, Fomes fomentarius, works most effectively with coppiced hazel and goat willow; two species of British wood currently without an economically valuable use and often considered as waste. They have taken this perfect pairing and intelligently applied the symbiotic relationship to contemporary furniture.

(via domus)

We already talked about the exhibition of the Department of Design at the Faculty of Fine Art, Music and Design, University of Bergen (formerly Bergen Academy of Art and Design) at “Stockholm Furniture & Light Fair” (“Exhibitin prison design” here), but not about the process behind it.

For their collaboration with Bergen Correctional Service the students were asked to split up in 3 different categories: design an object for the prison, design an object that could be used in transitioning housings or design an object that could be achievable for the inmates to produce in the prison workshops. The last option is interesting because it forces the designer not only to create but also to think about the process behind his work, allowing people not skilled to make their objects too. The two projects that we are going to present today are DYPP and LIGHT-UP, two different lamps created for the inmates to produce in the prison workshops. Both projects have also the aim to give something more to produce than just the normal products available online.

DYPP is made by Vilde Sæternes Johannesen, her focus has been on making an object easy to reproduce but that can give a great sense of achievement while doing the job. She also wanted to focus on environmental friendly techniques, this is why she chose the steam-bending, an ancient process sadly succumbed to newer technology. The result is a product made with a low-waste process, a minimal design in which the line become essential, accentuated by the colored textile cord. Made with solid oak and concrete, it’s 1,95cm in height.

LIGHT-UP is a product by Elisabeth Frafjord Solberg. As Vilde the design is based on the idea of enabling inmates to build an easy and beautiful product that they can be proud of. Differently from DYPP, not all the parts can be made and assembled in the prison, for example the Carrara marble foot. The important thing is to produce at least some in the workshops to connect the inmates to the process and the final outcome. The lamp is made with Carrara marble, lacquered steel, lacquered aluminum and brass.

TJOKEEFE is an American furniture and object design company established in 2010. With an emphasis on integrity and efficiency of both design and manufacturing, they strive to create powerful objects through compelling minimalism.

One of their latest project from 2016 is UV. “It is composed of ultraviolet LED‘s, powder-coated aluminum, and woven nylon thread. The flexible nylon thread that suspends UV on a wall creates its composition, reacting to the ultraviolet light projected from below. This reaction enables the thread to become its own light source, emitting a soft orange glow. UV plugs into an outlet, and is designed to be mounted on a flat surface or in a corner.” More projects on their page!

Born in 2009, Petite Friture is a design editor that promote emerging talents and develop with them objects, luminaries and furniture to create and provoke emotions.

Villa PF is the latest collection presented during the January edition of Maison&Objet, Paris. The campaign was shot in a “magical and modernist environment”, realised by Mexico-based illustrator Ana Montiel. The space takes inspiration from all design disciplines and has been filled with pieces by designers including Constance Guisset, Morten & Jonas, Studio Vit and Tiphaine de Bodman. The collection includes prints, mirrors, modular furniture pieces, lamps an more! Discover it on Petite Friture page!

(via dezeen)

Richard Clarkson Studio was founded in 2014 by Peter Clarkson, Cathie Clarkson and Richard Clarkson as an experimental product, lighting & furniture practice.

“The Cloud is an Arduino-controlled, motion-triggered lightning & thunder performance, as well as a music-activated visualizing speaker. As an interactive lamp and speaker system designed to mimic a thundercloud in appearance, The Cloud employs embedded motion sensors to create unique lightning and thunder shows while providing entertainment value and inspiring awe. This is a kind of magic, not based on illusions and trickery, but on sensors and code. Featuring a powerful speaker system, The Cloud allows its beholder to stream music via any Bluetooth compatible device and can adapt to any desired lighting, color and brightness.”

Farm Cultural Park is an art gallery and artists’ residence located in Favara, Sicily. They recently collaborated with OFL Architecture, an interdisciplinary architectural practice based in Rome, founded in 2008 by Francesco Lipari, Sicilian architect. Together with the client Milia Furnishing, they designed Zighizaghi, a multisensory urban park generated by the need to create a welcoming place for the inhabitants of Favara and the need to give the city an unusual type of public space, created by the perfect combination of wood and vegetation. The project consists of two levels: the horizontal level is thought of as an aggregation of wooden elements in multilayer phenolic and nodes Okoumè and is able to assume infinite configurations thanks to the modularity and flexibility of its geometry. The vertical level consists of six red polyhedra to 14 sides, the Super Pod, equipped with an illuminating and an acoustic diffuser body. These three-dimensional elements are used here for “contaminating” the outskirts of the city through art and architecture. Zighizaghi turns the outer space in a dynamic environment where music is the link between nature and visitors. It is also equipped with an automated irrigation system, useful to maintain more prosperous Mediterranean essences specially selected in relation to the environmental context.

“This May, IKEA is introducing an indoor gardening series that lets you grow your own tasty lettuce and herbs in water. Developed in collaboration with agricultural scientists in Sweden, KRYDDA/VÄXER series includes everything you need to get sprouting and keep your garden growing – even in the winter! How it works? Just keep an eye on the water level. That’s all.”

