Che fine ha fatto il progetto? Questa è una delle domande che negli ultimi anni sentiamo più spesso a Milano, durante eventi, mostre e fiere di settore. La cultura del progetto è minacciata ormai da anni: l’utilizzo sempre più prepotente dei social come unico canale di condivisione del proprio lavoro e di una comunicazione che ha come unico obiettivo l’autopromozione per aumentare il tasso di engagement, i like e i follower, ha portato solo ad un appiattimento culturale e critico. Come conseguenza, molte riviste pubblicano progetti e designer che possono assicurare un like – così come le collaborazioni che scelgono alcune aziende – e molti progettisti si concentrano di più sull’apparenza che sul contenuto (non tutti naturalmente, ma è possibile identificare una tendenza negli ultimi anni verso questo tipo di approccio). (Immagine di copertina, Techno Techne di Carmelo Zocco)
Nonostante ciò, per fortuna, ci sono ancora alcuni studi e designer che propongono progetti e momenti per la condivisione di idee e pensieri perché, vogliamo ricordarlo, il design nasce sempre da uno scambio: c’è un’idea del progettista, l’esperienza di un tecnico/artigiano che ne aiuta lo sviluppo e la volontà di un’azienda di investire e produrre quella determinata idea – e si tratta comunque di un’estrema semplificazione di un processo molto più complesso.
Senza dialogo non esiste progetto e lo studio Sovrappensiero lo sa: la nuova call ABOUT: lanciata da Lorenzo De Rosa e Ernesto Iadevaia cerca proprio di inserirsi in questo momento storico per aprire un confronto costruttivo sull’approccio progettuale, al di là di schemi e esigenze di mercato.
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La open call ABOUT:
“Il nostro intento è coinvolgere i progettisti di oggi nell’analizzare e sfidare l’approccio contemporaneo al design, rivalutando e riportando al centro il valore culturale intrinseco al processo creativo. Desideriamo stimolare il pensiero critico e il confronto libero da schemi, aprendo così nuove vie di esplorazione e scoperta nel mondo del design” – scrive lo studio.
Attraverso la definizione di un tema, il progetto invita i designer a sperimentare e proporre il proprio punto di vista attraverso un piccolo prototipo. La prima open call era dedicata all’esplorare nuovi modi di utilizzare e pensare la lama del taglierino per scoprire soluzioni innovative, funzionali e narrative: “Le lame del taglierino sono strumenti fondamentali nel mondo dell’ufficio e dell’artigianato, note per la loro precisione, versatilità e affidabilità. Sebbene siano spesso associate a tagli semplici e operazioni quotidiane, il loro potenziale va ben oltre questi usi convenzionali. Ogni lama, grazie al suo filo e la sua capacità di affrontare materiali diversi, rappresenta una tela bianca per l’innovazione.”
Le open call di ABOUT: hanno quindi lo scopo di trovare soluzioni che ridefiniscano le possibilità dei temi scelti (nel primo caso le lame del taglierino, mentre è già online la seconda call legata alle setole) attraverso alcune chiavi di lettura: nuove funzioni, strumenti, rituali e narrazioni. Una volta consegnato il prototipo, Sovrappensierostampa un catalogo e organizza una mostra che si svolge sempre in studi e laboratori diversi in cui vengono presentati i progetti inviati e tutti sono invitati a partecipare: un bel momento di convivialità con al centro il design. La prima mostra è stata ospitata dal laboratorio di restauro Polignum.
About: è il progetto di cui abbiamo bisogno: una call gratuita in cui il designer è invitato a sperimentare con un tema, libero dalle dinamiche commerciali e comunicative che imbrigliano la creatività. Un bellissimo esercizio per tornare finalmente a parlare di cultura del progetto.
Come anticipato, potete già trovare online la seconda edizione della open call legata al mondo delle setole, qui trovate tutte le informazioni necessarie. Per vedere i risultati del primo About: potete trovare qui il catalogo, seguire il canale Instagram della open call o visitare il sito di Sovrappensiero!
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Sfrisè by Luca Capriccioni, Manuji Colucci, Federico Giuberti, Roberto Milanetto e Gabriele Sorrentino.01 by SovrappensieroDeadline Clock by Giuseppe ValentinoTagliavento by Martino BizzanelliLama di lame by Ludovico SpataroEasier than changing the time by Pietro CristiniHic et nunc by AsteriscoZanzafix by Giulia De Franco, Edoardo Oggioni5 lame by Yessica BanderaUntitled by Odoardo FioravantiDET/TAGLIO by Manitu Creative Studio
Foto per gentile concessione di Sovrappensiero
What has happened to design? This is one of the most frequently asked questions at events, exhibitions, and trade fairs in Milan in recent years. Design culture has been under threat for years now: the overwhelming use of social media as the primary channel for sharing work, coupled with communication aimed solely at self-promotion to increase engagement, likes, and followers, has led to a cultural and critical flattening. As a consequence, many magazines publish projects and feature designers who can secure a “like” – as well as the collaborations some companies choose – leading many designers to focus more on appearance than content (not all, of course, but there has been a noticeable trend towards this approach in recent years). (Cover image, Techno Techne by Carmelo Zocco)
Despite this, fortunately, there are still some studios and designers who propose projects and events for sharing ideas and thoughts. We would like to remind you that design is always the result of a dialogue: there is the designer’s idea, the experience of a technician or artisan, and the willingness of a company to invest in and produce that idea. This is an extreme simplification of a much more complex process.
Without dialogue, there is no project, and Sovrappensiero studio knows this well. The new ABOUT: call launched by Lorenzo De Rosa and Ernesto Iadevaia aims to engage with this historical moment by opening a constructive discussion on the design approach, beyond traditional frameworks and market requirements.
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The ABOUT: open call
“Our intent is to engage designers in analysing and challenging the contemporary approach to design, reassessing and reemphasizing the intrinsic cultural value of the creative process. We aim to stimulate critical thinking and encourage open dialogue free from preconceived notions, thus opening new paths of exploration and discovery in the design world” – writes the studio.
By defining a theme, the project invites designers to experiment and propose their point of view through a small prototype. The first open call focused on exploring new ways of using and conceptualizing the box cutter blade to discover innovative, functional and narrative solutions: “Box cutter blades are fundamental tools in the office and craft world, known for their precision, versatility and reliability. Although often associated with simple cuts and everyday tasks, their potential extends far beyond these conventional uses. Each blade, thanks to its edge and ability to handle various materials, represents a blank canvas for innovation.”
The aim of the ABOUT: open calls is to find solutions that redefine the possibilities of the chosen themes – cutter blades in the first instance, and bristles for the second call, which is already online – through specific interpretive keys: new functions, tools, rituals, and narratives. Once the prototype is submitted, Sovrappensiero prints a catalog and organizes an exhibition, always held in different studios and workshops where the submitted projects are presented. This creates a convivial moment with design at the center. The first exhibition was hosted by the Polignum restoration workshop.
ABOUT: is the project we need: an open call where designers are invited to experiment with a theme, free from the commercial and communication dynamics that constrain creativity. It’s a wonderful exercise to finally return to talk about design culture.
As anticipated, you can already find the second edition of the bristle-related open call online. Here, you can find all the necessary information. To see the results of the first ABOUT:, you can view the catalog here, follow the open call’s Instagram page, or visit the Sovrappensiero website!
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Sfrisè by Luca Capriccioni, Manuji Colucci, Federico Giuberti, Roberto Milanetto e Gabriele Sorrentino.01 by SovrappensieroDeadline Clock by Giuseppe ValentinoTagliavento by Martino BizzanelliLama di lame by Ludovico SpataroEasier than changing the time by Pietro CristiniHic et nunc by AsteriscoZanzafix by Giulia De Franco, Edoardo Oggioni5 lame by Yessica BanderaUntitled by Odoardo FioravantiDET/TAGLIO by Manitu Creative Studio
Ph. courtesy
The recent graduate of the Master Material Futures at Central Saint Martins in London, Mireille Steinhage has created the Solar Blanket, part of the People Power project, which aims to make renewable energy products more accessible and affordable.
The project aims to support people to keep warm by alleviating some of the strains of soaring energy prices. The UK Parliament reported that in 2020 that 14.5 million people lived in relative poverty after housing costs in the country.
The proposed product, the Solar Blanket, is a heated blanket powered by the sun: it uses solar energy to generate electricity. The “solar blanket” saves energy by directing the heat towards the user, and avoiding waste of energy to heat an entire space.
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The solar panel, which works in most weather conditions, is designed to be placed in front of a window. It can be used to charge a portable power bank which then can be used to power the blanket, along with other objects in the home. Portability gives the blanket the advantage of not being location bound, and the ability to expand its use.
The blanket is made from polyester striped with a conductive yarn, to generate heat. The thread is covered with another polyester ribbon to prevent it from coming into contact with itself when folded. At this moment of the research, the designer has developed three prototypes, each with a low voltage of between 5 and 12 volts. The 12-volt blanket heats up to around 30 degrees Celsius and runs for two hours on a full charge.
Mireille aspires to extend the People Power line with other economic products. As the blanket won’t be used much in the summer and the solar panel could be sitting unused, the next product could be a table lamp or a fan.
Neolaureata del Master Material Futures presso la Central Saint Martins di Londra, Mireille Steinhageha creato la Solar Blanket, parte del progetto People Power, che ha l’obiettivo di rendere più accessibile l’energia rinnovabile.
Il progetto nasce per aiutare le persone a riscaldarsi, alleviando alcune delle tensioni dovute all’aumento dei prezzi dell’energia. Il parlamento del Regno Unito ha riferito che nel 2020 14,5 milioni di persone vivevano in condizioni di povertà relativa, al netto dei costi abitativi nel paese.
Il prodotto proposto, la Solar Blanket, è una coperta riscaldata, alimentata dal sole: utilizza l’energia solare per generare elettricità. La “coperta solare” consente di risparmiare energia dirigendo il calore verso l’utente, ed evitando sprechi di energia per riscaldare un intero spazio.
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Il pannello solare, che funziona nella maggior parte delle condizioni atmosferiche, è progettato per essere posizionato davanti a una finestra. Può essere utilizzato per caricare un power bank portatile che poi può essere utilizzato per alimentare la coperta, insieme ad altri oggetti in casa. La portabilità offre alla coperta il vantaggio di non essere vincolata alla posizione e la possibilità di ampliarne l’uso.
La coperta è realizzata in poliestere incrociato con un filato conduttivo, per generare calore. Il filo è ricoperto da un altro nastro di poliestere per evitare che entri in contatto con sé stesso una volta piegato. Al momento la designer ha sviluppato tre prototipi, ciascuno con una bassa tensione compresa tra 5 e 12 volt. La coperta da 12 volt si riscalda a circa 30 gradi Celsius e funziona per due ore con una carica completa.
Mireille aspira ad estendere la linea People Power con altri prodotti economici. Visto che la coperta non verrà utilizzata molto in estate e il pannello solare potrebbe essere inutilizzato, il prossimo potrebbe essere una lampada da tavolo o un ventilatore.
Often we don’t realize it but 90% of our life is spent indoors. These could be environments with poor air quality, increasing the risk of asthma, headache, fatigue and sleep disorers. Regularly airing out will improve your well-being, sleep and overall health. Canairi® is a friendly reminder for healthy indoor air quality.
Created by Hans Høite Augustenborg and Andreas Kofoed Sørensen, Canairi® is a Fresh Air Monitor™ improving your indoor climate and health through storytelling and intuitive design language. When the air quality is poor Canairi® will drop down, until you open the window to “bring it back to life”. Besides being a functional product, its aesthetics adds a nice touch to environments such as schools, hospitals, offices.
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Ph. credit Albert Sommerlund
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Back in the days, mine workers would bring a canary with them in the coal mine, to detect toxic gasses. When the bird fainted, it was time to get out. With a built-in CO₂-sensor, Canairi® works exactly the same way, but in your home.
Canairi® is free from cables, displays and notifications to keep it nice and simple. But that doesn’t mean it’s not a clever piece of tech. Canairi® is equipped with a CO₂-sensor monitoring if the level passes 1.000 ppm (the threshold recommended health authorities worldwide). It’s made of recycled plastic and comes with a wall-mount and a rechargeable battery that will last 3 months, before you’ll have to charge it through a USB-cable. The design is IPR-protected and with a patent pending.
Unlike other air quality monitors, Canairi® will let you know when to ventilate your home without the use of annoying light, sound or phone notifications. It has been tested in private homes, offices and schools. Despite the location, most test persons said that the most awesome thing about Canairi® is the fact that it looks pretty and gamifies the act of ventilating the room.
All images courtesy of Canairi® unless noted otherwise Cover image, ph credit Albert Sommerlund
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Ph. credit Hans Augustenborg
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Non ce ne rendiamo conto ma passiamo al chiuso circa il 90% della nostra vita. Molto spesso poi si tratta di ambienti che hanno una scarsa qualità dell’aria. Questa può aumentare il rischio di asma, mal di testa, affaticamento e disturbi del sonno. Arieggiare regolarmente gli spazidove ci si trova è un modo per migliorare il proprio benessere, il sonno e la salute generale. Canairi® è un amichevole promemoria per mantenere una qualità dell’aria indoor sana.
Creato da Hans Høite Augustenborg e Andreas Kofoed Sørensen, Canairi® è un Fresh Air Monitor™ che migliora il clima e la salute degli ambienti attraverso un linguaggio di progettazione intuitivo: quando la qualità dell’aria è scarsa, Canairi® scenderà, fino a finire a testa in giù. Per “riportarlo in vita” sarà necessario aprire la finestra. Oltre ad essere un prodotto funzionale, non manca la parte estetica che aggiunge un tocco simpatico ad un oggetto adatto soprattutto ad ambienti come scuole, ospedali, uffici.
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Ph. credit Albert Sommerlund
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L’ispirazione arriva dal passato: una volta, i minatori portavano un canarino con loro in miniera, per rilevare i gas tossici. Quando l’uccello sveniva, era ora di uscire. Con un sensore di CO₂ integrato, Canairi® funziona esattamente allo stesso modo.
Il prodotto è senza cavi, display e notifiche per mantenerlo piacevole e semplice, ma ciò non significa che non sia un oggetto tecnologico intelligente. Canairi® è dotato di un sensore di CO₂ che monitora se il livello supera i 1.000 ppm (la soglia raccomandata dalle autorità sanitarie mondiali). È realizzato in plastica riciclatae viene fornito con un supporto a parete e una batteria ricaricabile che durerà 3 mesi, prima di doverlo ricaricare tramite un cavo USB. Il design è protetto dai diritti di proprietà intellettuale e il progetto è in attesa di brevetto.
A differenza di altri monitor per la qualità dell’aria, Canairi avvisa quando ventilare la casa senza l’uso di fastidiose luci, suoni o notifiche telefoniche. È stato testato in abitazioni private, uffici e scuole. Nonostante la posizione, la maggior parte delle persone che hanno testato il prodotto ha affermato che la cosa più fantastica di Canairi® è il fatto che abbia un bell’aspetto e renda divertente l’atto di ventilare la stanza.
All images courtesy of Canairi® unless noted otherwise Cover image, ph credit Albert Sommerlund
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Ph. credit Hans Augustenborg
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Luca De Bona and Dario De Meo, founders of the eponymous studio DEBONADEMEOand respectively architect and designer, met between Milan and Padua. They started a collaboration that draws inspiration from the theme of the journey, producing signs and drawings in response to the needs of the contemporaryhabitat. They collaborate with prestigious furniture, lighting and decoration companies dealing with art direction, concept design and product development. A research on a micro and macro scale that reinterprets and merges various fields: architecture, design, graphics and art, to create innovative environments and objects capable of telling stories.
When did you decide to start Debonademeo studio? Was there a project, a particular moment?
Although we both grew up in Veneto, we met by chance in Milan, hanging out with mutual friends and attending some events and aperitifs. We immediately discovered an affinity of thought, a common sense of curiosity and a similar pace of work. We therefore decided to join forces and minds to propose a way of designing that did not follow the rules or trends, but derived from our vision of the world: connecting materials and sensations to define forms that are useful in a practical or only perceptive sense. After the respective study paths and the first working collaborations, in 2014 we decided to develop together a brief received from Karman. Initially our desk corresponded to the table at home or in a bar, the seat of the car, the train … in mid-2015 we decided to open the studio in Padua.