“Anno tropico is the Italian translation of Tropical year and the first solo show of the designer duo Formafantasma in an italian institution. The exhibition is presented by Peep-Hole at Fonderia Battaglia in Milan. Anno Tropico show how the designers Andrea Rimarchi and Simone Farresin had been able to explore and play with the light reflection. Reflecting the designers’ recent interest in the functional and expressive qualities of light, they present a series of works made with different techniques and materials, together with a site-specific installation that shifts their experimentation onto an architectural scale. The exhibition includes drawings, models and a video that establish a dialogue with a selection of finished objects, all created over the last year. The designers show a closer orientation to industrial sphere rather than to crafts, but the procedure and approach are still based on intuition and experimentation.

Peep-Hole is a contemporary art center in Milan that wants to encourage users to take a closer look at artist’s practice. Peep-Hole’s mission is to weed out useless superstructures replacing them with a leaner relationship between artwork and viewer.”

Anno Tropico will be on display until the 19th of March, don’t miss it!

via Anno Tropico #Formafantasma by /i:t/ in tandem

Bas Vellekoop is a designer we met at Dutch Design Week 2015, in Eindhoven. His products stricts and beautiful surprised us so we decided to interview him.

-Hi Bas! Tell us something about you.

I’m a The Hague-based designer and interior architect (1985), I graduated in 2010 from the Royal Academy of Arts in The Hague. I worked with several offices as an interior architect/designer and since I was young I had a constant fascination for design and architecture. Even when I was strolling through the city with my grandparents I was staring at buildings I thought were pretty.

-What is your approach to a new product?

I always want to add something. Mostly that’s about finding new exciting ways of working with materials, machines and people. I use craftmanship and state-of-the-art, hard and software and combine these two in new products. The structural parts are usually exposed, creating a defining element of the aesthetics and the rest of the design. Even the smallest detail should add something to the whole concept or design.

-Where do you usually get your inspiration?

I get a lot of inspiration from real craftsmanship, like a woodworker or stonemasons. I love how they are able to work with materials and machines, I work with them, I translate their knowledge and I challenge them to apply it in new ways. Besides that, a big inspiration are designers that create simple but clever design products.

-Why you create FOLD? What inspired you?

Fold is created for the personal need of a new table and a constant desire to design and explore new fabrication ways. It’s hard to phocus on one thing that inspired me for this table, there are a lot of factors involved in creating it and letting it evolve to what it is now. You could say its inspired by the intelligent simplicity that you can see in Dieter Rams’ and Prouvé’s design.

-What is the process you followed to develop FOLD?

It’s a process of getting to know different ways of fabrication and see how I can apply them. Beside that, there’s also a study about shape, function and usability. It’s always a struggle to explore what you have to add or get rid off in your design, and keep what’s essential. The table has a role but it shouldn’t dominate the space.

Thank You Bas! Good luck!

If you are inspired by Bas’ design don’t forget to check his website!

Third and last part about Dutch Design Week 2015. If you missed the previous parts, here’s the quick links, part 1; part 2.

“The 2015 Design Academy Eindhoven graduates have engaged with the reality of the complex society they are living in and dealt with a myriad of issues that pertain to different communities across the globe.” Graduation projects of all bachelor and master graduates of Design Academy Eindhoven are showcased on the 4th and 5th floor of de Witte Dame, in Eindhoven of course.

141 graduates are presenting 153 projects: you can find furniture design projects, as a tea set that makes an old chinese tradition more dynamic and international, a movable barbecue, a trendy set for travelling, examples of new urban planning (for poor countries), considering the location, energy availability. Fashion products that use hair as principal material or recycled plastic. Web projects to collect your datas, to facilitate immigrates conditions. One of the most interesting was the cover project, “Not Another”: a collection of stereotyped trendy objects, painted tools, small plants, golden objects, pineapples, marble to denounce “how repetitive design trends have become”. Not Another is a montlhy magazine that addresses this issue.

As Deezen said “Design Academy Eindhoven has undergone a “paradigm shift” with students now more interested in responding to real-world problems such as Europe’s refugee crisis than making beautiful objects for collectors, according to creative director Thomas Widdershoven”. Maybe this new “paradigm shift” is also the reason why several products are not really innovative or new, on the contrary some are really similar to existing one, as Forage that is almost the same of one of the Concept IKEA Kitchen 2025 tools, shown at IKEA Temporary.

Despite this detail, Graduation Show is an interesting exhibition and it’s good to see how young people put their effort into design.

If you don’t know what Dutch Design Week is, you should read the first part of this post. Yesterday we describe the festival without a specific focus on design, today WeVUX will talk more about the design and the products. Don’t miss the third part of the post, it will be about the Design Academy Eindhoven Graduation Show.