How do you work together? Are you complementary or opposite?
We have two different personal and academic paths, Dario comes from the Politecnico di Milano where he studied Industrial Design while Luca from the IUAV in Venice, where he graduated in Architecture. In the design phase, skills and attitudes merge. We both became designers to give vent to the need to express those thoughts that whirl in our heads as soon as we approach reality. To give them a shape, a name and let them make their way by meeting people’s needs, the laws of the market, challenging or following time and fashions.
There isn’t a method, a winning idea or a canonical creative process. After an in-depth knowledge of the client, of his history and of the production chain, we begin to chat, to superimpose thoughts and geometries, historical and artistic memories to future projections. Ideas become exchanges of opinions and words become signs on paper: sketches, notes, graphics that mix in a four-handed concept. At that point the development, the feasibility analysis begins and the character of the project that will become a product begins to be outlined.
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Sibilla for Karman
A typical day in the two Debonademeo studios, in Padua and Milan.
Padua is the city in which we usually live and which allows us to reach most of the producers and subcontractors where we can check all the construction phases within a short distance. Reaching the studio every morning means crossing an ancient city rich in traditions. In Padua, the study station expands until it reaches the lively squares or the table of a bar, where sipping a spritz means dialogue, exchange and good design insights.
Milan is the city of wishes that come true, a wonderful book of the history of architecture and design in the open air, a meeting of cultures and visions. Here the studio becomes a place for official appointments and a privileged position from which to see what happens in the world and from which to follow the launch of our ideas and perceive the first reaction of the public.
You have experience in the design of different types of furniture and accessories, from lamps to upholstery. Can you explain us your idea of contemporary habitat?
The word habitat has in itself multiple meanings that perfectly define the scenario in which we like to imagine contemporary man. In fact, among the forms of art, architecture is the only one that can be “inhabited”, therefore this allows it to hold aesthetic value, but also to act as a container capable of telling the soul of what it contains.
Design must be more and more adherent to uniqueness, interpretable, ductile, sustainable. Only in this way can concretely contribute to the creation of the habitat intended both in its meaning of “clothing that adheres to the psychophysical needs of the individual”, and as a place inhabited, lived, enjoyed. Each project has a unique genesis. It can arise from a request, from an intuition, from an event, from a need.
We have always liked to define our design method as a Hic et nunc. This Latin phrase, which means “here and now”, fully represents our approach that does not follow precise rules, but is a result of a precise moment. It reflects a state of mind, social condition, the actuality of the present also intended as tension towards the future and nostalgia for the past. Our works are like a frame that freezes an ongoing process, tells a story that blends ancient inspirations with avant-garde technologies, making it tangible, usable. Thus ideas take shape and try to respond to the unexpressed needs of the society that surrounds us to establish relationships of emotion, fascination, attraction.
In your opinion, how can industrial designers respond to the current lack of raw materials and price increases?
The designer has always been an eclectic figure, capable of putting together shapes and concepts that, until then, seemed distant from each other. This predisposition could be the key to generate new solutions, new processes capable of upsetting the current supply chains, thus triggering projections of possible futures. Today, the industrial designer should be the one who drives new genuine trends, even if, often, he/she is the one who follows them. Unfortunately this involves adapting to onerous classical methods and processes that do not correspond to current needs.
We think that a designer should start looking at the product from a distance, not only focusing on aesthetics and function, but going further. He/she needs to guarantee a sustainable, economical and optimized supply chain in order to ensure low costs and consequently adequate prices. Looking at many beautiful objects, we realize that this problem is due to the use of very expensive materials and processes and we often wonder how we can get certain results in a cheaper way. This is certainly a bold challenge that designers must and will have to face in order to guarantee both a future for design as a tool to sell a product, and to continue to support design culture.
In conclusion, we think that the industrial designer can respond to the current lack of raw materials and price increases by thinking before drawing, not only about himself/herself and his/her beautiful idea, but above all if his/her idea can somehow improve the state of the art. All of this is possible for the designer if supported by design brands able to look at the future in a different way, ready to bet on something that did not exist until that moment.
What are you working on now?
The events that characterized current affairs have subverted production rules and the relationship between supply and demand in the design sector. The companies we collaborate with have undergone identity changes that have spilled over into the type of objects to be offered to the public. We found ourselves operating in the most disparate sectors, from textiles to ceramics, to sound-absorbing materials, following a rhythm no longer dictated by a canonical calendar, but by the needs of a new form of marketing. On the one hand, it rediscovers traditions and craftsmanship to the point of invading the world of art and on the other it needs products that can be perceived through the screen of an electronic device. Our work is focusing on commonly used products (lighting, upholstery, accessories…) that interpret these trends, protecting the specificities of brands and projecting them towards a future that is as innovative as it is in need of comfort, emotion, pragmatism and sustainability.
If you want to know more about Debonademeo studio and products visit their page and follow them on Instagram!
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Hammock for Adrenalina
Jazz for Slalom
Prospecto for Medulum
Prospecto for Medulum
Palafitte for Medulum
Karst for JCP Universe
Debeam for JCP Universe
Amedea for JCP Universe
Oddo for CA/STIL
Rondò for Medulum
Great Expectation for Wall&Decò contemporary wallpaper
Ruby Tuesday for Wall&Decò contemporary wallpaper
Esperanto for Yoyo
Stilema for Yoyo
Debonademeo Studio
Luca De Bona e Dario De Meo, fondatori dell’omonimo studio DEBONADEMEOe rispettivamente architetto e designer, si incontrano tra Milano e Padova e iniziano una collaborazione che attinge ispirazione dal tema del viaggio producendo segni e disegni in risposta alle esigenze dell’habitat contemporaneo. Collaborano con prestigiose aziende di arredo, illuminazione, decorazione occupandosi di direzione artistica, ideazione di concept e sviluppo di prodotti. Una ricerca su micro e macro scala che rilegge e fonde vari ambiti: architettura, design, grafica e arte, per creare ambienti e oggetti innovativi capaci di raccontare storie ed emozionare.
Quando avete deciso di aprire lo studio Debonademeo? C’è stato un progetto, un momento particolare?
Nonostante siamo entrambi cresciuti in Veneto, ci siamo conosciuti per caso a Milano frequentando amici comuni e partecipando a qualche evento e aperitivo. Abbiamo subito scoperto un’affinità di pensiero, un comune senso di curiosità e un ritmo lavorativo simile. In maniera istintiva abbiamo quindi deciso di unire le forze e le menti per proporre un modo di fare design che non seguisse le regole o i trend, ma derivasse dalla nostra visione del mondo: connettere materiali e sensazioni per definire forme utili nel senso pratico o solo percettivo del termine. Dopo i rispettivi percorsi di studi e le prime collaborazioni lavorative, nel 2014 abbiamo deciso di sviluppare insieme un brief ricevuto dalla Karman. Inizialmente la nostra scrivania corrispondeva al tavolo di casa o di un bar, al sedile dell’auto, del treno… a metà 2015 abbiamo deciso di aprire lo studio di Padova.
Come lavorate insieme? Siete complementari o opposti?
Abbiamo due percorsi personali e accademici diversi, Dario arriva dal Politecnico di Milano dove ha studiato Disegno Industriale mentre Luca dallo IUAV di Venezia, dove si è laureato in Architettura. In fase progettuale le competenze e le attitudini si fondono. Entrambi siamo diventati designer per dare sfogo al bisogno di esternare quei pensieri che ci frullano in testa appena ci approcciamo alla realtà. Per dare loro forma, un nome e lasciare che si facciano strada incontrando i bisogni della gente, le leggi del mercato, sfidando o assecondando il tempo, le mode.
Non esiste un metodo, un’idea vincente o un processo creativo canonico. Dopo un’approfondita conoscenza del committente, della sua storia e della filiera produttiva, iniziamo a chiacchierare, a sovrapporre pensieri e geometrie, memorie storiche e artistiche a proiezioni future. Le idee diventano scambi di opinioni e le parole diventano segni sulla carta: schizzi, appunti, grafiche che si mescolano in un concept a quattro mani. A quel punto inizia lo sviluppo, l’analisi di fattibilità e si inizia a delineare il carattere del progetto che diventerà prodotto.
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Sibilla for Karman
Una giornata tipo nei due studi Debonademeo, a Milano e Padova.
Padova è la città in cui viviamo abitualmente e che ci permette di raggiungere a poca distanza la maggior parte dei produttori, dei terzisti presso i quali verificare tutte le fasi di realizzazione. Raggiungere lo studio ogni mattina significa attraversare una città antica e ricca di tradizioni. A Padova la postazione dello studio si dilata fino a raggiungere le piazze animate o il tavolino di un bar, dove sorseggiare uno spritz significa dialogo, scambio e buone intuizioni progettuali.
Milano è la città dei desideri che si avverano, un meraviglioso libro di storia dell’architettura e del design a cielo aperto, un incontro di culture e visioni, laddove lo studio diventa luogo di appuntamenti ufficiali e posizione privilegiata dalla quale vedere cosa accade nel mondo e dalla quale seguire il lancio delle nostre idee e percepire la prima reazione del pubblico.
Avete esperienza nella progettazione di diverse tipologie di arredo e complemento, dalle lampade agli imbottiti. Ci parlate della vostra idea di habitat contemporaneo?
La parola habitat ha in sé molteplici significati che definiscono perfettamente lo scenario in cui ci piace immaginare l’uomo contemporaneo. Tra le forme d’arte, infatti, l’architettura è l’unica a poter essere “abitata”, questo le consente di detenere valore estetico, ma anche di fungere da contenitore capace di raccontare l’anima di ciò che contiene. ll design deve essere sempre più aderente alle unicità, interpretabile, duttile, sostenibile… solo così può contribuire concretamente alla creazione dell’habitat inteso sia nella sua accezione di abito aderente alle esigenze psicofisiche dell’individuo, sia come luogo abitato, vissuto, fruito. Ogni progetto ha una genesi unica. Può nascere da una richiesta, da un’intuizione, da un evento, da una necessità. Ci piace da sempre definire il nostro metodo progettuale come un Hic et nunc. Questa locuzione latina, che significa “qui e ora”, rappresenta appieno il nostro approccio che non segue regole precise, ma è figlio del momento. Rispecchia uno stato d’animo, la condizione sociale, l’attualità del presente inteso anche come tensione al futuro e nostalgia del passato. I nostri lavori sono come un fotogramma che congela un processo in divenire, racconta una storia che fonde ispirazioni antiche a tecnologie d’avanguardia, la rende tangibile, fruibile. Così le idee prendono forma e provano a rispondere ai bisogni inespressi della società che ci circonda attraverso oggetti verso i quali instaurare rapporti di emozione, fascinazione, attrazione.
Secondo voi l’industrial designer come può rispondere all’attuale crisi di materie prime e rincari dei prezzi?
Il designer è da sempre una figura eclettica, capace di mettere insieme forme e concetti che fino a quel momento sembravano distanti tra di loro. Questa predisposizione potrebbe essere la chiave per generare nuove soluzioni, nuovi processi in grado di stravolgere le filiere attuali innescando cosi proiezioni di futuri possibili. L’industrial designer oggi dovrebbe essere colui che traina nuove tendenze genuine, anche se in realtà molto spesso è colui che le segue, e questo comporta adattamento a metodi e processi classici onerosi e non corrispondenti alle necessità attuali. Pensiamo che un designer oggi dovrebbe iniziare a guardare un po’ più da lontano il prodotto, non focalizzandosi solamente su estetica e funzione, ma andando oltre, garantendo a quell’oggetto una filiera sostenibile, economica e ottimizzata in modo da assicurare costi bassi e di conseguenza prezzi adeguati. Ci rendiamo conto, guardando molti oggetti, sicuramente bellissimi, che questo è dovuto all’utilizzo di materiali e lavorazioni molto costosi e spesso ci chiediamo come si possa arrivare ad ottenere certi risultati con materiali più semplici e lavorazioni basilari. Questa è sicuramente una bellissima sfida che il designer deve e dovrà affrontare per garantire sia un futuro al design inteso come strumento per vendere un prodotto, sia per continuare a sostenere la cultura del progetto intesa come la capacità di interpretare la società attraverso la progettazione di oggetti.
In conclusione pensiamo che l’industrial designer possa rispondere all’attuale crisi di materie prime e rincari dei prezzi pensando, prima di disegnare, non solo a sé stesso e a quanto è bella la sua idea, ma soprattutto se la sua idea può in qualche modo migliorare lo stato dell’arte. Tutto questo l’industrial designer lo può fare se supportato da aziende capaci di guardare il futuro in modo diverso, pronte a scommettere su qualcosa che fino a quel momento non esisteva.
A che cosa state lavorando adesso?
Gli eventi che hanno caratterizzato l’attualità hanno sovvertito le regole produttive e il rapporto tra domanda e offerta nel settore design. Le aziende con cui collaboriamo hanno subito dei cambiamenti di identità che si sono riversati nel tipo di oggetti da proporre al pubblico. Ci siamo ritrovati a operare nei settori più disparati, dal tessile alla ceramica, ai materiali fonoassorbenti, seguendo un ritmo non più dettato da un calendario canonico, ma dalle esigenze di una nuova forma di marketing. Da un lato riscopre tradizioni e artigianato fino a invadere il mondo dell’arte e dall’altro necessita di prodotti percepibili attraverso lo schermo di un device elettronico. Il nostro lavoro si sta concentrando su prodotti di uso comune (illuminazione, imbottiti, complementi…) che interpretino questi trend, tutelando le specificità dei brand e proiettandoli a un futuro tanto innovativo quanto bisognoso di comfort, emozione, pragmatismo e sostenibilità.
GJENGE MAKERS, a new life to plastic Collectively, we use a huge amount of single-use plastic each year, most of which ends up in landfills, oceans, and other natural spaces – to give an example, we buy one million plastic bottles each minute around the world. Nzambi Matee, a 29-year-old entrepreneur from Nairobi, is fighting this global crisis by recycling bags, containers, and other waste products into bricks used for patios and other construction projects. Prior to launching her company, Gjenge Makers, Matee worked as a data analyst and oil-industry engineer.
SMART TATTOOS, the future of wearable technologies One of the recent innovations in wearable technologies is smart tattoos, a cool name for electronic circuits that can be applied to the skin. Their function is mostly to monitor health, sending signals and data to your devices in response to a certain stimulus/condition of the body. In the future, they could also replace microchips and thus expand their functions of use. They are not really wearable devices but are defined as such for their functions, not only aesthetic.
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DuoSkin – Ph. credits MIT Media Lab
NEOZOON, the suction cup lamp Sometimes we can find new opportunities in times of crisis and the Neozoon team knows that. The Munich-based startup took advantage of this domestic-confinement moment to think about how we use products in our living spaces. How could our homes become more changeable, interactive, and playful? Can a product give us mobility and freedom? The result is Neozoon, the eponymous mobile lamp which, thanks to a suction cup, can be attached and removed in a few seconds from almost any surface.
LOMI, the solution to turn your waste into compost If we think about our organic waste bin at home, the smell is not always pleasant and sometimes it’s difficult to clean it. In general, organic waste could be used to create compost, therefore to nourish your plants and flowers, but this solution requires effort: if you have no experience and the fermentation doesn’t take place as it should, the compost starts to smell and this would not please your neighbors. Anyways, design has already found a solution and is called Lomi.
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U211, POCODISEGNO. The umbrella designed to last Pocodisegno is a young design studio founded by Gianluigi Frezzini and Fabrizio Gagliano. They believe that industrial design can be a tool to improve our society: not only from the point of view of needs and necessities but by developing projects that respond to contemporary themes, such as reparability, overproduction, production optimization… A concrete example of this responsible method is U211, an umbrella designed to last.
PLAYWOOD’s design sensitivity Just like Amazon, HP, Google or Apple, Playwood was born in a garage in 2014, from an idea of Stefano Guerrieri, now CEO of the company. With a background in communication and experience in the digital world, Stefano was looking for a quick and easy way to furnish a coworking space. Instead of starting a long and expensive design, he uses his ingenuity and creates a small “facilitator” for the construction of furniture: the Playwood connector is perfect to assemble and disassemble your creation.
O-SERIES collection by Job van den Berg Graduated from the Design Academy Eindhoven in 2015, Job van den Berg (1990) is a Dutch furniture/product designer with a desire to push the boundaries of different materials and techniques. As he writes on his website, he’s fascinated by materials and industrial processes. His work stems from the opportunities the industry has to offer. Its starting point is a material and/or technique, followed by analyses and experiments in collaboration with several manufacturers and specialists. As an industrial designer, the focus is not only on products. Some research are unable to be translated to a bigger scale, therefore they become “statement products”. These are unique pieces, prototypes or small series. An example of these projects is O-Series, a collection made only by wood veneer.
DESSERTO, pelle vegana realizzata con nopal (cactus) Desserto è stato creato alla fine del 2019 con lo scopo di fornire un’alternativa alla pelle animale. Adrián López Velarde e Marte Cázarez, entrambi originari del Messico, hanno quindi sviluppato una pelle vegana realizzata con nopal (un cactus noto anche come fico d’india)…
GJENGE MAKERS, una nuova vita alla plastica Utilizziamo una quantità impressionante di plastica monouso ogni anno – per fare un esempio, nel mondo vengono acquistate un milione di bottiglie di plastica ogni minuto – la maggior parte della quale finisce in discariche, oceani e altri spazi naturali. Nzambi Matee, un’imprenditrice di 29 anni di Nairobi, sta combattendo questa crisi globale riciclando borse, contenitori e altri prodotti di scarto in mattoni usati per cortili e altri progetti di costruzione. Prima di lanciare la sua azienda, Gjenge Makers, Matee ha lavorato come analista dati e ingegnere per l’industria petrolifera.
TATUAGGI SMART, il futuro delle wearable technologies Una delle tecnologie di cui si sente parlare spesso sono i tatuaggi smart, cioè circuiti elettronici che possono essere applicati sulla pelle. La loro funzione è per lo più quella di monitorare la salute, inviando segnali e dati allo smartphone o all’orologio, in risposta ad un determinato stimolo/condizione del corpo. In futuro potrebbero anche sostituire i microchip e quindi ampliare le funzioni di utilizzo. Non sono propriamente dei wearable devices ma vengono definiti così per le loro funzioni, non solo estetiche.
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DuoSkin – Ph. credits MIT Media Lab
NEOZOON, la lampada a ventosa Molto spesso dai periodi di crisi nascono delle opportunità e questo lo sa bene il team della startup Neozoon con sede a Monaco, che ha sfruttato questo momento di reclusione domestica per ragionare sull’utilizzo che facciamo dei prodotti nei nostri spazi abitativi. In che modo le nostre case potrebbero diventare più mutevoli, interattive e giocose? Può un prodotto restituirci mobilità e libertà? Il risultato è Neozoon, l’omonima lampada mobile che, grazie ad una ventosa, può essere attaccata e rimossa in pochi secondi da quasi tutte le superfici.
LOMI, la soluzione per creare il compost a casa Pandemia o no, uno dei risultati positivi di questi due anni è un’attenzione sempre maggiore al verde, al mangiare biologico, in generale alla ricerca di quello stile di vita bucolico che fa tanto campagna, ma che in fondo manca un po’ ad alcuni cittadini. Anche in questo caso il design ci viene in aiuto con un nuovo prodotto che potrebbe rivoluzionare non solo i nostri orti domestici, ma anche la gestione dei rifiuti. Pensiamo all’umido, non è sempre piacevole l’odore e a volte risulta difficile pulire il contenitore. In generale i rifiuti organici potrebbero essere utilizzati per creare compost, quindi nutrimento per le piante, ma questa soluzione richiede impegno: se siete inesperti e la fermentazione non avviene come dovrebbe, il compost inizia a puzzare e questo non farebbe piacere nemmeno ai vostri vicini. La soluzione a tutto questo però c’è già e si chiama Lomi.
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U211, POCODISEGNO. L’ombrello progettato per durare Pocodisegno è un giovane studio di design fondato da Gianluigi Frezzini e Fabrizio Gagliano. L’approccio alla base del loro lavoro è che il design industriale possa essere uno strumento per migliorare la nostra società: non solo dal punto di vista di bisogni e necessità, ma sviluppando progetti che rispondono a temi contemporanei, come la riparabilità, la sovrapproduzione, l’ottimizzazione della produzione… Un esempio concreto di questo metodo responsabile è il progetto U211, un ombrello progettato per durare.
La sensibilità progettuale di PLAYWOOD Esattamente come Amazon, HP, Google o Apple, Playwood nasce in un garage nel 2014, da un’idea di Stefano Guerrieri, ora CEO dell’azienda. Con una formazione in comunicazione e esperienza nel mondo del digitale, Stefano stava cercando un modo semplice e veloce per arredare uno spazio coworking. Invece che avviare una lunga e dispendiosa progettazione, usa l’ingegno e crea un piccolo “facilitatore” per la costruzione di arredi: con il connettore Playwood basta una brugola per montare e smontare la propria creazione.
O-SERIES collection di Job van den Berg Diplomato alla Design Academy di Eindhoven nel 2015, Job van den Berg (1990) è un product designer olandese con il desiderio di innovare materiali e tecniche. Come scrive sul suo sito web, è affascinato dai materiali e dai processi industriali, che sono il suo punto di partenza, seguiti da analisi e sperimentazioni in collaborazione con diversi produttori e specialisti. In qualità di designer industriale, l’attenzione non è solo sui prodotti. Alcune ricerche non possono essere tradotte su una larga scala, quindi diventano “statement products”, cioè pezzi unici, prototipi o piccole serie. Un esempio di questi è O-Series, una collezione composta solo da legno impiallacciato (wood veneer).
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U211. Ph. credits Federico Villa
Organizer by Playwood
O-Lamps. Ph. credits Gijs Spierings
This article was written for Salone del Mobile.Milano and previously published on salonemilano.it digital platform
For the first time ever Italy’s most coveted design award is focusing on the theme of “Sustainable and Responsible Development”, reflecting not just current concerns but a journey that began almost thirty-five years ago.
ADI first mentioned sustainability back in 1987 in its first Design Memorandum. That memorandum was updated in 2013 by ADI and acknowledged by the Sustainability Commission, set up that year, in version 2.0. Architect and journalist Giuliana Zoppis, who coordinates the Commission, notes in the new ADI Design Index 2021 that a major signal has emerged from designers this year, as they come up with solutions and design products that are long-lasting, easily disassembled, may be reconditioned and are repairable. “More than ever today, we are all tasked with playing our part in a cultural evolution towards massive environmental and social awareness, leveraging objects, materials and services, getting them to work together for people’s and the planet’s well-being. This is reiterated in the guidelines for the forthcoming Compasso d’Oro, which for the first time focuses on sustainable and responsible development.”
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ADI Design Index 2021, Roma. Ph. Roberto De Riccardis
Architect, designer and Water Ambassador Roberto Marcatti puts the onus on ethics, the necessary link to sustainability in products: “Industrially-manufactured objects must take two issues into account: one, the material, relating to implementational processes, and two, philosophical-behavioural aspects of ethics and sustainability… In its balancing act between mass production and craftsmanship, our idea today of product needs a game-changing moment: we can no longer be content to manipulate form yet ignore mankind, our needs and the environment.”Reiterating Victor Papanek in his ever-relevant Design for the real world, Marcatti suggests we should start dedicating a small part of our creativity to human needs. “Practicing this idea, a community-led approach, proposing social, ethical and sustainable projects, is, I believe, what will concretely help make the world a better place.”
Architect and environmentalist Ida Castiglioni notes that the ADI is seeking new meaning for design. It is necessary to think critically about “whether an object is worth making, whether the chosen material is going to run out, whether a service is worth starting up... The figure of the designer returns to a central role, offering strategic solutions to problems related not just to form/function, but to issues of use/waste/consumption, to materials, processes, and more viable, sustainable energy consumption.” What we should be debating today is the glut of products on the market, a consequence of excessive consumption and waste. “In recent years, we have seen a collective orientation towards shared use of objects and spaces: coworking, cohousing, car- and bike-sharing. The social base is expressing new needs, asking designers to interpret and develop them through designs that look to the future.”
Silvia Piardi, who moved to the Youth Targa Commission a year ago, is all in favour of the Sustainability Commission’s guidelines. As an honorary professor at PoliMI, her role is as an “eco transition bridge” for young students and new designers. In her lucid and critical analysis, she draws attention to one of the major problems facing sustainability: simplification. “The effects of Next Generation EU, new Chinese policies, and the changed perspective brought about by the end of Trumpism in the United States are profoundly changing the sensitivity of the non-designer audience too. An avalanche of good intentions and ‘green’ declarations is invading all sectors. Especially the world of design, which ‘moves the world’s matter.’ We are indeed living in a fascinating moment, and yet in this great cacophony, it is hard to discern the difference between good/effective practice, and empty words/useless – if not to say counterproductive – solutions. The real danger today, when apparently everyone is a sustainable design convert, is simplification. In the name of ‘green’ philosophy, we hear of solutions that, in environmental terms, are sometimes worse than before. If sustainability is to become a widespread practice, a compulsory part of every design, this sudden, multifaceted proliferation increasingly requires an ethical, critical and scientific assessment of forthcoming designs, a kind of cross-cutting expert evaluation that goes more than skin-deep.”
Cover ADI Design Index 2021, Roma. Ph. Roberto De Riccardis
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ADI Design Index 2021, Roma. Ph. Roberto De Riccardis
Questo articolo è stato scritto per Salone del Mobile.Milano e precedentemente pubblicato sulla piattaforma salonemilano.it
Per la prima volta il premio più ambito del design sarà incentrato sul tema dello “Sviluppo sostenibile e responsabile”. La scelta non è solo frutto dello scenario attuale, ma è il risultato di un percorso iniziato quasi 35 anni fa.
L’esperienza di ADI nel mondo della sostenibilità inizia, infatti, nel 1987 con il primo Design Memorandum, aggiornato poi nella versione 2.0 nel 2013 dal direttivo ADI e recepito dalla Commissione Sostenibilità, nata lo stesso anno. Giuliana Zoppis, architetto e giornalista che coordina la Commissione, racconta nel nuovo ADI Design Index 2021 come, quest’anno, un segnale importante emerga dai progettisti nell’esprimere soluzioni e disegnare prodotti di lunga durata, facilmente disassemblabili, ricondizionabili e riparabili. “Il compito di noi tutti è, oggi più che mai, di partecipare al salto culturale verso una coscienza ambientale e sociale su larga scala, valorizzando quegli oggetti, materiali e servizi in grado di collaborare al benessere delle persone e del Pianeta. Come sancito dalle linee-guida del prossimo Compasso d’Oro, per la prima volta incentrato sul tema dello Sviluppo sostenibile e responsabile”.
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ADI Design Index 2021, Roma. Ph. Roberto De Riccardis
Roberto Marcatti, architetto, designer, Water Ambassador, pone l’attenzione sull’etica, che deve necessariamente legarsi alla sostenibilità nel prodotto: “Un oggetto di produzione industriale non può prescindere da due aspetti: il primo di ordine materiale che attiene ai processi attuativi, il secondo filosofico-comportamentale che coinvolge l’etica e la sostenibilità… Oggi l’idea di prodotto, in bilico tra produzione seriale e artigianale, necessita di un vero cambiamento: non ci si può più accontentare di manipolare la forma e dimenticare l’uomo, le sue necessità, l’ambiente”. Come suggerisce Marcatti, ribadendo ciò che diceva Victor Papanek nel sempre attuale Design for the real world, bisognerebbe iniziare a dedicare una piccola parte della nostra creatività ai bisogni dell’uomo. “Praticare questa idea e modalità di vita nei confronti della collettività, proponendo progetti sociali, etici e sostenibili, ritengo che possa contribuire concretamente a migliorare il mondo”.
ADI si pone alla ricerca di un nuovo significato del progetto, come ricorda Ida Castiglioni, architetto e ambientalista. È necessario pensare in maniera critica “se un oggetto merita di essere prodotto, se il materiale scelto sta per esaurirsi, se un servizio vale la pena di essere attivato. La figura del designer ritorna centrale: può offrire soluzioni strategiche a problemi relativi non solo a forma-funzione, ma anche in relazione a questioni di utilizzo-spreco-consumo e all’impiego di materiali, lavorazioni, quantità di energia più praticabili e sostenibili”. Oggi il vero tema di discussione dovrebbe essere l’eccesso dei prodotti proposti dal mercato e le conseguenze dell’eccesso dei consumi e dei rifiuti. “In questi anni, la spinta collettiva sta indirizzando alla fruizione condivisa di oggetti e spazi: coworking, cohousing, bike e car-sharing. La base sociale sta esprimendo esigenze nuove e chiede al progettista di interpretarle e svilupparle con progetti rivolti al futuro”.
Alle parole della Commissione Sostenibilità si aggiungono anche quella di Silvia Piardi, passata da un anno alla Commissione Targa Giovani. Docente onoraria del PoliMI, il suo è un ruolo di “ponte della transizione eco” verso i giovani studenti e nuovi designer. La sua analisi lucida e critica pone l’attenzione su uno dei maggiori problemi per la sostenibilità, la semplificazione: “La spinta determinata dal Next Generation Ue, le nuove politiche cinesi, il cambiamento di prospettiva determinata dalla fine del trumpismo negli Stati Uniti stanno profondamente modificando anche la sensibilità del pubblico dei non addetti ai lavori. Una valanga di buone intenzioni e di dichiarazioni “green” invadono tutti i settori e in particolare il mondo della progettazione, che “sposta la materia del mondo”. Stiamo vivendo quindi un momento particolarmente interessante, in cui risulta difficile discernere, in questa grande cacofonia, tra le buone pratiche, efficaci, e le parole vuote o le soluzioni inutili, se non controproducenti. Perché il vero pericolo ora, che tutti sembrano convertiti al design sostenibile, è proprio quello della semplificazione. In nome di una filosofia “green” si propongono soluzioni che a volte sono peggiori, in termini ambientali, di quelle usuali. Se da un lato la sostenibilità deve diventare una pratica diffusa, imprescindibile in ogni progetto, dall’altra questa improvvisa e multiforme proliferazione necessita sempre di più di una verifica etica, critica e scientifica sui progetti che vengono proposti, uno sguardo trasversale esperto, che sappia leggere sotto la superficie.
Cover ADI Design Index 2021, Roma. Ph. Roberto De Riccardis
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ADI Design Index 2021, Roma. Ph. Roberto De Riccardis
Graduated from the Design Academy Eindhoven in 2015, Job van den Berg (1990) is a Dutch furniture/product designer with a desire to push the boundaries of different materials and techniques. As he writes on his website, he’s fascinated by materials and industrial processes. His work stems from the opportunities the industry has to offer. Its starting point is a material and/or technique, followed by analyses and experiments in collaboration with several manufacturers and specialists. As an industrial designer, the focus is not only on products. Some research are unable to be translated to a bigger scale, therefore they become “statement products”. These are unique pieces, prototypes or small series. An example of these projects is O-Series, a collection made only by wood veneer.
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O-Series is an ongoing research into the possibilities of laminated hollow wooden profiles. With his approach, Job van den Berg stretches material properties to new territories: for his O-Series, he uses wood veneer, without any screws, bolds or internal structure. By rolling up the veneer into layered hollow tubes and other profiles, he creates an intriguing play of structure, joints and volume. This reveals an unexpected, constructive strength of the oak veneer. Most importantly, a lot of wood is saved because the inner core is hollow. When looking closer, you can see right through the load-bearing tubes, which plays with your perception of mass and volume. The cabinet and floor lamps appears heavy, but Van den Berg’s clever use of material makes it actually light as a feather.