This year DDW expected more than 2400 exhibitors and if you walk around the city you will discover several interesting design spots (from the installation in SissyBoy clothes shop to the Usine Cafè, a restaurant created in an ex factory). In the exhibitions around Eindhoven you can find Cor Unum products, a new generation of ceramic designer, that this year collaborated with the Italian master designer Alessandro Mendini; the projects of designers graduated from the Utrecht School of the Arts (HKU) and from Willem De Kooning Academie (Rotterdam). WeVUX has also been impressed by Bas Vellekoop and Renate Vos products, highly specialized crafts products. ABN AMRO, main sponsor for the event, wanted to give young designers a stage. The bank has teamed up with Van Eijk & Van der Lubbe and has set up ABN AMRO hotspots in the city of Eindhoven, where designers will be able to present themselves. A permanent platform has been designed for the central lobby of ABN AMRO’s office on Vestdijk, also in Eindhoven. The giant, one-metre high wing nut that adorns the hotspots symbolises the joining of forces and setting things in motion, which ties in nicely with the goals of the hotspots: bringing young, talented designers into contact with other parties. The presence of young designers is massive and we like to see how in the Netherlands young people has a place next to the great masters. Visiting DDW 2015 you will find several crafts products, an important and massive material research and the development of technology and innovation, from 3d printing to augmented reality, everything perfectly mixed with crafts.

Don’t miss the 3rd part of the post with the Design Academy Graduation Show!

The 14th Dutch Design Week 2015 #ddw15 is taking place in Eindhoven until Sunday 25 October. WeVUX will follow it: this post is the first part of three about DDW.

“What if…” is the theme for this DDW edition, the organisation wants to celebrate and highlight designers’ power of imagination. The campaign to support the theme is made in cooperation with the design agency Fabrique. Martijn Paulen, DDW director, said about the theme: “Posing the right questions is the motor for the imagination. Designers think about how we will live and live together in the future. They dare to question everything, dream of a different answer and shape it. This is how they lay the basis for the innovations of the future.” The festival is reinforced this year by the introduction of DDW Music, a collaboration between DDW, the Effenaar and the booking agency Friendly Fire. During the week, there will be live performances at various venues around town, free for anyone with a DDW go-as-you-please ticket. DDW ticket is a personal wristband that offers you nine days of unlimited access to the locations. Out of Eindhoven Station you will find an Infopoint for ticket, maps, gadgets. The shop space is divided with a coffe bar literally full of green, do not miss it! The highlights of DDW 2015 are regulars such as the Design Academy’s Graduation Show, the presentation of the annual Dutch Design Awards, the presentation by Dutch Invertuals and the exhibitions in the Klokgebouw (art directors Guus Kusters and Maarten Kolk). Amongst these the Volvo Design Challenge, with young designers and the exhibition ‘Mind the Step’ (by the Eindhoven, Delft and Twente universities of technology) shows design and technology of the future.

In the gallery you will find a first point of view of DDW, do not miss the following parts to know more about the projects and the design!

ODD MATTER is a Dutch design studio founded by Els Woldhek and Georgi Manassiev. After living and working for the last six years in London, where the two designers met during Design Products studies at the Royal College of Art, they have recently moved to Amsterdam. The studio works across a broad range of disciplines and tries to work with existing industries to create products, interiors, concepts or shop boards.

One of their latest products is the series of five sculptural lamps, entitled ‘Node’. Inspired by the drawings of electrical diagrams, the lamp is designed to perfectly illustrate the process of opening and closing of an electrical circuit that generates light. Made of copper and acrylic resin (Jesmonite), these lights have arms that rotate, opening and closing the circuit. ODD MATTER explains on its website the reason for the choice of this particular design, “a lamp has an interesting transformation because it changes to offer something that is not initially there. It exists to provide light, but the light is not participating in the physicality of the object. This suggests that a lamp has a sculptural object when the light is not present and its function begins with its transformation towards the realization of the light. A lamp is therefore a medium between us and the light and the act on and off is essential as well as symbolic in relation to the object.”

More projects on the website!

(via osso mag)

NOMTN is a design studio based in Los Angeles, founded by Eric Johnson in 2013. The studio focuses on the production of furniture, lighting and household items. NOMTN makes minimal products with clean lines and balances the timelessness of woodworking quality with modern steel and color. Each piece is made by hand, at home, easy to assemble, disassemble, pack and ship; functionality is a key factor in the design study. NOMTN launches lately a small collection of furniture clean and modern, featuring pastel colors and wood.

Renewed by Jean-Marc and Patrick Drut Blauwar, Apartment 50 occasionally hosts exhibition projects of world famous designers like Jasper Morrison, Ronan & Erwan Bouroullec, Konstantin Grcic and Pierre Charpin.

Under the direction of Thilo Alex Brunner, head of the Product Design Master ECAL, and Augustin Scott de Martinville professor, in September 2014 twelve students of the Masters in Product Design ECAL / University of Art and Design Lausanne were invited to reflect on a collection of objects to meet the daily needs in the city of Marseille. The project started with a three-day workshop, allowing students to experience life in the palace. Based on their different observations, they created items to “live” this place, focusing on particular aspects: the climate of the apartments, the flexibility of the interior spaces, guided tours that take place regularly, life in public areas, especially the roof terrace that serves as a meeting place.