Do you want to see your project featured on WeVux? Feel free to send us an email at [email protected] to know more, or visit our About page
Diplomato alla Design Academy di Eindhoven nel 2015, Job van den Berg (1990) è un product designer olandese con il desiderio di innovare materiali e tecniche. Come scrive sul suo sito web, è affascinato dai materiali e dai processi industriali, che sono il suo punto di partenza, seguiti da analisi e sperimentazioni in collaborazione con diversi produttori e specialisti. In qualità di designer industriale, l’attenzione non è solo sui prodotti. Alcune ricerche non possono essere tradotte su una larga scala, quindi diventano “statement products”, cioè pezzi unici, prototipi o piccole serie. Un esempio di questi è O-Series, una collezione composta solo da legno impiallacciato (wood veneer).
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O-Series è una ricerca attualmente in corso sulle possibilità dei profili in legno forato lamellare. Con il suo approccio, Job van den Berg estende le proprietà dei materiali a nuovi territori: per la sua O Series, infatti, utilizza impiallacciatura di legno, senza viti, chiodi o struttura interna. Arrotolando il materiale in tubi cavi stratificati e altri profili, crea un intrigante gioco di strutture, giunti e volumi. Ciò rivela una forza inaspettata e costruttiva dell’impiallacciatura di rovere e, ancora più importante, permette il risparmio di molto legno, in quanto il nucleo interno dei profili è cavo. Alla vista, gli arredi sembrano molto pesanti, ma l’uso intelligente del materiale da parte di Van den Berg rende l’intera collezione leggera come una piuma.
Creato in collaborazione con il marchio olandese Baars & Bloemhoff, il progetto è stato presentato durante la Dutch Design Week 2021, esposto presso la mostra Cabinet of Collaborations. Per scoprire di più sulla collezione O-Series, visitate il sito di Job van den Berg e seguitelo su Instagram!
Vuoi vedere il tuo progetto pubblicato su WeVux? Mandaci una mail a [email protected] per saperne di più, oppure visita la nostra pagina Chi siamo
Following this period of closures, In Italy the world of design is finally able to organize more and more events; one of these is Design Antidoto, City Eden, at the Serre dei Giardini Margherita, (Bologna, 9 – 12 September). In this special location you will have the opportunity to see 7 unpublished designers (we already unveiled one, Officine 27) and 3 innovative startups. As media partner of the event, WeVux will unveil another projects on display, TheMosshelter. An interesting story that combines a love for greenery with a new point of view.
TheMosshelter was created in 2016 by Marco Cesari (1993), a green designer coming from the Agricultural Institute F.lli Navarra, in Ferrara. During his experience in Australia, a trip around the country in a van, he had the opportunity to know and study the local flora, which he immediately loved. Following a period of work in the field of garden architecture in private homes, he returned to his hometown to fulfill his dream: to bring greenery to the foggy Ferrara. Making use of what he had previously learned, Marco managed to combine his skills in the world of plants with that of aquariums, starting to create mossariums and terrariums. For the less experienced, it’s an ecosystem in a semi-closed glass container, made with moss or plants. In addition to these, also other typologies such as kokedama and wabi-kusa: the first are the so-called flying bonsai, which don’t have pots, the others refer to compositions with a small portion of the vegetable substrate (usually soil), with different aquatic plants growing on it. A passion that led Marco to specialize in domestic terrarium ecosystems, perfect for small apartments and in general for those who love interesting, eccentric and customizable green solutions.
Another project by TheMosshelter that should be mentioned is the Moss t-shirt, an installation that aims to create a new environment for mosses and a criticism of soil pollution: “Mosses are natural bio-regulators therefore they are always looking for new spaces to spread and survive. The challenge of this installation is to maintain them in the long term and make the mosses propagate completely in a sterile manner, through an automatic operation with external batteries. Every 10 minutes a mechanical arm will immerse up to 70% of the t-shirt so that, by capillarity, it’s always wet. For the 4 days of the exhibition this movement will be constant”. The estimated time for the complete propagation of the mosses is about 5 months. An interesting experiment that shows us TheMosshelter’s point of view.
To see the installation and learn about the project, visit Design Antidoto and follow TheMosshelter on his Instagram or Facebook page!
DESIGN ANTIDOTO, City Eden. 9 – 12 September @ Serre dei Giardini Margherita, Bologna Curated by Illuminazioni Exhibit Partner: Baustudio, Azeta Print Services. Supported by: Advanced Design Unit
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In seguito al periodo turbolento, il calendario del mondo del design in Italia si sta arrichendo di svariati eventi; uno di questi è Design Antidoto, City Eden, alle Serre dei Giardini Margherita, (a Bologna, dal 9 al 12 settembre). Qui ci sarà l’occasione di vedere 7 designer inediti (uno lo abbiamo già svelato lunedì scorso, Officine 27) e 3 startup innovative. In quanto media partner dell’evento vi raccontiamo un altro dei progetti esposti, TheMosshelter. Una storia interessante che coniuga l’amore per il verde a un punto di vista progettuale nuovo.
TheMosshelter è stato ideato nel 2016 da Marco Cesari (1993), diplomato presso l’Istituto Agrario F.lli Navarra, a Ferrara. Durante la sua esperienza in Australia, attraverso un viaggio per tutto il paese in van, ha avuto la possibilità di conoscere e studiare la flora locale, rimanendone molto affascinato. In seguito poi ad un periodo di lavoro nel campo dell’architettura dei giardini presso abitazioni private, è tornato nella sua città natale per realizzare il suo sogno: portare il verde nella nebbiosa Ferrara. Mettendo a frutto quanto appreso precedentemente, Marco è riuscito a coniugare le sue competenze nel mondo delle piante con quello degli acquari, iniziando a realizzare mossarium e terrarium. Per i meno esperti, si tratta di un ecosistema in un contenitore di vetro semi chiuso, fatto rispettivamente con il muschio e con le piante. Oltre a questi anche altre tipologie come i kokedama e wabi-kusa: primi sono i cosiddetti bonsai volanti, che non hanno vaso, gli altri invece fanno riferimento a composizioni con una piccola porzione del substrato vegetale (di solito terreno), con diverse piante acquatiche che crescono su di esso. Una passione che ha portato Marco a specializzarsi in ecosistemi da terrario domestici, perfetti per piccoli appartamenti e in generale per chi ama soluzioni verdi interessanti, eccentriche e personalizzabili.
Un altro progetto di TheMosshelter che va citato è la Moss t-shirt, un’installazione che ha l’obiettivo di creare un nuovo ambiente per i muschi e nasce come critica all’inquinamento del suolo: “I muschi sono dei bio regolatori naturali perciò cercano sempre nuovi spazi dove propagarsi e sopravvivere. La sfida di questa installazione è mantenere a lungo termine e far propagare completamente la t-shirt in maniera sterile, attraverso un funzionamento automatico a batterie esterne. Ogni 10 minuti un braccio meccanico andrà a immergere fino al 70% della t-shirt in modo tale che, per capillarità, questa sia sempre umida. Per i 4 giorni della mostra questo moto sarà costante”. Il tempo stimato per la completa propagazione del muschio è di circa 5 mesi. Una sperimentazione interessante che ci mostra il punto di vista di TheMosshelter.
Per vedere l’installazione e conoscere il progetto visitate Design Antidoto e seguite TheMosshelter sul suo Instagram o la sua pagina Facebook!
DESIGN ANTIDOTO, City Eden. 9 – 12 Settembre @ Serre dei Giardini Margherita, Bologna A cura di Illuminazioni Exhibit Partner: Baustudio, Azeta Print Services. Con il supporto di: Advanced Design Unit
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Once again, with Officine 27, we understand how design is not just a mere commercial tool, but has a much deeper value. It is not about producing, but how we produce: for this brand, the act of design becomes an engine of rebirth for an entire community. In practice, Officine 27 produces objects and furnishing accessories in metal material that have nothing to envy to the great design brands. Its characteristic is that its creative laboratory is located inside the Villa Andreino prison, and also functions as a creative space to train inmates.
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Officine 27’s collections are made by prisoners who work within the Laboratory, which has been managed by the Metallica Srl company since 2014. This reality is not only a place for production, but it is, above all, a space for co-working, where inmates are trained in order to give them new opportunities. The aim of the project is to build new products through artisanal techniques and semi-industrial processes, always working with attention to environmental and social sustainability, quality and attention to detail. The team of professionals involved is very diverse and they work together to share their skills, in order to carry out new projects, guarantee the quality of products, create new relationships and opportunities, through the re-education of prisoners. Some of the works of Officine 27 will be exhibited at Design Antidoto, City Eden. From 9 to 12 September at the Greenhouses of the Margherita Gardens, Bologna.
Officine 27 is not just a “design convict” brand but an opportunity: a way to conceive design beyond the limits of the product, allowing us to appreciate the complexity behind a production system that rarely has this particular attention. Therefore, design becomes a relational and re-enabling tool, with the aim of generating socially responsible projects.
DESIGN ANTIDOTO, City Eden. 9 – 12 September @ Serre dei Giardini Margherita, Bologna Curated by Illuminazioni Exhibit Partner: Baustudio, Azeta Print Services. Supported by: Advanced Design Unit
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Con l’esempio di Officine 27, impariamo ancora una volta a capire come il design non sia solo un mero strumento commerciale, ma abbia un valore molto più profondo. Non si tratta di produrre, ma di come lo si fa: per questo brand, l’atto della progettazione diventa un motore di rinascita per un’intera comunità. Nel concreto, Officine 27 produce oggetti e complementi di arredo in materiale metallico che non hanno nulla da invidiare ai grandi brand del design. La sua caratteristica è che il laboratorio creativo è situato all’interno del Carcere Villa Andreino, svolgendo anche la funzione di spazio creativo per formare i detenuti.
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Tutti i prodotti Officine 27 sono realizzati dai carcerati che operano all’interno del Laboratorio che dal 2014 è gestito dall’azienda Metallica Srl. Questa realtà non è solamente un luogo in cui si progettano e producono complementi di arredo, ma è soprattutto uno spazio per il co-working, dove vengono formati i detenuti al fine di creare nuove opportunità. L’obbiettivo del progetto è quello di costruire nuovi prodotti attraverso tecniche artigianali e procedimenti semi-industriali, lavorando sempre con attenzione alla sostenibilità ambientale e sociale, alla qualità e alla cura dei dettagli. Il team di professionisti coinvolti è molto vario e insieme collaborano per condividere le proprie competenze, al fine di realizzare nuovi progetti, garantire la qualità dei prodotti, creare nuove relazioni ed opportunità, attraverso la formazione e la rieducazione dei detenuti. Alcuni dei lavori di Officine 27 saranno esposti a Design Antidoto, City Eden. Dal 9 al 12 settembre presso le Serre dei Giardini Margherita, Bologna.
Officine 27 non è solo un brand di “design galeotto” ma una speranza, un modo per concepire il design oltre i limiti del prodotto, facendoci apprezzare la complessità dietro un sistema di produzione che poche volte ha queste particolari attenzioni. Il design diventa quindi uno strumento relazionale e ri-abilitante, con lo scopo di generare progetti socialmente responsabili.
DESIGN ANTIDOTO, City Eden. 9 – 12 Settembre @ Serre dei Giardini Margherita, Bologna A cura di Illuminazioni Exhibit Partner: Baustudio, Azeta Print Services. Con il supporto di: Advanced Design Unit
In 2020, in Milan, Design Antidoto focused on design outputs born as an “antidoto” (antidote, solution) to the needs (social, spatial, psychological, practical) that we all experienced during the moments of emergency and quarantine. On the other hand, this year’s selection, with seven unpublished projects and three innovative startups, aims to show how Design can be a useful tool to face the challenges of this new normalcy. The goal is to invite visitors to experience this discipline not as a distant and commercial world, but as a vehicle of social, environmental and cultural values and innovation. Once again, an antidote for everyone. Below, a preview of the exhibitors that will be present in Bologna:
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Hestia project was born in 2020 and is Gianmarco Guarascio(1992)’s degree thesis. He’s a freelance from Rome, whose work ranges from interior to product design. Through reflections, research and experiments that bring to light the potential of fire within the shared living space, Gianmarco developed two devices capable of channeling the senses and human perceptions towards an innovative and radical experience with this element. Hestia was born both as a criticism of contemporary technological devices, which for example have completely replaced the use of the fireplace, and as an element to increase domestic conviviality, helping to rediscover a different way of sharing the spaces at home. In concrete, the coffee table with a bioethanol burner, the beating heart of the project, is accompanied with a bluetooth speaker that intensifies the sharing experience through the diffusion of music or audio books. Moreover, fire returns to the project as a technology to embellish copper surfaces through the use of open flames in the production phase, the results are unique textures and colors.
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Hestia, Gianmarco Guarascio
Hestia, Gianmarco Guarascio
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Previously on WeVux, Andrea Sebastianelli (Vasto, 1992) lives in Rotterdam where he works as a freelance product designer. With his practice, he aims at a deep understanding of materials and at the engagement of the craftsmen work, through a systemic approach. To understand better, Piume Vellutate is an example of his method: in 2019 Andrea Sebastianelli, together with other artists, was commisioned to create new products based upon the textile museum materials provided by Prato Museum (Municipality of Santo Tristo (Portugal)), the Nordiska Textilakademin Museum (Sweden), the Strzemiński Academy of Łódź (Poland) and the city of Gironella (Spain). The Piume Vellutate project, which traces the history and styles that have characterized the production of velvet, from its origin to the present day, was born within this contest. Velvet (vellutate means made of velvet), used to line a series of quilts, has allowed to stylistically reflect the museum belongings. Therefore, the project is a visual research based on the layering of the decoration, applied to this material over the course of history. This concept get real into an artifact through which people can experience the historical archive in their daily lives.
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Piume Vellutate, Andrea Sebastianelli. Ph credit Stefania Zanetti
Piume Vellutate, Andrea Sebastianelli. Ph credit Stefania Zanetti
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Eywa is a tile system designed by Ismaele Bonomi to create luminous paths in forests and parks. The product was born from the desire to make people aware of what plants really are, says the designer. To do this, Eywa’s tiles show in real time, through light pulses of different intensity and color, the communication and interactions that take place between the roots that run under the feet of those who are walking the path. “This – says Bonomi – is possible thanks to a biosensor connected to the” Wood Wide Web “of the Eywa forest. The project allows users to walk, literally, on the words of the trees.” The tiles are also equipped with a touch sensor, which allows walkers to switch on and reveal the luminous decoration when you step on them. To learn more and see a prototype, visit Design Antidoto.
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Eywa, Ismaele Bonomi
Eywa, Ismaele Bonomi
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Previously on WeVux, MAIS Project is a creative duo founded by Matteo Mariani and Isato Prugger. They debuted in the design world with the FLAI project for Diomede, at Euroluce 2019. At Design Antidoto they will present BicéBio to the Bolognese public: an eco-sustainable glass, made with compostable bioplastic material Seedling Mark. It allows the production of a more resistant plastic cup, therefore more suitable for intensive use, as required for example in collective catering. In fact, the project proposes an alternative to disposable glasses for large tables, with the awareness that “We can change the future without changing our habits”. BicéBio also arises from the attention to the more human aspects of design: the decorative texture is a tribute to Ettore Sottsass’s ‘Bacteria’, and is designed to allow for a more comfortable grip; the material offers a soft touch sensation, more comfortable and “human” than the traditional cold plastic. At the end of its life cycle, BicéBio is disposed of in compost and decomposes without leaving polluting traces in the environment. An example of how Design can become a tool for developing – through everyday objects – a sensitivity towards the environment.
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MAIS Project, BicéBio @ Design Antidoto
MAIS Project, BicéBio
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TheMosshelter is a project conceived in 2016 by Marco Cesari, born in 1993 and graduated from the Agricultural Institute F.lli Navarra. During his experience in Australia, touring the country in a van, he had the opportunity to study the local flora, remaining fascinated by it. After working on garden architecture in private homes, he returned to his hometown to fulfill his dream: to bring greenery to the foggy Ferrara. Making use of what he learned, Marco combined his skills in the world of plants with that of aquariums, starting to create mossariums and terrariums, such as kokedama and wabikusa. The first are the so-called flying bonsai, which have no pot, wabikusa refers to compositions created with a small portion of the vegetable soil, and several aquatic plants growing on it. His passion also led him to work with green architecture and garden design.