The result of this research has become part of an exhibition in the Appartement 50 from the 4th to the 19th of July 2015. The exhibition will be accompanied by a publication of 52 pages produced by students of the Master in Art Direction.

(via Domus)

Alex de Witte is a Netherlands-based product designer, he graduated in 2003 from the Artemis Academy Amsterdam, where he studied the universal values in the perception of beauty amongst people and animals and of course design processes.

His latest work is “The Big Bubble”, a lamp made of blown glass which looks like a bubble dropped from your ceiling. Each bulb is unique, dimensions are between 90-105 cm. Smaller pieces known as “The Baby Bubble” measure around 40-45cm. The design won first place for best new product at Design District Amsterdam 2013 and is now available for purchase at Dark.

More projects here!

httpv://www.youtube.com/watch?v=CloOfe5oXrQ
Danielle Trofe, furniture designer col pallino della sostenibilità, produce, nel suo studio di Brooklyn, una fantastica linea di lighting, sulla scia dell’impulso dato dai nuovi biomateriali.

Come le torte della nonna, anche le sue lampade sono “fatte in casa”. Prima prepara il composto fungivo, poi lo versa nello stampo ed attende. Quando i funghi si fanno compatti e bianchicci, lo estrae, lo inforna e lo tratta con un prodotto non tossico.

Nel frattempo una rete di artigiani, realizza le componenti in legno e cemento, che verranno poi assemblate per creare questa bellissima linea di lampade, dalle forme e dalle texture organiche.

Al momento della dismissione, lo shade è totalmente biodegradabile. Danielle suggerisce di usarlo come compost da usare per far crescere i nostri bei gerani.

Date un occhio al sito di Danielle, per scoprire anche le sue altre creazioni: danielletrofe.com

Source: http://danielletrofe.com/mush-lume/

Simon Morris is a designer from Assembled in Sweden collective and since He was 16 he dreamt of having a hover board, so much so that he was always trying to levitate his own prototypes with magnets. Here’s the project description:

FLYTE is a levitating light, which hovers by magnetic levitation and is powered through the air. With FLYTE, we’ve set the lightbulb free. The world moves so fast, so take a break from gravity and experience something surreal that appears suspended in time. FLYTE requires no batteries and powers light through the air via induction. Wireless power transfer transmission has been around since the days of Nikola Tesla. With FLYTE we’ve packed some of Tesla’s tech and combined it with magnetic levitation, opening up a magical world of possibilities. Our wireless power module transmits about 5V and is completely safe and harmless. Edison and Tesla can finally be friends. Power is transferred wirelessly from the base to the bulb.

You can see more about FLYTE on Kickstarter

More project on Assembled in Sweden site

Abbiamo anticipato il gruppo LIGHT4 qualche settimana fa: LIGHT4: UN MONDO DI LUCE E D’ARREDO.

vediamo ora nel dettaglio cosa comprende ogni brand.

Cominciamo con Vintage!

Come dice il nome, questo marchio guarda al passato, lo rievoca e lo interpreta all’insegna di un design senza tempo. La struttura delle sospensioni, delle plafoniere o delle lampade da parete ripercorre la storia dell’illuminazione. Si va dai lampadari in stile barocco alle sperimentazioni policrome del vetro.

I prodotti firmati Vintage, illuminando con gusto, realizzano un’ottima sintesi di arredo e decorazione, lusso e funzionalità. Un tocco di glamour esalta l’altissima qualità produttiva, un azzardo di moderno nella scelta dei dettagli rende innovative le forme più classiche.

In dialogo con un nuovo concetto di lusso, grazie all’incontro di linee classiche, gusto moderno e soluzioni innovative nella scelta dei materiali, le linee di prodotto di questo marchio creano effetti di contrasto di forte impatto estetico. Queste peculiarità nobilitano i più disparati contesti, offrono una personalità in più.

Non solo arredi dicevamo, ed infatti la collezione si completa di una linea arredo glamour e raffinata, dalle linee classiche ed italiane capace di arredare completamente, oppure di aggiungere un tocco a contrasto anche in un ambiente moderno.

www.lightvintage.com

ML, Vintage, Façon de Venise and Itama sono i differenti brand che LIGHT4 offre al mercato. Ognuno di questi esprime un accurata scelta stilistica. L’elemento essenziale e primario è come sempre la luce che viene espressa in differenti modi: effetti cromatici, proposte d’arredo originali, nuove linee e nuove ambientazioni..

LIGHT4 Srl è stata fondata nel 2007, originaria di Treviso, divenne immediatamente un azienda importante ed originale: basandosi su un approccio molto diretto al futuro non pone limiti al proprio utilizzo: elementi moderni, essenziali, oppure di rinnovato stile classico così come anche totalmente classici, LIGHT4 è in grado nel suo insieme di coprire tutte le esigenze del cliente.

_ ML è il brand che nasce da Muranoluce confermandone lo sviluppo nel progetto moderno e dal design essenziale.