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Floating Wabi – TheMosshelter
Moss T-shirt – TheMosshelter
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Officine 27 is a brand of metal objects and furniture that was born in La Spezia in 2020. Its characteristic? The lab is located inside the Villa Andreino Prison and it works also as a creative space to train inmates, designing and building products through artisanal techniques and semi-industrial processes, with attention to environmental and social sustainability, quality and attention to detail. All Officine 27 products are made by inmates who work within the Laboratory which has been managed by the Metallica Srl company since 2014. This reality is not only a place where furniture accessories are designed and produced, but above all is a coworking , where inmates are trained in order to create new opportunities. Design becomes a relational and re-enabling tool, with the aim of generating socially responsible projects, drawing on craftsmanship to focus on attention to detail and product quality.
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Officine 27
Officine 27
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PlayWood produces ecological, recyclable furniture components and accessories from renewable sources, designed according to the principles of eco-design. It was created to offer a more sustainable approach to disposable furniture and to meet the flexibility of modern life. “We believe that furniture should be made to last, not for the landfill.” Each piece of furniture created is modular and transportable. In addition, it can be easily customized to obtain multiple configurations. PlayWood works with a short supply chain that allows everyone to buy high quality furniture at a competitive price thanks to direct contact between manufacturer and customer, which reduces the commercial costs related to the sale, and to the optimization of processes and the reduction of waste typical of industrial mass production. An interesting solution to discover.
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PlayWood modular system
PlayWood modular system
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Podere 101 was born with the aim of achieving food self-production but is now also expanding to new areas of ecology such as reforestation. In the last 4 years Tommaso (aka Podere 101), born in 2002, started an innovative breeding of laying hens on pastures and mobile chicken coops, has formed several groups of bee families, and has begun to produce fruit and vegetables. Opened in 2020, the Instagram page documents Tommaso’s project who, as he says, found the energy to start thanks to Fridays For Future and the many young people involved in the events. In the last year, the project has seen a significant increase in terms of growth and the necessary commitment, an example are also the many new projects and collaborations that the founder of Podere 101 is carrying out. To find out more, we recommend you to visit Design Antidoto.
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Tommaso, Podere 101
Podere 101
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Revibe is a marketplace dedicated to fashion upcycling, which brings together independent fashion designers who fight against fashion waste. The project was born in 2020 during the pandemic, by four Venetian friends who had been transplanted to Paris for several years. Today, Revibe can counts about 50 designers from 7 European countries and over 600 products, all regenerated from second-hand materials or production waste. An online showcase for artisans and artists who create unique pieces by combining different materials and processing techniques: creativity at the service of the environment and society. By giving a contact with a new circular tailor’s shop, Revibe allows its customers to pre-order the garment and to co-create it with the designers through customization requests. Another interesting project to discover.
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Revibe – Ph credit Revibe
Revibe – Ph credit Revibe
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Last but not least, 3D WASP – World’s Advanced Saving Project is a leading company in the 3D printing sector founded by Massimo Moretti in 2012. Inspired by the potter wasp, the WASP project intends to build constructions with local natural materials and at zero cost. The company has always been known for Delta WASP 3D printers adaptable to all needs, from small to large, with a product line entirely dedicated to Industry 4.0. The main company objective is to provide effective benefits to humans through technological innovation and research. To do so, the proceeds from the sale of 3d printers are invested in the research and development of integrated projects in the perspective of a production revolution that can bring widespread well-being. Research that proceeds in parallel in the field of eco-sustainable and functional materials and innovative systems. So far, the projects carried out by the group are completely self-financed. To know this interesting reality, visit Design Antidoto.
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3D WASP, Tecla 3D printed house
3D WASP, Gaia 3D printed house
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Next week, WeVux will present some of the exhibitors mentioned above. Info:
DESIGN ANTIDOTO, City Eden. 9 – 12 September @ Serre dei Giardini Margherita, Bologna Curated by Illuminazioni Exhibit Partner: Baustudio, Azeta Print Services. Supported by: Advanced Design Unit
Nel 2020, per l’edizione milanese, Design Antidoto si è focalizzato sugli output progettuali nati come “antidoto” ai bisogni (sociali, spaziali, psicologici, pratici) che tutti abbiamo vissuto durante il periodo di emergenza e quarantena. La selezione di quest’anno invece, con la presenza di sette progetti inediti e tre startup innovative, punta a mostrare come questa disciplina possa essere oggi uno strumento utile ad affrontare le sfide di questa nuova quotidianità che stiamo vivendo. L’obbiettivo è invitare i visitatori a vedere il Design non più come una disciplina lontana e commerciale, ma come un veicolo di valori ed innovazione, sociale, ambientale e culturale. Ancora una volta, un antidoto per tutti. Qui di seguito un’anteprima di chi potrete vedere a Bologna.
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Il progetto Hestia nasce nel 2020 come tesi di laurea di Gianmarco Guarascio (1992), libero professionista sul territorio romano, il cui lavoro spazia dall’interior al product design. Attraverso riflessioni, ricerche e sperimentazioni che riportano alla luce il potenziale del fuoco all’interno dello spazio abitativo condiviso, Gianmarco sviluppa due dispositivi ideati per godere di questo elemento, capaci di canalizzare i sensi e le percezioni umane verso una esperienza innovativa e radicale al tempo stesso. Hestia nasce sia come critica ai dispositivi tecnologici contemporanei, che in alcuni casi hanno sostituito completamente l’utilizzo del focolare, sia come elemento per aumentare la convivialità domestica, aiutando a riscoprire un modo diverso di condividere lo spazio di casa. Nel concreto, il coffee table con bruciatore a bioetanolo, cuore pulsante del progetto, è accompagnato da uno speaker bluetooth che intensifica l’esperienza di condivisione attraverso la diffusione di musica o audiolibri. Il fuoco ritorna nel progetto anche come tecnologia per impreziosire le superfici in rame: attraverso l’utilizzo di fiamme libere nella fase di produzione, sul metallo vengono impresse texture e colorazioni libere uniche.
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Hestia, Gianmarco Guarascio
Hestia, Gianmarco Guarascio
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Precedentemente su Wevux, Andrea Sebastianelli (1992) vive a Rotterdam dove lavora come freelance product designer. La sua pratica mira ad una consapevole trasformazione della materia e al coinvolgimento del lavoro artigianale attraverso un approccio sistemico. Per capire di cosa si tratta basta andare a vedere Piume Vellutate, un progetto realizzato nel 2019 con il Museo di Prato, in collaborazione con il Comune di Santo Tristo (Portogallo), il museo di Nordiska Textilakademin (Svezia), l’Accademia Strzemiński di Łódź (Polonia) e la città di Gironella (Spagna). Insieme ad altri artisti, il designer è stato chiamato a realizzare nuovi prodotti prendendo come fonte di inspirazione il materiale museale tessile. È nato quindi il progetto “Piume Vellutate” che ripercorre la storia e gli stili che hanno caratterizzato la produzione del velluto, dalla sua origine ai giorni nostri. Questo materiale, utilizzato per foderare una serie di trapunte, ha permesso di riflettere stilisticamente i reperti fisici appartenenti ai musei promotori del progetto. “Piume Vellutate” è quindi una ricerca visiva basata sulla stratificazione del decoro applicato al velluto nel corso della storia e si concretizza in un artefatto attraverso cui le persone possono vivere l’esperienza dell’archivio storico nella loro quotidianità.
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Piume Vellutate, Andrea Sebastianelli. Ph credit Stefania Zanetti
Piume Vellutate, Andrea Sebastianelli. Ph credit Stefania Zanetti
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Eywa è un sistema di piastrelle progettato da Ismaele Bonomi per creare sentieri luminosi nelle foreste e nei parchi. Il prodotto nasce dal desiderio di rendere consapevoli le persone di cosa realmente sono le piante e dell’importanza vitale che hanno per il pianeta, dice il designer. Per fare ciò le piastrelle di Eywa mostrano in tempo reale, attraverso impulsi luminosi di diversa intensità e colore, la comunicazione e le interazioni che avvengono tra le radici che corrono sotto i piedi di chi sta percorrendo il sentiero. “Questo – afferma Bonomi – è possibile grazie ad un biosensore collegato al “Wood Wide Web” della foresta di collocazione di Eywa. Ciò permette agli utenti di camminare, letteralmente, sulle parole degli alberi.” Infine, le piastrelle sono dotate anche di un sensore di tocco, il quale consente di accendere e svelare il decoro luminoso nel momento in cui vi si cammina sopra. Per saperne di più e vedere un prototipo, visitate Design Antidoto!
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Eywa, Ismaele Bonomi
Eywa, Ismaele Bonomi
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Precedentemente su WeVux, MAIS Project è un duo creativo fondato da Matteo Mariani e Isato Prugger e ha debuttato con il progetto FLAI per Diomede, esposta durante Euroluce 2019. A Design Antidoto presenterà al pubblico bolognese BicéBio, un bicchiere ecosostenibile, realizzato col materiale bioplastico compostabile Seedling Mark, che lo rende anche molto più resistente dei bicchieri di plastica comuni e più adatto ad un utilizzo intenso, come richiesto ad esempio nella ristorazione collettiva. Il progetto propone infatti un’alternativa ai bicchieri monouso per le grandi tavolate, con la consapevolezza che “Possiamo cambiare il futuro senza cambiare le nostre abitudini”. BicéBio nasce anche dall’attenzione agli aspetti più umani della progettazione: la texture decorativa è un omaggio alla ‘Bacteria’ di Ettore Sottsass, ed è pensata per permettere un grip più comodo; la bioplastica utilizzata offre una sensazione soft touch, più confortevole e “umana” della fredda plastica tradizionale. Alla fine del suo ciclo di vita BicéBio viene smaltito nel compost e si decompone senza lasciare tracce inquinanti nell’ambiente. Un esempio di come il Design può diventare uno strumento per sviluppare – attraverso gli oggetti quotidiani – una sensibilità nei confronti dell’ambiente.
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MAIS Project, BicéBio @ Design Antidoto
MAIS Project, BicéBio
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TheMosshelter è un progetto ideato nel 2016 da Marco Cesari, classe 1993 diplomato presso l’Istituto Agrario F.lli Navarra. Durante la sua esperienza in Australia, girando il paese in van, ha avuto la possibilità di conoscere e studiare la flora locale, rimanendone affascinato. Dopo essersi occupato di architettura dei giardini presso abitazioni private, è tornato nella sua città natale per realizzare il suo sogno: portare il verde nella nebbiosa Ferrara. Mettendo a frutto quanto appreso, Marco ha coniugato le sue competenze nel mondo delle piante con quello degli acquari, iniziando a realizzare mossarium e terrarium, come kokedama e wabikusa. I primi sono i cosiddetti bonsai volanti, che non hanno vaso, i wabikusa invece fanno riferimento a composizioni con una piccola porzione del substrato vegetale (di solito terreno), con diverse piante acquatiche che crescono su di esso. Questa sua passione l’ha portato anche a occuparsi di architettura del verde e garden design.
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TheMosshelter
TheMosshelter
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Officine 27 è un brand di oggetti e complementi di arredo in materiale metallico che nasce a La Spezia nel 2020. La sua caratteristica? Il laboratorio è situato all’interno del Carcere Villa Andreino e ha anche la funzione di spazio creativo per formare i detenuti, progettando e costruendo i prodotti attraverso tecniche artigianali e procedimenti semi-industriali, con attenzione alla sostenibilità ambientale e sociale, alla qualità e alla cura dei dettagli. Tutti i prodotti Officine 27 sono realizzati dai detenuti che operano all’interno del Laboratorio che dal 2014 è gestito dall’azienda Metallica Srl. Questa realtà non è solamente un luogo in cui si progettano e producono complementi di arredo, ma è soprattutto un coworking, dove vengono formati i detenuti al fine di creare nuove opportunità. Il design diventa uno strumento relazionale e ri-abilitante, con lo scopo di generare progetti socialmente responsabili, attingendo dal sapere artigianale per porre attenzione sulla cura del dettaglio e sulla qualità dei prodotti.
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Officine 27
Officine 27
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PlayWood realizza componenti di arredo e accessori ecologici, riciclabili, e provenienti da fonti rinnovabili, progettati secondo i principi dell’ecodesign. Nasce per offrire un approccio più sostenibile all’arredo usa e getta e per andare incontro alla flessibilità della vita moderna. “Crediamo che i mobili debbano essere fatti per durare, non per la discarica.” Ogni arredo realizzato è modulare e trasportabile. In più, può essere facilmente personalizzabile per ottenere molteplici configurazioni. PlayWood lavora con una filiera corta che permette di acquistare un mobile di alta qualità ad un prezzo competitivo grazie al contatto diretto tra produttore e cliente, che riduce i costi commerciali legati alla vendita, e all’ottimizzazione dei processi e la riduzione degli sprechi tipici della produzione industriale di massa. Un’interessante soluzione da scoprire alle Serre dei Giardini Margherita.
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PlayWood modular system
PlayWood modular system
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Podere 101 è nato con lo scopo di raggiungere l’autoproduzione alimentare ma ora si sta espandendo anche a nuovi ambiti dell’ecologia come la riforestazione. Tommaso, classe 2002, negli ultimi 4 anni oltre ad aver avviato un innovativo allevamento di galline ovaiole su pascoli e pollai mobili, ha costituito diversi gruppi di famiglie di api, presenti anche sui colli bolognesi, e ha iniziato a produrre frutta e ortaggi. La pagina Instagram, aperta nel 2020, documenta il progetto di Tommaso che, come lui afferma, ha trovato l’energia di iniziare grazie ai Fridays For Future e ai tanti giovani impegnati nelle manifestazioni. Nell’ultimo anno, il progetto ha avuto un incremento notevole in fatto di crescita e di impegno necessario, un esempio sono anche i tanti nuovi progetti e collaborazioni che il fondatore di Podere 101 sta portando avanti. Per saperne di più, vi consigliamo di visitare Design Antidoto.
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Tommaso, Podere 101
Podere 101
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Revibe è una marketplace dedicato alla moda upcycling, che riunisce fashion designer indipendenti che combattono contro gli sprechi della moda. Il progetto nasce nel 2020, durante la pandemia, da quattro amici veneti trapiantati a Parigi da diversi anni. Revibe ad oggi riunisce circa 50 designers provenienti da 7 paesi europei e oltre 600 prodotti, tutti rigenerati da materiali di seconda mano o scarti di produzione. Una vetrina online per artigiani e artisti che creano pezzi unici combinando materiale e tecniche di lavorazioni differenti. Creatività al servizio dell’ambiente e della società. Donando un contatto con una nuova sartoria circolare, Revibe permette ai propri clienti di pre-ordinare il capo e di co-crearlo con i designer tramite richieste di customizzazione.
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Revibe – Ph credit Revibe
Revibe – Ph credit Revibe
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Ultimo ma non meno importante, 3D WASP – World’s Advanced Saving Project è un’azienda leader nel settore della stampa 3D fondata da Massimo Moretti nel 2012. Ispirato dalla vespa vasaia, il progetto WASP intende realizzare costruzioni con materiali naturali locali e a costo tendente a zero. L’azienda è da sempre conosciuta per le stampanti 3D Delta WASP adattabili a tutti i bisogni, dalle piccole alle grandi dimensioni, con una linea di prodotto interamente dedicata all’Industria 4.0. Il principale obiettivo aziendale è fornire effettivi benefici all’uomo attraverso l’innovazione tecnologica e la ricerca. Per fare ciò, il ricavato dalla vendita delle stampanti 3d viene investito nella ricerca e lo sviluppo di progetti integrati nella prospettiva di una rivoluzione produttiva che apporti un benessere diffuso. Ricerca che procede parallelamente nell’ambito di materiali ecosostenibili e funzionali e di sistemi innovativi. I progetti fino ad ora realizzati dal gruppo sono completamente autofinanziati. Per conoscere questa interessante realtà, visitate Design Antidoto.
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3D WASP, Tecla 3D printed house
3D WASP, Gaia 3D printed house
La prossima settimana approfondiremo i contenuti di alcuni degli espositori citati. Qui di seguito le informazioni dlel’evento:
DESIGN ANTIDOTO, City Eden. 9 – 12 Settembre @ Serre dei Giardini Margherita, Bologna A cura di Illuminazioni Exhibit Partner: Baustudio, Azeta Print Services. Con il supporto di: Advanced Design Unit
In the last 2 years, the Forest&Whale studio, a multidisciplinary design studio working on products, circular systems, and vision for the future, has collaborated with their sustainable research arm Reuse Lab, with the aim of reducing single-use plastic waste caused by food deliveries and take-away. The amount of waste generated by these activities has grown exponentially after Covid-19 forced cities into lockdowns, with food delivery being the only option to get a meal from outside our homes.
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The team approached this large and complex problem by exploring a range of solutions, from innovative natural materials to reusable and hybrid food container models – in fact, this typology of projects isn’t new to the world of Design. WeVux already talked about it with SCOBY, organic food packaging.
The result of Forest&Whale’s experimentation is Reuse, an edible container for food delivery and take-away. As part of the exploration in compostable and edible materials, Forest&Whale have used wheat husk for the base and PHA (bacteria-based composite) for the lid. The first is edible and can be composted as food waste without the need for any special infrastructure or industrial composting facility. The lid is not edible, but PHA can also be composted without any special facility, and if accidentally goes into the ocean, it will fully decompose within 1-3 months, without any microplastic left behind. Both wheat husk and PHA are produced by suppliers in Europe, respectively in Poland and Spain.
Forest&Whale has succeeded in developing a smart alternative to disposable (fresh) food containers. Maybe Reuse won’t change the world right away, but if everyone uses it, we would definitely make a difference!
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Negli ultimi due anni lo studio Forest&Whale, studio di progettazione multidisciplinare che lavora su prodotti, sistemi circolari e visione per il futuro, ha collaborato con la sezione Reuse Lab, con l’obiettivo di ridurre i rifiuti di plastica monouso causati dalle consegne e dall’asporto di cibo. Durante questo periodo di reclusione domestica, in cui la consegna di cibo e l’asporto erano l’unica opzione per una “cena fuori”, la quantità di rifiuti generati da queste attività è cresciuta in modo esponenziale.
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Il team ha affrontato questo problema ampio e complesso esplorando diverse soluzioni, dai materiali naturali innovativi ai modelli di contenitori per alimenti riutilizzabili e ibridi – questa tipologia di progetto infatti non è nuova al mondo del Design, anche noi di WeVux ne parlammo molto tempo fa, con SCOBY, packaging biologico per alimenti.
Il risultato della sperimentazione di Forest&Whale è Reuse, un contenitore per l’asporto di piatti freschi, commestibile. Nell’ambito dell’esplorazione di materiali compostabili e commestibili, hanno trovato una soluzione utilizzando lolla di grano per la base e PHA (composito a base di batteri) per il coperchio. La prima è commestibile, e può essere compostata come rifiuto alimentare (nel vostro bidone dell’umido), senza la necessità di infrastrutture speciali o impianti di compostaggio industriale. Il coperchio non è commestibile, ma il PHA è un materiale che può essere compostato senza alcuna struttura speciale e, se accidentalmente finisce nell’oceano, si decomporrà completamente entro 1-3 mesi, senza lasciare alcuna microplastica. Sia la lolla di grano che il PHA sono prodotti da fornitori in Europa, rispettivamente in Polonia e Spagna.
Forest&Whale è riuscito a sviluppare un’alternativa intelligente ai contenitori per alimenti (freschi) monouso. Magari non cambierà il mondo questo semplice contenitore, ma se tutti lo utilizzassimo, faremmo decisamente la differenza!
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IASO debuted in 2018 as a pain-relief wearable device to stimulate tissue regeneration. Over the years, the product has gained the support of athletes, and doctors, especially for the results in relieving chronic pain without any medication, but there was a problem. The first version of IASO is too small to cover large areas and WellsCare, a company founded in Los Angeles in 2016 to provide innovative and effective health products, started from this feedback to create IASO Ultra, a larger version but not only.
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In fact, the product not only has larger dimensions than its previous version but was created with the aim of healing tissues and cells without the use of painkillers. To do this, it uses a combination of 4 different therapies for pain treatment: cold laser, blue LEDs, heat treatment, and vibration massage to heal chronic pain.
The device is equipped with a strap that allows it to be worn on any part of the body and is rechargeable. It combines the effects of four technologies to accelerate healing by increasing blood flow and naturally relieving pain. The cold laser therapy mode (pioneered by the original IASO) helps regenerate damaged tissue by penetrating deep into the skin. The treatment is further supported by IASO Ultra’s array of Blue LEDS that rehabilitate the skin and the tissues underneath. While the LEDs and lasers work on a deep-tissue level, the IASO Ultra’s heat therapy mode allows the device to work as a hot compress. The heat generated by the pad-shaped device helps improve blood circulation to the affected areas, while soothing muscles and providing comfort. A fourth Vibration mode helps loosen muscular knots and pulls with a good old-fashioned massage. Vibration adds the final touch in the therapy to enhance the process of helping the expansion of blood vessels for a better overall speedy recovery.
All of this in an elegant pad-shaped device, portable, rechargeable, and easy to use: the two-button interface makes the product accessible to everyone. In two words, IASO Ultra. Unfortunately, the Indiegogo campaign was not successful but the company assures that they will continue the product development for the sale.
Designer: Sung Won Lee, WellsCare
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(via yankodesign)
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IASO ha debuttato nel 2018 con un wearable device antidolorifico per stimolare la rigenerazione dei tessuti. Nel corso degli anni, il prodotto ha ottenuto il sostegno di atleti, appassionati e medici, soprattutto per i risultati nell’alleviare il dolore cronico senza alcun farmaco, ma c’era un problema. La prima versione di IASO è troppo piccola per coprire aree grandi e partendo proprio da questo feedback, WellsCare, compagnia fondata a Los Angeles nel 2016 per fornire prodotti sanitari innovativi ed efficaci, ha creato IASO Ultra, una versione più grande ma non solo…
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Il prodotto infatti non ha solo dimensioni maggiori rispetto la sua versione precedente, ma nasce con l’obiettivo di guarire tessuti e cellule senza l’utilizzo di antidolorifici e farmaci. Per farlo utilizza una combinazione di 4 terapie diverse per la cura del dolore: a laser freddo, a LED blue, termica, massaggio vibratorio.
Il dispositivo è dotato di una cinghia che consente di indossarlo su qualsiasi parte del corpo ed è ricaricabile. Combina gli effetti di quattro tecnologie per accelerare la guarigione aumentando il flusso sanguigno e alleviando naturalmente il dolore. La modalità di terapia a laser freddo (di cui l’originale IASO è stato pioniere) aiuta a rigenerare i tessuti danneggiati penetrando in profondità nella pelle. Il trattamento è ulteriormente supportato dai LED blu che riabilitano la pelle e i tessuti sottostanti. Mentre i LED e i laser funzionano a livello dei tessuti profondi, la modalità di terapia del calore di IASO Ultra consente al dispositivo di funzionare come un impacco caldo. Il calore generato aiuta a migliorare la circolazione sanguigna nelle aree interessate, rilassando i muscoli e fornendo comfort. La modalità Vibrazione aiuta a sciogliere i nodi muscolari con un buon massaggio. La vibrazione amplifica l’effetto benefico della terapia per una migliore e rapida guarigione.
Tutto questo in un dispositivo elegante a forma di pad, portatile, ricaricabile e facile da usare: l’interfaccia a due pulsanti rende l’utilizzo accessibile a tutti. In due parole, IASO Ultra. Purtroppo la campagna Indiegogo non è andata a buon fine ma l’azienda assicura che continuerà lo sviluppo del prodotto per la vendita.
Designer: Sung Won Lee di WellsCare
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(via yankodesign)
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The collaboration between the designer Giuseppe Arezzi e It’s Great Design by Margherita Ratti continues: after Binomio (2019), Tramoggia (2020) and Carruba (2021), they present the new Manico armchair. Similar to the two previous works, the project is the result of research on the territory and the traditions of the designer’s place of origin, Sicily. Manico, however, was born much earlier, in 2012, on the occasion of a design competition held by a historic furniture store in Catania. The request, exclusively to Sicilian designers, was to present the design of a piece of furniture inspired by Sicily.
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Arezzi, therefore, decides to tell the story of the transition from traditional agriculture – characterized by manual tools such as hoes and rakes – to contemporary agriculture, which makes use of increasingly sophisticated agricultural machinery. The name, Manico, derives from the structural element with which the armchair is built: the handles (manico in Italian) of those tools that are no longer used. The product is now the new chair of the farmer who, stripped of his tools, observes the machines at work.
“… (the farmer) he’s cooling off, under an olive tree, looking out at the machines that work for him: a ode to the more authentic and simple Sicilian culture.”
Characterized by its lightness and transparency, Manico is made with the minimum use of material: equipped with an exposed wood structure and a fabric seat, it is completed by cushions that make it extremely accommodating. Available in 4 colors (blue, green, yellow, and cream), its production is completely handmade and Made in Italy. If you want further information on the product or to discover the other pieces designed by Giuseppe Arezzi and inspired by Sicily, visit his website or It’s Great Design’s!
Ph. credits Natale Leontini
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Continua la collaborazione tra il designer Giuseppe Arezzi e It’s Great Design di Margherita Ratti che, dopo Binomio (2019), Tramoggia (2020) e Carruba (2021), presentano la nuova poltrona Manico. In maniera simile ai due lavori precedenti, il progetto è il risultato di una ricerca sul territorio e le tradizioni del luogo d’origine del designer, la Sicilia. Manico però nasce molto prima, nel 2012, in occasione di un concorso di design indetto da uno storico negozio di mobili di Catania. La richiesta, esclusivamente indirizzata ai designer siciliani, era appunto quella di sviluppare un prodotto d’arredo ispirato alla Sicilia.
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Arezzi decide quindi di raccontare il passaggio dall’agricoltura tradizionale – caratterizzata da attrezzi manuali come zappe e rastrelli – all’agricoltura contemporanea, che si avvale di macchine agricole sempre più sofisticate. Il nome, Manico, deriva dall’elemento strutturale con cui è costruita la poltrona, cioè proprio i manici di quegli attrezzi che non si usano più. Il prodotto diventa quindi la nuova seduta dell’agricoltore che, spogliato dai suoi utensili, osserva le macchine al lavoro.
“…(l’agricoltore) se ne sta al fresco, sotto un albero di ulivo, e osserva le macchine che lavorano per lui: un inno alla cultura siciliana più autentica e semplice.”
Manico è una seduta che trasmette comfort e al tempo stesso leggerezza, grazie anche ad un utilizzo minimo di materiale per la sua realizzazione: una struttura a vista in legno, una seduta in tessuto, e due cuscini che la rendono estremamente accogliente. Disponibile in 4 colori (blu, verde, giallo e crema), la produzione è completamente artigianale e Made in Italy. Per avere maggiori informazioni sul prodotto e scoprire gli altri pezzi progettati da Giuseppe Arezzi e ispirati alla Sicilia, potete visitare il suo sito o quello di It’s Great Design!
Foto di Natale Leontini
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If we think about our organic waste bin at home, the smell is not always pleasant and sometimes it’s difficult to clean it. In general, organic waste could be used to create compost, therefore to nourish your plants and flowers, but this solution requires effort: if you have no experience and the fermentation doesn’t take place as it should, the compost starts to smell and this would not please your neighbors. Anyways, design has already found a solution and is called Lomi.
Designed by the brand Pela, the product is very simple: a single button activates the whole process. Through abrasion, the waste is crushed, while the combination of heat and oxygen mimics and accelerates the natural process of organic decomposition. The result is a fertile and rich compost, ready to feed the plants and flowers of your house, terrace, or garden. Compared to other products, Lomi has the advantage of being more compact, practical, and easy to use.
The big news is that Lomi’s crowdfunding campaign on Indiegogo has reached almost 1000% of the goal, for a total sum of almost 4 million euros. A good result also for us: this success shows how more and more people are aware of their environmental impact and hence, willing to choose intelligent products, able to make a difference. If you are interested you still have one week to order Lomi! The cost isn’t the cheapest but the successful campaign could be a help for subsequent series.
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Pandemia o no, uno dei risultati positivi di questi due anni è un’attenzione sempre maggiore al verde, al mangiare biologico, in generale alla ricerca di quello stile di vita bucolico che fa tanto campagna, ma che in fondo manca un po’ ad alcuni cittadini. Anche in questo caso il design ci viene in aiuto con un nuovo prodotto che potrebbe rivoluzionare non solo i nostri orti domestici, ma anche la gestione dei rifiuti. Pensiamo all’umido, non è sempre piacevole l’odore e a volte risulta difficile pulire il contenitore. In generale i rifiuti organici potrebbero essere utilizzati per creare compost, quindi nutrimento per le piante, ma questa soluzione richiede impegno: se siete inesperti e la fermentazione non avviene come dovrebbe, il compost inizia a puzzare e questo non farebbe piacere nemmeno ai vostri vicini. La soluzione a tutto questo però c’è già e si chiama Lomi.
Progettato dal brand Pela, il prodotto è molto semplice: ha un pulsante solo che aziona l’intero processo. Attraverso l’abrasione gli scarti vengono sminuzzati, mentre la combinazione di calore e ossigeno simula e accelera il processo naturale di decomposizione organica. Il risultato è un compost fertile e ricco, pronto per nutrire le piante e i fiori di casa, terrazzo o giardino. Rispetto ad altri prodotti, Lomi ha il pregio di essere più compatto, pratico e semplice da utilizzare.
La notizia ancora più bella è che la campagna crowdfunding su Indiegogo ha raggiunto quasi il 1000% dell’obiettivo, per una somma totale che arriva quasi a 4 milioni di euro. Un bel risultato non solo per l’azienda ma anche per noi: il successo del prodotto ci fa notare come sempre più persone siano attente al proprio impatto ambientale e disposte a scegliere prodotti intelligenti, in grado di fare la differenza. Se siete interessati avete ancora una settimana per ordinare Lomi! Il costo non è dei più economici ma la campagna di successo potrebbe essere un aiuto per le successive serie.
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Off-grid communities live autonomously without reliance on a utility for electricity, gas, sewage system, internet connection, and still today we can find many. Some of these people have voluntarily chosen to move away from the city and therefore from the services that are provided, while others are part of those indigenous groups that for centuries have inhabited remote areas, far from trade routes. These communities, sometimes completely foreign to technology, must find more and more solutions to adapt to climate change. WaterLight is one of the possible solutions for this context: a wireless light that converts salt water into electricity. A more reliable alternative to solar lamps, whose efficiency depends very much on the weather conditions.
Designed in Colombia by the local start-up E-Dina in collaboration with the Colombian division of the creative agency Wunderman Thompson, WaterLight guarantees instant energy, as soon as the container is filled with water. The portable device can be filled with 500 milliliters of seawater – or even urine in emergency situations – to emit up to 45 days of light. Acting as a mini power generator, WaterLight can also be used to charge a mobile phone or another small device via its integrated USB port.
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The device works 24 hours a day through ionization, which sees electrolytes in the saline liquid react with magnesium and copper plates on the interior of the lamp to produce electricity. Although this is a long-established process, E-Dina has developed and patented a way to sustain the chemical reaction over a prolonged period of time so that it can be used to power a light source.
Throughout its life, one light can provide approximately 5,600 hours of energy, which equates to two or three years of use, depending on how often it is needed. The lamp has a cylindrical case made of Urapán wood with a circuit integrated into its base and a perforated cap on top that allows water to flow into the device while the hydrogen gas created during the ionization process can escape. After the salt particles have evaporated, the lamp can be emptied and refilled while the used water can be repurposed for washing or cleaning.
This current iteration of the lamp was designed specifically for the Wayúu people, an indigenous tribe living on the northernmost tip of South America where Colombia meets Venezuela. For centuries, the Wayúu have occupied the remote, desert landscape of the Guajira peninsula. Although removed from the rest of society, the area is surrounded on all sides by the Caribbean Sea, which offers a plentiful resource to power the WaterLight. Wunderman Thompson worked to integrate the rich, cultural heritage of the tribe into the design of the lights, with traditional symbols and patterns carved into its wooden casing and the colorful carrier straps woven by local craftswomen using a technique that goes back to pre-colonial times.