_ Vintage come suggerisce il nome questo brand si focalizza sul passato, reintroducendo le espressioni di un design senza tempo e senza fine. Lampade pendenti, sospese, lampadari, uniscono la tradizione classica allo stile barocco, reinterpretati per un mondo più moderno, in policromie vetrose di interessanti soluzioni.

Questa linea si è completata anche integrando la sezione “Interiors” : una nuova serie che esprime la fusione di stile e di come LIGHT4 voglia espandere i propri confini.

_Façon de Venise urprises,questi oridotti sono l’essenza della sperimentazione. Questo brand è dinamico ed offre innovazione per un design originale e innovativo non ritretto ada alcuna regola.

_ Itama giovane linea tutta italiana si spezializza in illuminazione e accessori per interni esclusivamente per i progetti.

Baccarat è la casa produttrice di meravigliosi corpi illuminanti quali lampadari, lampade, applique preziose ed estremamente lussuose, realizzate in cristallo di baccarat, appunto. Come ogni anno la casa francese è presente alla settimana della moda e ques’anno, oltre a numerosi eventi sparsi per la città, da modo di visitare un’installazione fissa presso la chiesa di San Carpoforo in Brera, in occasione dell’anniversario dei 250 anni dalla fondazione della maison.

Un vivo consiglio, per poter ammirare dal vero un meraviglioso pezzo di design.

La celebre marca di lampadari veneziani reinterpretati in chiave moderna ha realizzato una suggestiva installazione di cui consiglio la visione soprattutto nelle prime ore della sera per apprezzarne appieno le caratteristiche suggestive, emozionanti ed aeree.

Ai Chiostri di San Simpliciano, piazza Paolo VI 6, Milano, 8-13 aprile 2014.

Users creativity/Interaction/Customization: this is Take Off.

Nice and simple idea, to build up your own lamp.

The steel frame, the paper templates (perforated triangles or circles and underlining), and the magnets to assemble (socket, bulb and cord not included) will let you compose and adapt Take Off to your needs.

Nice and pure, as German design thinking is.

(http://www.fifti-fifti.net/de/katalog/take-off-light.html)

Donghia è un brand storico nato dal designer americano ma di origini italiane Angelo Donghia. Questa duplice influenza ha caratterizzato lo stile ed i prodotti della casa che si presentano come raffinati, contemporanei e accoglienti. Di recente acquisizione del marchio Rubelli, leader del tessile made in Italy, Donghia è tornata ad essere un marchio tutto italiano, orgoglioso delle proprie origini.

La produzione racchiude mobili, tessuti, lampade e accessori che riflettono la filosofia di design originale del suo fondatore, Angelo Donghia: un’eleganza essenziale e discreta. Lo stile unico e molto particolare di Donghia unisce comfort e ricercatezza, design tradizionale e moderno.

Le linee sono pulite morbide e raffinate, con evidenti richiami al classico ma con una riduzione all’essenziale. Sono cariche di dettagli seppur rimangano semplici.

Anche i tessuti, ovviamente appositi della linea Donghia (ma sempre prodotti da Rubelli) contribuiscono ad arricchire o sdrammatizzare il prodotto, qualora questo sia di fattura essenziale oppure più lavorata.

I colori terrosi variano dal beige al panna al marrone al rosso e al verde scuro e sono un richiamo alla matericità del prodotto. Il risultato è un mix di moderno e raffinato, di lineare e accogliente adatto ad ogni ambiente. Ovviamente la scelta dei tessuti varia in relazione alle esigenze del cliente ed alla personalizzazione richiesta ma il messaggio che la casa vuole trasmettere è di accoglienza, comfort per vivere la casa come un nido protettivo e ricercato allo stesso tempo, senza mai separarsi dal contatto con l’esterno.

Donghia non si presenta come un marchio molto commerciale bensì per intenditori: le collezioni di arredamento, pannellature di rivestimento per pareti, tessuti ed illuminazione infatti vengono venduti esclusivamente e direttamente ad interior designers e architetti o privati, attraverso i rappresentativi showrooms ma senza la divulgazione tramite negozi o rivenditori. Tutto avviene in casa, un pò come un affare di famiglia.

Così facendo, attraverso la collaborazione di persone strettamente del settore, il design della compagnia ha continuato ad evolversi ed implementarsi, direzionandosi solamente verso quello che potremmo definire un buon gusto organizzato.

Nella primavera 2005 la società americana è stata acquistata dal gruppo Rubelli, e ciò ha permesso al marchio Donghia di tornare alle origini, continuando a crescere e svilupparsi sia negli Stati Uniti che in Italia, che a livello internazionale.

www.donghia.com

Conoscevo già le produzioni de la murrina, storica casa di lavorazione del vetro soffiato ma ieri, forse con occhio nuovo, forse con maggiore coscienza le ho apprezzate di più.

Cercavo un lampadario veneziano “fresco” dalla linea classica ma leggera, con colori allegri e tenui.. e la murrina mi ha dato ampia scelta, tanto che ora non so decidermi se usar un solo modello o addirittura mixare tre modelli diversi.

La linea di la murrina abbina la tradizione e l’abilità veneziana per la lavorazione del vetro con un gusto che pur rimanendo classico risulta abilmente moderno e leggero.

I modelli sono personalizzabili in colorazioni, misure ed ovviamente è possibile lavorare a disegno ma già i prodotti standard rendono benissimo le qualità del vetro di trasparenza, grazia, morbidezza e delicatezza…

Le linee sono morbide e mai presentano lo stile un pò aggressivi dei classici rezzonico.

Le sapienti colorazioni sono aggraziate, vivaci, combinate in cromie davvero allegre e la scelta è possibile su diversi stili, anche molto moderni.

Le collezioni che richiamano un velo di pizzo, adagiato su una fonte luminosa le trovo davvero eleganti , oppure quei piccoli spotlight con il cono in vetro che attribuiscono un dettaglio significativo anche in uno spazio molto moderno. Senza nulla togliere a quei meravigliosi lampadari veneziani a piccole roselline lavorare, classicissimi ma adatti ad ogni ambiente di carattere.

La murrina nasce sin dagli anni ’60, dove vi sono notizie di una piccola fornace gestita da un gruppo di maestri vetrai denominata Murrina Fornace.
L’attività iniziale, che prosegue fino al 1974, è quella della realizzazione di pochi e prestigiosi oggetti in vetro soffiato ideati dagli stessi artisti che sono i proprietari della fornace.
Proprio nel 1974 la proprietà della piccola fornace viene trasferita ad una famiglia milanese, già produttoridi articoli di illuminazione in vetro e metallo.
Da qui inizia la trasformazione dell’azienda che viene organizzata e gestita in modo più imprenditoriale: il marchio la murrina viene depositato in tutto il mondo e le collezioni si ampliano e si arricchiscono.

la murrina è oggi una grande realtà nel panorama mondiale della produzione e del vetro soffiato di Murano.

Made in Venice all over the world.

Gli anni ’90 sono il momento in cui esplode la tendenza dell’arte povera, di cui la tradizione mobiliera toscana è l’espressione più genuina ed apprezzata.

E’ questo il trampolino di lancio del nome Dolfi in tutto il mondo come produttore di mobili classici e imbottiti con la linea DOLFI – classic home.

Nel 1990, dopo il fondatore Franco Dolfi, è il turno del figlio Filippo Dolfi, che appena 19enne entra in azienda. Insieme alla moglie Antonella, affiancano alla collezione toscana altre due collezioni che sono, oggi, il punto più alto della produzione Dolfi:

FD Collection che è una collezione di mobili contemporanei e

i Sogni di Matilde, una collezione, ispirata alla figlia Matilde, di camerette romantiche per bambini e ragazzi.

I Sogni di Matilde sono forse la sola e prima collezione che un grande marchio dedica interamente al mondo dei bambini. Uniche nel loro genere è un marchio che viene molto apprezzato proprio perchè vario, versatile, personalizzabile e comprensivo di ogni dettaglio.

Antonella Dolfi, fondatrice della prima collezione quasi per gioco, in onore della propria figlia Matilde ha poi continuato in questa creazione creando quello che è un mondo fiabesco dove tutto è direzionato al mondo del bambino, abbinato ad un’adulta impronta di stile.

Le Camerette di Matilde sono molteplici, pensate sia per maschi che per femmine ed ognuna presenta un tocco particolare che la caratterizza: una farfalla per lei o un cuoricino, un giocoso teschio per lui… Dettagli che si rincorrono come tematiche di tutta la stanza. Infatti della stessa collezione è possibile avere un abbinamento completo di arredi che va dal letto alla lampada al comodino e non solo: il dettaglio della maniglia del cassetto viene ripreso nella forma dello specchio a parete, nel decoro della boiserie, nella texture del tappeto…

I colori presentati sono generalmente tenui e spaziano tra il rosa ed il bianco per le ambientazioni più femminili mentre il nero il blu e l’azzurro sono dedicati a quelli maschili. Anche la scelta dei tessuti rivela una gran ricerca del dettaglio ma non finisce qui: il tutto è estremamente personalizzabile, è possibile cambiare i tessuti proposti con i tessuti cliente. Il tocco di stile viene anche dalle iniziali sui cuscini: viene presentata MD, che non è altro che le iniziali di Matilde Dolfi ma ognuno può personalizzare l’intera produzione, non solo quella tessile ma anche nei dettagli degli arredi, con le iniziali del proprio figlio.

Testimonial della collezione è il coniglietto di tela compagno di ogni bambino, riproposto in tutte le dimensioni e che può diventare anch’esso elemento d’arredo quando raggiunge la macroscala in altezza di 1.50 mt.

Una collezione completa quindi quella di Dolfi, una collezione che mira ad arredare il mondo del bambino a tutto tondo, con la medesima filosofia.

Longhi è un’azienda legata ai temi dell’abitare contemporaneo, attenta all’evoluzione del gusto ma con solide radici nella realtà produttiva.