Once it reaches the end of its life, Wunderman Thompson claims the lamp can be fully recycled. The goal is to ultimately roll out a pared-back, mass-produced version of the WaterLight across the world to supply the 840 million people who currently live without electricity. The team expects the design will be particularly useful in places like Syria, Sierra Leone, and Somalia, which don’t have a comprehensive power grid but have direct access to a coastline.
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Ancora oggi esistono nel mondo comunità off grid, cioè che non sono collegate alle reti di elettricità, gas, sistema fognario, connessione internet. Una parte di queste ha scelto volontariamente di allontanarsi dalla città e quindi dai servizi che vengono forniti, altre invece fanno parte di quei gruppi autoctoni che per secoli hanno abitato zone remote o lontane dalle rotte commerciali. Soprattutto questi ultimi, a volte completamente estranei alla tecnologia, devono trovare sempre più soluzioni per adattarsi al cambiamento climatico e al mondo che cambia. Proprio in questo contesto nasce WaterLight, una luce senza fili che converte l’acqua salata in elettricità, un’alternativa più affidabile alle lampade solari, la cui efficienza dipende molto dalle condizioni meteo.
Creata in Colombia dalla start-up locale E-Dina in collaborazione con la divisione colombiana dell’agenzia creativa Wunderman Thompson, WaterLight garantisce energia all’istante, non appena il contenitore viene riempito d’acqua. Il dispositivo portatile può essere riempito con 500 millilitri di acqua di mare – o addirittura urina in situazioni di emergenza – per emettere fino a 45 giorni di luce. Agendo come un mini generatore di corrente, WaterLight può essere utilizzato anche per caricare un telefono cellulare o un altro piccolo dispositivo tramite la sua porta USB integrata.
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Il dispositivo funziona 24 ore al giorno attraverso la ionizzazione, che vede gli elettroliti nel liquido salino reagire con piastre di magnesio e rame all’interno della lampada per produrre elettricità. Sebbene questo sia un processo consolidato, E-Dina ha sviluppato e brevettato un modo per sostenere la reazione chimica per un periodo di tempo prolungato in modo che possa essere utilizzato per alimentare una sorgente di luce.
Durante il suo ciclo di vita la luce può fornire circa 5.600 ore di energia, che equivalgono a due o tre anni di utilizzo, a seconda della frequenza con cui è usata. La lampada ha una custodia cilindrica in legno di Urapán con un circuito integrato nella base e un coperchio perforato sulla parte superiore che consente all’acqua di fluire nel dispositivo mentre l’idrogeno gassoso, creato durante il processo di ionizzazione, può fuoriuscire. Dopo che le particelle di sale sono evaporate, la lampada può essere svuotata e riempita di nuovo mentre l’acqua rimasta può essere riutilizzata per il lavaggio o la pulizia.
Questa attuale versione della lampada è stata progettata specificatamente per il popolo Wayúu, una tribù indigena che vive sulla punta più settentrionale del Sud America, dove la Colombia incontra il Venezuela. Per secoli, i Wayúu hanno occupato il remoto paesaggio desertico della penisola di Guajira. Sebbene lontana dal resto della società, l’area è circondata su tutti i lati dal Mar dei Caraibi, che offre una risorsa abbondante per alimentare WaterLight. Wunderman Thompson ha lavorato per integrare il ricco patrimonio culturale della tribù nel design del dispositivo: l’involucro in legno è scolpito con simboli e motivi tradizionali, mentre le cinghie per il trasporto sono tessute da artigiane locali utilizzando una tecnica che risale all’epoca precoloniale.
Una volta che WaterLight non funziona più, Wunderman Thompson afferma che può essere completamente riciclata. L’obiettivo finale del progetto è lanciare una versione ridotta e prodotta in serie in tutto il mondo, con il fine di fornire gli 840 milioni di persone che attualmente vivono senza elettricità. Il dispositivo potrebbe essere particolarmente utile in luoghi come Siria, Sierra Leone e Somalia, che non dispongono di una rete elettrica completa ma hanno accesso diretto a una costa.
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Lobke Beckfeld and Johanna Hehemeyer-Cürten are completing their master’s degrees at the Weißensee Academy of Art Berlin, but in the meantime, they are also looking for manufacturers and industrial producers to collaborate with to make their project available on the market. In fact, the Berlin design students are also the creators of Sonnet155, a translucent handbag made with fruit waste, that dissolves in water and at the end of its life can be used to fertilize plants.
The project consists of two different industrial production waste materials: fruit skins left over from juice production and short cellulose fibers sourced from a local textile factory. Sonnet155’s key ingredient is pectin, a gelling agent that is extracted from the cell walls of the waste fruit and acts as a natural binder. This is reinforced with cellulose fibers shorter than five millimeters long, which are filtered out during the industrial textile production process because they are too short to be turned into fabric. The percentage of cellulose, as well as the length and density of the fibers, determine the structure, the level of translucency, and the resilience of the material. Combined with warm water, the mixture is left to cure in a mould for up to five days before it is sewn together.
The Sonnet155 handbag is available in different sizes. Each model has a unique texture created by natural pigments that offer a range of colors from light to dark, while the structure of the mold makes the material matt or glossy. Although it resembles a purse, the product has a lifespan closer to a disposable paper bag and is designed to degrade naturally with wear before it can ultimately be composted or recycled. Once it is too worn to be used, the material can be dissolved in warm water and re-melted to create a new bag of the same quality. Alternatively, the cellulose can be filtered through a sieve and reused, while the pectin can become plant food.
Lobke Beckfeld e Johanna Hehemeyer-Cürten stanno completando i loro master presso Weissensee Kunsthochschule di Berlino, ma nel frattempo sono anche alla ricerca di produttori industriali con cui collaborare per rendere il loro progetto disponibile sul mercato. Le studentesse di Berlino infatti sono anche le ideatrici di Sonnet155, una borsa traslucida fatta con la buccia della frutta che si dissolve in acqua e a fine vita può essere utilizzata per fertilizzare le piante.
Il progetto è composto da due diversi materiali di scarto di produzioni industriali: le bucce di frutta rimaste dalla produzione di succhi e le fibre corte di cellulosa provenienti da una fabbrica tessile locale. L’ingrediente chiave di Sonnet155 è la pectina, un agente gelificante che viene estratto dalle pareti cellulari dei frutti scartati e agisce come un legante naturale. Questo è rinforzato con fibre di cellulosa lunghe più di cinque millimetri, che vengono filtrate durante il processo di produzione tessile industriale, perché troppo corte per essere trasformate in tessuto. La percentuale di cellulosa, così come la lunghezza e la densità delle fibre, determinano la struttura, il livello di traslucenza e la resilienza del materiale. Il composto viene colato in stampi e lasciato asciugare fino a 5 giorni. I modelli vengono poi cuciti insieme, proprio come fosse vera pelle.
La borsa Sonnet155 è disponibile in diverse dimensioni. Ogni modello ha una texture unica creata dai pigmenti naturali che offrono una gamma di colori da chiari a scuri, mentre la struttura dello stampo rende il materiale opaco o lucido. Sebbene assomigli a una borsa, il prodotto ha una durata più vicina a un sacchetto di carta usa e getta ed è progettato per degradarsi naturalmente con l’usura. Una volta che è troppo consumato per essere utilizzato, il materiale può essere sciolto in acqua tiepida e rifuso per creare un nuovo sacchetto della stessa qualità. In alternativa, la cellulosa può essere filtrata con un setaccio e riutilizzata, mentre la pectina può diventare un fertilizzante.
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Pocodisegno is a young design studio founded by Gianluigi Frezzini and Fabrizio Gagliano. They believe that industrial design can be a tool to improve our society: not only from the point of view of needs and necessities but by developing projects that respond to contemporary themes, such as reparability, overproduction, production optimization… A concrete example of this responsible method is U211, an umbrella designed to last.
When we think about this typology of products, we can’t help but count the number of umbrellas bought, and then broken, that have occurred in our life. As the studio reminds us, “we are so used to the fragility, the disposable nature of these objects, sold for little money on street corners, that it’s normal to forget them when we leave a restaurant.” But as designers, they saw the opportunity for a new solution that could respond to our contemporaneity.
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They involved Ombrellificio Torinese, a historic workshop in Torino, to understand which elements could affect the durability of this product. The most fragile parts of the mechanism are the joints, which are often difficult to repair. A broken joint compromises the use of the whole umbrella, which becomes difficult to open and close. The end-user is therefore forced to buy a new one. Furthermore, to recycle an umbrella, efforts are required to separate the different materials, a difficult task especially for the use of glues.
Pocodisegno has therefore designed a mechanism with semi-open joints to replace only the damaged component while preserving the entire umbrella. To allow this, no permanent glues or fixings are used, but only two screws: one fixes the handle and one the entire mechanism. In this way, all components can be easily separated and replaced. The choice of materials, aluminum for the handle and PET-G for the mechanism, allows you to recycle all the damaged parts
U211 is not just the redesign of an umbrella, but the desire to be as coherent as possible with our contemporaneity. It’s not just about design, but HOW we do it. If we think about the result then, we have another level of the project interpretation, that is to re-educate/rethink how we consume objects. In order to apply this method, Pocodisegno takes care of the entire product research and development process. From marketing to manufacturing, the studio asks the right experts at the right moment in the design process, working as one multidisciplinary team. Even the sale, which takes place through the project partners’ distribution channels, plays an important role because it is a “certification” that the idea is adopted and spread, that is, that the product can enter our daily life.
U211 is just one of Pocodisegno’s projects, I invite you to visit their website and their Instagram page to see their other works and learn more about their approach! Photo by Federico Villa
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Pocodisegno è un giovane studio di design fondato da Gianluigi Frezzini e Fabrizio Gagliano. L’approccio alla base del loro lavoro è che il design industriale possa essere uno strumento per migliorare la nostra società: non solo dal punto di vista di bisogni e necessità, ma sviluppando progetti che rispondono a temi contemporanei, come la riparabilità, la sovrapproduzione, l’ottimizzazione della produzione… Un esempio concreto di questo metodo responsabile è il progetto U211, un ombrello progettato per durare.
Quando pensiamo a questa tipologia di prodotto non possiamo fare a meno di contare il numero di ombrelli comprati, e poi rotti, che si sono succeduti nella nostra vita. Come ci ricorda lo studio, “siamo così abituati alla fragilità, alla natura usa e getta di tali oggetti, venduti per poco agli angoli delle strade quando piove, che è normale dimenticarli all’ingresso di un ristorante.” Grazie a questi ragionamenti nasce nei designer la volontà di migliorare questa situazione, cercando una soluzione che risponda alla nostra contemporaneità.
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Hanno quindi coinvolto nel progetto l’Ombrellificio Torinese, una bottega che produce ombrelli da tre generazioni, per capire quali elementi pregiudicassero la durabilità di questa tipologia di prodotto. Le parti più fragili del meccanismo sono i giunti, spesso difficili da riparare. Un giunto rotto compromette l’uso di tutto l’ombrello, che diventa difficile da aprire e chiudere. L’utente finale è quindi costretto a comprarne uno nuovo. Inoltre, per riciclare un ombrello, sono necessari sforzi e buona volontà per separare i diversi materiali, un compito difficile soprattutto per l’uso delle colle.
Pocodisegno ha quindi progettato un meccanismo dai giunti semi-aperti per sostituire solo il componente danneggiato, conservando l’intero ombrello. Per permettere ciò, non vengono utilizzate colle o fissaggi permanenti, ma solo due viti: una fissa il manico e una l’intero meccanismo. In questo modo tutti i componenti possono essere facilmente separati e sostituiti. La scelta dei materiali, alluminio per il manico e PET-G per il meccanismo, permette poi di riciclare tutte le parti danneggiate.
U211 non è solo la riprogettazione di un ombrello, ma il desiderio di essere il più possibile coerenti con la propria contemporaneità. Non si tratta solo di progettare, ma di COME si progetta. Se ragioniamo sul risultato poi, abbiamo anche un altro livello di lettura del progetto e cioè rieducare/ripensare a come consumiamo gli oggetti. Per poter applicare questo metodo, Pocodisegno cura l’intero processo di ricerca e sviluppo del prodotto. Dal marketing alla produzione, lo studio si avvale delle competenze degli esperti giusti nel momento richiesto, lavorando come un team multidisciplinare. Anche la vendita, che avviene attraverso i canali di distribuzione delle aziende partner, ha un ruolo importante, perché è una “certificazione” che l’idea sia adottata e diffusa, ovvero che il prodotto entri poi nella nostra quotidianità.
U211 è solo uno dei progetti di Pocodisegno, vi invito a visitare il loro sito e la loro pagina Instagram per vedere gli altri lavori e conoscere meglio il loro approccio!
Foto di Federico Villa
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With the purpose of creating an alternative to animal leather, Adrián López Velarde and Marte Cázarez, both hailing from Mexico, developed vegan leather made with nopal (a cactus also known as the prickly pear), which they successfully showcased last October 2019 in Milan, Italy. Its trade name is Desserto® and it has competitive features compared to animal or synthetic leather, like sustainability, performance and aesthetics.
Adrian and Marte had the idea after working in the furniture, automotive and fashion industries where they identified that the problem of environmental pollution was very serious. As a result, they were genuinely interested in reducing environmental impact, so they decided to leave their jobs and start Adriano Di Marti, a company to focus on developing Desserto®, which nowadays is known as cactus (or nopal) vegan leather.
Desserto® is a highly sustainable plant based vegan leather made from cactus, often distinguished by its great softness at touch while offering a great performance for a wide variety of applications and complying with the most rigorous quality and environmental standards. The aim is to offer cruelty free, sustainable alternatives, without any toxic chemicals, phthalates and PVC. The result is partially biodegradable. Produced in a large variety of colors, thicknesses and textures Desserto® can exceed the demands of an ever-evolving industry.
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While Desserto® has the technical specifications required by the fashion, leather goods, luxury packaging and furniture industries, Deserttex® is an automotive exclusive material which aim is to provide premium brands a highly sustainable cactus-based material which performs to the standards of the industry.
In the state of Zacatecas, México, Adrian and Marte have a ranch where they grow the raw material: cactus. At the ranch they select and cut only the mature leaves of the plant without damaging the cactus itself, so every 6-8 months they will a new harvest. Also, they do not use an irrigation system for the cactus, it grows with rain water and the earth minerals which are rich in Zacatecas and great for the nopal cactus. The selected cactus is very resilient and strong, it can handle low temperatures during winter without dying and its thorns are very small so it’s easier and safer for our agriculture team to harvest. The ranch is fully organic, so there are no herbicides nor pesticides used. All the remaining organic cactus material not used in their process is exported and sold nationally in the food industry.
Adriano Di Marti’s new materials are interesting and clever solutions with a lot of potential. The results of this research show us once again how it is possible to tackle issues related to sustainability and recycling, within an industrial production. If you want to see other examples of new sustainable materials click here.
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With Mattonelle Margherita, Mutina has worked with colour, along with the artist Nathalie Du Pasquier, creating a complex project featuring a blend of different aesthetic and formal means of expression. The collection is characterized by a dual concept: on one hand, a simple, minimalist style and, on the other, a bold, creative approach. The elements are created in glazed porcelain stoneware, deepening into a careful research about the glazes, in order to identify the most reactive, so as to give a bright, vibrant finish to the satin-effect surface.
The French artist, founder of the Memphis group in the 80s, together with Ettore Sottsass, created a pop collection capable of highlighting and bringing to light the characteristics of any domestic environment. As she said, with these tiles, a simple white enameled gas stove, the aunt’s cupboard, but also an induction cooker and cabinets that open with the remote control fit well. It is a perfect collection for small spaces, with the floor, plinth and walls entirely covered with tiles with different patterns, or to fill a bordered carpet in the living room of a summer house with a 60 inch television.
There are 41 hand-drawn patterns, 27 graphics and 6 solid color elements (in the 20.5 x 20.5 cm format), as well as 6 patterns and 2 solid color elements (in the 10.1 x 20 format, 5 cm), modular to each other with a 2 mm gap. The combinations are endless, as are the layouts and the possibility of choice!