La varietà dei temi affrontati – complementi d’arredo, pareti scorrevoli in vetro, porte d’arredamento, strutture attrezzate per libri o HI-FI/TV – è il risultato di un progetto d’impresa globale e coerente che investe ogni aspetto del percorso produttivo: dallo sviluppo dei prototipi, alle tecnologie applicate, al servizio clienti fino alla comunicazione. Le collezioni che costantemente aggiornano i cataloghi rispecchiano i valori di una precisa filosofia progettuale: attenzione per il comfort e la funzionalità innanzitutto, ricerca di un design che renda ogni elemento – sia esso un tavolino, una porta, od un’intera parete – parte di un sistema coordinato dall’impronta sobria ed elegante.

Nata dalla lavorazione di preziose mani artigiane, la collezione LOVELUXE rispecchia quel gusto elegante e raffinato dove la creatività dei designers si fonde con la naturalezza delle materie prime utilizzate; lavorate manualmente con la cura per ogni dettaglio, così da trasformare la materia in un oggetto unico ed inimitabile, prodotto al 100% in Italia.

Grande tradizione artigianale, utilizzo di materiali nobili e pregiati, ricerca costante in continua evoluzione: sono questi i valori che da sempre contraddistinguono le creazioni LONGHI.

L’attenzione al dettaglio si coniuga con l’uso di materiali esclusivi: l’essenze lignee lavorate affidandosi all’abilità e alla cultura di operatori altamente preparati, i marmi e le pietre provvisti di certificati d’Autenticità e Garanzia insieme alle pelli, accuratamente selezionate e lavorate con procedimenti naturali rispettando l’ambiente, armonizzano semplicemente passione ed eleganza.

Ogni pezzo è fatto a mano, spesso su misura, e sottoposto a controlli per offrire il massimo della qualità, conferendogli un valore unico, esclusivo e dalle caratteristiche eccellenti totalmente Made in Italy.

www.longhi.it

Gli anni ’90 sono il momento in cui esplode la tendenza dell’arte povera, di cui la tradizione mobiliera toscana è l’espressione più genuina ed apprezzata.

E’ questo il trampolino di lancio del nome Dolfi in tutto il mondo come produttore di mobili classici e imbottiti con la linea DOLFI – classic home.

Nel 1990, dopo il fondatore Franco Dolfi, è il turno del figlio Filippo Dolfi, che appena 19enne entra in azienda. Insieme alla moglie Antonella, affiancano alla collezione toscana altre due collezioni che sono, oggi, il punto più alto della produzione Dolfi:

FD Collection che è una collezione di mobili contemporanei e

i Sogni di Matilde, una collezione, ispirata alla figlia Matilde, di camerette romantiche per bambini e ragazzi.

Il segno distintivo che meglio rappresenta questa marchio è la possibilità di personalizzare quasi tutta la produzione, sia nelle dimensioni, che nei colori, che nelle finiture, con addirittura la possibilità di creare tessuti personalizzati con disegni o firme del cliente.

FD COLLECTION linea illustrata qui diseguito è contemporanea, dai dettagli ricercati e dai materiali pregiati. In alcuni tratti ricorda brevemente lo stile di VISIONNAIRE, che come DOLFI utilizza pelli, acciaio e specchi ma ve ne si distingue con linee più classiche e femminili, con uno stile meno eccentrico e contrasti più tenui.

Come anche il logo rappresenta, la tematica centrale sono l’eleganza, le curve, la femminilità… Dallo stile raffinato, quasi principesco rimanda quasi ad un tema fiabesco.

Le pelli chiare, sulle tonalità del panna e del beige si mescolano con tonalità di grigio e marrone leggere, unendosi solo a pochi altri dettagli dai colori più intensi.

In contrasto ai caldi colori e alla morbida percezione delle pelli e dei tessuti, sono sempre molto diffusi i dettagli in cristallo, specchio e acciaio che rendono le collezioni molto preziose e glamour, affascinanti creazioni di un sapiente mix tra confort e raffinatezza.

Dolfi è presente da sempre alle maggiori manifestazioni fieristiche nazionali, a Milano come a Verona, molto ben introdotta nel mercato russo, che sta offrendo ottime opportunità di business per questa tipologia di mobili.

Uno stile unico che spazia dal glamour al moderno, dall’eclettico al classico. SIGMA L2 crea copri illuminanti particolari, adatti per i gusti raffinati ed esigenti.

Di origine fiorentina la linea è evidentemente di derivazione classica che con maestria si mescola a materiali e colori completamente moderni e diametralmente opposti al design, creando effetti di stile magnifici dalla firma inconfondibile.

L’azienda nasce 30 anni fa dal fondatore Paolo Granchi, figlio del famoso scultore degli anni30-90, Delio Granchi.

LIGHTENING AND INTERIOR DESIGN: SIGMA L2 produce prodotti d’illuminazione ma vediamo spesso proposti anche pezzi d’arredo unici ed inconfondibili: corpi d’ingombro come letti e poltrone hanno uno spazio minore ma importante, mentre vengono invece proposti spesso tavolini, specchi, vasi ed oggetti di home decor.

Tantissime collezioni completamente diverse fra loro, ognuna lavorata e ricercata presentano differenti possibilità per ogni prodotto. La scelta è vastissima, possiamo vedere differenti tipi di applique, lampadari, lampade da tavolo oppure piantane, tutte per la stessa collezione ma con dettagli differenti, per soddisfare tutti i gusti.

Potendo notare la quantità di dettagli presenti su ogni prodotto e sapendo che SIGMA L2 lavora artigianalmente i suoi prodotti possiamo facilmente immaginare che la personalizzazione del prodotto presenti infinite possibilità.

Molteplici anche le finiture abbinabili, tutte personalizzabili. Generalemente dalle linee uniche e originali i prodotti SIGMA L2 presentano anche forti colori a contrasto, vivaci sfumature, materiali brillanti e lavorati in modo spigoloso. Un continuo gioco di texture e superfici che insieme alla luce stessa implementano l’effetto decorativo del prodotto.

Non sono molte le case che possono proporre prodotti con una linea così vasta e così ricca di possibilità.

www.sigmal2.it

Attenzione preparatevi. Sto per mostrarvi il classico più ricco e particolare che conosco. Un tripudio di intarsi, tessuti, oro e brillanti, lavorazioni e fiorellini.

Vi sto per mostrare FC Cappelletti.

Così come Jumbo Collection, FC Cappelletti fa parte dei top ten del Classic Made in Italy Abroad.

Collezioni amate per la complessità delle lavorazioni, la quantità di dettagli, la forza delle linee e la particolarità del design.

Cappelletti mischia tantissimo i materiali, legni diversi, argentati, dorati, e abbinati a pietre preziose e brillantini. Mixa a contrasto colori e sopratutto quando si parla di imbottiti, i colori vengono accentuati dai materiali: pizzi, merletti, contrasti materici di volumi e arricchiature vanno maggiormente ad arricchire ogni dettaglio, dal completo divano alla semplice nappa del cuscino.

Tutte caratteristiche che possiamo già intravedere dal logo molto spigoloso, dai forti contrasti sia di forme che di colori, dove l’oro è sgargiante ed i brillantini parlano da se.

Concorrente di Jumbo Collection, anche Cappelletti offre il servizio di contractor, avendo la possibilità di seguire tutti gli ambienti della casa. Grazie alle tantissime collezioni proposte, è possibile arredare ogni ambiente della casa, da quelli più formali a quelli più intimi e tecnici, come cucina e bagno seguendone ogni dettaglio: arredamento, decorazione illuminazione, tessile…

Per quanto incredibilmente cariche e ricche di dettagli, queste collezioni riscuotono tantissimo successo, soprattutto in paesi come la Cina e l’Ukraina, dove il senso dell’abitazione è quello di “mostrare” se stessi ai propri ospiti, facendo della famosa marca di Cantù una tra le più apprezzate all’estero.

http://www.cappellettisas.it

Oggi mi sento da…MURO GIALLO!

Provate ad immaginare di poter cambiare il colore delle pareti in camera vostra in base al vostro umore.

E’ questo il concept di KONCEPT Tono. Si tratta di una lampada LED, che si appoggia su una base quadrata, prodotta dalla Bell Xpress.

La particolarità di questa lampada è che può essere direzionata sulle pareti e proiettare su queste il colore che vogliamo e con l’intensità di luce desiderata. Ognuno può cambiare il colore della propria casa con un dito e sentirsi un pò light designer. E’ dotata anche della modalità di riproduzione casuale così da ottenere un maggiore effetto scenografico.

Facendo un giro per il salone mi è capitato di trovare molti designer che hanno lavorato sullo stesso concetto, il poter cambiare il colore di una stanza giocando con la luce. A mio parere una bella idea per trasformare il solito spazio con facilità. Inoltre queste lampade hanno secondo me grandi potenzialità anche per il teatro in cui la luce è elemento essenziale per la buona riuscita di una scenografia.

Si chiama ECO DIY COLLECTION ed è disegnata da Eduardo Alessi. Si tratta di animaletti disegnati in 2D su una base di cartone riciclato. Ormai è diventata un po’ una moda quella di riciclare, ma non dimentichiamo che in primis lo facciamo per il mondo.

Che poi, il cartone riciclato conferisca al prodotto quel non so che in più, bhe, questo è un altro conto.

In ogni caso, penso che ciascuno di noi dovrebbe utilizzare nel proprio dizionario questa parola, RICICLARE.

Altra particolarità di questi animaletti è che non sono già “pronti”, come d’altronde non è “pronta” la spazzatura differenziata. Già, devi costruirteli da te.

Ma non preoccupatevi, le linee del disegno ci sono già. Voi non dovete far altro che tagliarle e montare l’animaletto. Senza l’ausilio di colla o scotch.

Ve ne sono 5 tipi: l’ELEFANTE PARLANTE, la GIRAFFA LAMPADA, il CERVO OROLOGIO, il RINOCERONTE PORTA PENNE e il GUFO LENTE SEGNALIBRO.

Io personalmente li prenderei tutti!

http://www.eduardoalessi.com/6114/660764/contact-infoeduardoalessicom/eco-diy-collection

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