Honext is a Barcelona-based startup which has developed a sustainable construction board material made from a combination of enzymes and cellulose taken from the paper production waste. The material is made from what Honext describes as an “untapped resource”: cellulose residue taken from cardboard and paper waste generated at paper mills. This has already gone through several reuse cycles, meaning that the remaining cellulose fibers are too short to be bound together in order for it to be made into paper again. As a result, these fibers would typically end up in landfill or be burnt, a process that creates an estimated seven million tons waste globally each year.
Here comes Honext, which saves this material from becoming waste by turning it into construction boards for interior partitioning or cladding. The company mixes together waste cellulose fibers with water and enzymes – depending on the quality of the waste, a mixture of 50 to 75 per cent paper sludge and 25 to 50 per cent cardboard waste is used. By adding certain enzymes during the production process, Honext creates stronger bindings between the short cellulose fibers without having to use non-recyclable resins. This enzymatic treatment is key to the process, as fibers of this length – less than five millimeters – can’t usually be held together without resins or other gluing additives for use in the construction industry.
Non-toxic additives are also added to improve the board’s UV resistance. This material mixture is then compressed and shaped into a wet board, before the board is fed through a drying tunnel. After it has dried, any remaining water is evaporated through high airflow and temperature, leaving the final result. This production method also makes the board emissions-free, unlike similar materials like MDF or drywall, it does not emit any harmful particles. The cellulose board is also lighter, more flexible and has greater sound absorption than these materials.
In addition to making the material itself as sustainable as possible, Honext also aims to make the production process carbon neutral. Manufactured in Vacarisses – a village in the province of Barcelona, Spain – Honext’s cellulose material is produced using gas and electricity generated from the digestion of the town’s waste, while any water used is reused in a closed circuit. Once the material has reached the end of its life, it is fed back into the production pipeline to create a new set of boards. This process also strips the material of any coating or finish applied by the constructor.
The next step in the development of Honext’s material is to find leading architects and designers who will use its boards in building projects in order to demonstrate its potential.
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JERRY C1 is a compact, portable and smart projector that combines plastic and fabric materials. Designed by Jerry C, this product features a knitted acoustic fabric that is used on the top of it to optimize the sound produced, thereby providing better sound quality. When not projecting, it can be also used as a powerful Bluetooth smart speaker.
C1 is a compact and minimal object, aesthetically accurate down to the detail. The product is clearly inspired by the Braun product design approach developed by Dieter Rams in the 60s. You can visit Jerry C Behance to know more about C1 and discover more projects such as the Minions Smart projector.
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Vietnamese designer Uyen Tran has developed a flexible bio-material called Tômtex, a leather alternative made from seafood waste that can be embossed with several different patterns. The name tôm (shrimp) references the discarded food that is mixed with coffee grounds to create the textile. The biodegradable material is durable while soft enough to be hand-stitched or machine-sewn
In a bid to kill two birds with one stone, Tran developed a leather alternative using an abundant, natural resource – food waste. Every year, up to eight million tonnes of waste seafood shells and 18 million tonnes of waste coffee grounds are generated by the global food and drinks industry. The world is running out of raw materials, so she wants to re-purpose these wastes into a new, accessible bio-material for everyday life to help people better understand the problem and contribute to making a change.
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The New York-based designer works with a supplier in Vietnam, who gathers waste shrimp, crab and lobster shells as well as fish scales, to extract a biopolymer called chitin from them. This is found in the exoskeleton of insects and crustaceans, rendering them both tough and pliable at the same time. Combined with waste coffee from Tran’s own kitchen and from local cafes, this forms the basis of Tômtex.
The mixture is dyed using natural pigments such as charcoal, coffee and ochre to create a variety of colour options. Poured into the mold, the mixed material is air-dried at room temperature for two days. The process doesn’t require heat, therefore it saves more energy and reduces carbon footprint.
Rather than leaving the material in a smooth mold, Tran, as designer, crafts her own from clay or using a 3D printing process. This allows her to create her own finishes, which are able to mimic the look of snakeskin or crocodile leather as well as more abstract decorations. Tômtex can replicate any textural surface and it can be customized to be either leather-like, rubber-like or plastic-like by adjusting the formula and the way of production. So the possible applications go beyond fashion to packaging, interior or industrial design. Moreover, the resulting material is also naturally water-resistant, a feature that can be enhanced by adding a coating of beeswax on top.
When a Tômtex product has reached the end of its life, Tran claims it can be either recycled or be left to biodegrade. If Tômtex ends up in the landfill, it will fully biodegrade in the natural environment in a few months and can act as a fertilizer for plants.
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Since we began to see our waste as a resource, and not a problem, design has played a fundamental role in exploring new materials for the future. We already talked about some examples such as KeepLife, who use dried fruit waste; The High Society who exploit waste from industrial processes of hemp, tobacco, wine, beer and coffee; Evelina Kudabaité who focuses on industrial waste from Lithuanian carpentry shops; NewTab22 who use shells and waste from the sea; Roza Janusz who created an organic material fed with an extract from agricultural waste, and many more… Today we want to talk about another toxic and harmful waste, which is the basis of two new material researches: cigarette butts.
The protagonists are two designers who (almost simultaneously) worked on their own research: Carolina Giorgiani, Italian material / product designer and Sachi Tungare, multidisciplinary designer from Mumbai.
Carolina’s project is called Butts Ocean and explores material possibilities of the cellulose acetate contained in cigarette butts. It is a collection of material samples obtained through different DIY / material driven design processes. The result is primitive and abstract but, at the same time, clearly suggests its possibility as a new plastic material. In fact, a series of these samples – which the designer called butt_er – was selected as finalist in the “Best Industry Application” category of the MaDe Competition for its “spreadability”.
Butts Ocean was born from the desire to raise awareness of the pollution caused by cigarette butts on beaches and seas around the world. Giving new life to this polluting material can be a first step to collect this waste. Carolina’s goal is to work as a designer and activist, tackling the problem of cigarette butts pollution through the research and exploration of new aesthetics and forms, exploring the possibilities of this typology of waste.
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Sachi Tungare’s project is called Jugaad, a notoriously untranslatable Hindi term that describes solving a problem in an improvised yet ingenious way with limited resources at hand. Jugaad, unlike Butts Ocean, takes shape and is declined in a collection of colored bowls and vases. Once cleaned with ecological detergents, the material is dissolved, mixed with colour and water and then cast into the molds. The nature of cellulose acetate is such that when its solution comes into contact with water, it forms a precipitate. This means that a part of it solidifies in the mold and separates from the remaining liquid, which is then poured away in a process that gives rise to the fluid and organic formations that characterize the entire collection.
Completely unknowingly, the two designers are carrying out a very similar research on one of the most widespread waste in the world. In addition to the “coincidence” of the research, it is interesting to evaluate the final result and their methods: if Carolina prefers to explore the possibilities of this new material, with a final and “open” result such as samples, Sachi has preferred a more academic approach, applying the new material to the production of vases and bowls.
Now are question is, what if these two designers started to collaborate, combining their knowledge and contacts? Visit Carolina Giorgiani‘s page to know more about Butts Ocean and Sachi Tungare‘s to discover Jugaad collection!
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Da quando abbiamo iniziato a vedere i nostri rifuti come risorsa, e non più come un problema, il design ha avuto un ruolo fondamentale nell’esplorazione di nuovi materiali per il futuro. Abbiamo già parlato di alcuni esempi come KeepLife, che utilizza gli scarti della frutta secca; The High Society che sfrutta quelli dei processi industriali di canapa, tabacco, vino, birra e caffè; Evelina Kudabaité che si focalizza sugli scarti industriali delle falegnamerie lituane; NewTab22 che utilizza conchiglie e scarti del mare; Roza Janusz che ha realizzato un materiale organico che si nutre degli estratti degli scarti agricoli, e così via.
Oggi vogliamo parlare di un altro rifiuto tossico e nocivo, che è alla base di due nuove ricerche materiche: i mozziconi di sigarette. Le protagoniste sono due designer che hanno lavorato (quasi contemporaneamente) ognuna sulla propria ricerca: Carolina Giorgiani, material/product designer italiana e Sachi Tungare, designer multidisciplinare di Mumbai.
Il progetto di Carolina si chiama Butts Ocean ed esplora le possibilità materiche dell’acetato di cellulosa contenuto nei mozziconi di sigarette. Si tratta di una collezione di campioni di materiale ottenuti attraverso diversi processi DIY/material driven design. Il risultato è primitivo e astratto ma allo stesso tempo suggerisce chiaramente il suo possibile riutilizzo come nuova materia plastica. Infatti, una serie di questi campioni – che la designer ha chiamato butt_er – è stato selezionato come finalista nella categoria “Best Industry Application” del MaDe Competition per la sua “spalmabilità”.
Butts Ocean nasce dalla volontà di sensibilizzare le persone sull’inquinamento causato dai mozziconi presenti nelle spiagge e nei mari di tutto il mondo, dimostrando che dare nuova vita a questo materiale inquinante e disgustoso può essere un primo passo per raccogliere questi rifiuti. L’obiettivo di Carolina è quello di lavorare come designer e attivista, affrontando il problema dell’inquinamento dei mozziconi di sigarette, ma anche ricercando nuove estetiche e forme per esplorare le possibili applicazioni di questa tipologia di rifiuto.
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Il progetto di Sachi Tungare invece si chiama Jugaad, termine hindi notoriamente intraducibile che descrive la risoluzione di un problema in modo improvvisato ma ingegnoso, con risorse limitate a portata di mano. Jugaad, diversamente da Butts Ocean, prende forma e viene declinata in una collezioni di ciotole e vasi colorati. Una volta pulito con detergenti ecologici, il materiale viene sciolto e colato negli stampi. L’acetato di cellulosa è tale che, quando la sua soluzione viene a contatto con l’acqua, forma un precipitato. Ciò significa che una parte di esso si solidifica nello stampo e si separa dal liquido rimanente, che viene poi versato via in un processo che dà origine alle formazioni fluide e organiche che caratterizzano tutta la collezione.
In maniera del tutto inconsapevole le due designer si sono trovate a realizzare una ricerca molto simile su uno dei rifiuti più diffusi nel mondo. Oltre alla “coincidenza” della ricerca, è interessante valutarne il risultato finale e il metodo: se Carolina preferisce esplorare le possibilità del materiale, lasciando il risultato finale “aperto” e portando dei campioni, Sachi ha preferito un approccio più accademico, applicando il nuovo materiale alla produzione di vasi e ciotole.
Ora la domanda è, e se queste due designer iniziassero a collaborare, unendo le proprie conoscenze e i propri contatti? Visita il sito di Carolina Giorgiani per sapere di più riguardo Butts Ocean e quello di Sachi Tungare per scoprire la collezione Jugaad!
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Established in 2009 by Sukwoo Lee, SWNAis the design office located in the highly inspirational city of Seoul, Korea. They are a group of passionate designers who experiment the design process and cross over the various fields striving to create meaningful designs for the better world. They develops design projects in the fields of objects, environment and strategy. Among SWNA’s clients we can find name such as Google nest, Samsung, BMW, Audi, Hyundai Motors, LG, 3M, Dell, Nestlé, Siemens, and many more…
Since 2018, SWNA has designed a small air purifiers with JAJU as the first product to reflect Korea’s lifestyle. The simple and light appearance of JAJU air purifier fits in different indoor settings harmoniously. It’s designed in an optimized size for a space such as a living room or a small room. Electric dust precipitator is an advantage that can be used semi-permanently without replacement. In addition, The air purifier was designed in a simplified form so that anyone can easily replace dust filters.
Italtex was founded in 1946 as a manufacturer of silk fabrics for women’s clothing. Since 2003, the third new generation has joined the company and production is carried out entirely in Italy in the ten thousand square meters plant, in the province of Como. Today Italtex produces about three million meters of fabric a year and has a turnover of nine million euros (compared to three years ago, the growth is 30%). Italtex is a leader in the segment of technical fabrics for fashion and is active in eco-sustainable production with the creation of recycled nylon fabrics from oceanic fishing nets. One of their latest products is VIRKILL ®, a new antiviral fabric that breaks down Coronavirus:
VIRKILL® is tested according to the International Standards ISO 18184: 2019 for the determination of its antiviral activity against the SARS-CoV-2 virus (cause of the COVID-19 syndrome): the test found an Mv index (antiviral activity) equal to 3.25, which corresponds to an inactivation of the virus greater than 99.9% already at the first check.
Thanks to a surface treatment with copper nano particles, the fabric acquires a tested antiviral property that does not deteriorate with washing. This allows VIRKILL ® to be used in multiple sectors such as fashion, medical, Ho.Re.Ca and travel.
Nowadays, soluble copper compounds are used as bactericides in plaster paints, on ship hulls, in hospital water pumps, in agriculture, and so on. Copper has been shown to inactivate a variety of viruses such as bacteriophages, bronchitis viruses, polioviruses, herpes simplex viruses, and HIV-1. Therefore it’s as the perfect material to help us fight this period of crisis. Visit VIRKILL® to learn more about this new antiviral fabric!
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Italtex nasce nel 1946 come azienda produttrice di tessuti in seta per abbigliamento femminile. Dal 2003, con l’arrivo della nuova generazione, la produzione viene realizzata interamente in Italia nei diecimila metri quadri dello stabilimento in provincia di Como. Oggi l’azienda produce circa tre milioni di metri di tessuto all’anno e fattura nove milioni di euro (rispetto a tre anni fa, la crescita è del 30%). Italtex è leader nel segmento dei tessuti tecnici per la moda ed è attiva nella produzione ecosostenibile con la realizzazione di tessuti da nylon riciclati provenienti dalle reti da pesca oceaniche. Uno dei loro ultimi prodotti è VIRKILL ®, un nuovo tessuto antivirale che abbatte il Coronavirus:
VIRKILL® è testato secondo gli International Standard ISO 18184:2019 per la determinazione della sua attività antivirale nei confronti del virus SARS-CoV-2 (causa della sindrome COVID-19): il test ha riscontrato un indice Mv (attività antivirale) pari a 3.25, che corrisponde ad una inattivazione del virus superiore al 99,9% già al primo controllo.
Attraverso un trattamento superficiale con nano particelle di rame il tessuto acquisisce una proprietà antivirale testata che non deteriora con i lavaggi. Ciò permette a VIRKILL ® di essere utilizzato in molteplici settori come moda, medicale, Ho.Re.Ca e travel.
Al giorno d’oggi, i composti di rame solubili vengono utilizzati come battericidi nelle vernici da intonaco, sugli scafi delle navi, nelle pompe dell’acqua ospedaliere, nell’agricoltura, e così via. Il rame ha dimostrato di inattivare una varietà di virus come batteriofagi, virus della bronchite, poliovirus, virus dell’herpes simplex e HIV-1. Si presenta quindi come il materiale perfetto per aiutarci a combattere questo periodo di crisi. Visita VIRKILL® per conoscere meglio questo nuovo tessuto antivirale!
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Yona is an early-stage experience design concept that reimagines the pelvic exam from a patient-centered perspective, beginning with the design of the speculum. The aim is to transform health care, “one vagina at a time”. Founded in 2017, Yona is the brainchild of Rachel Hobart, Sahana Kumar, Hailey Stewart, and Fran Wang, designers and engineers at frog design. It’s a work in progress – today a concept and conversation starter.
Yona has been a work of passion, coming to life over nights and weekends. The launch of this site is the fruit of that labor and research.
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In creating this concept and starting this conversation, the Yona team strives to be human, “caring with a personality”, inclusive, they want “Yona to be accessible to anyone that relates to these experiences, regardless of gender-identity, race, age, sexual orientation, etc.”. Mature, they call a vagina, a vagina. Straightforward, because they believe you shouldn’t need a PhD to understand what’s happening to your body or going inside of it. Unbiased, as they present trusted sources for accurate, transparent, and evidence-based information.
Developing a medical device takes time. Over the past three years, the team have been working behind the scenes to design and engineer a speculum to better serve patients and providers. In December 2019, they revealed the prototype at Design Miami, as part of Instagram’s ‘Design For All’ theme. Since then they have focused on finding potential partners with expertise and experience in medical device development and clinical testing who can help them take the speculum to market as quickly as possible. Currently, the speculum is not available for purchase or distribution.
